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웹아트의 몇몇 자-사-수-서- 막 보쥬
웹아트의 참조지점은 자신을 에워싼 해석보다 각자 자기 세계에 관한 해석에 더 몰두하는
다른 현대미술의 참조지점에 빠르게 또는 순간적으로 합류한다. 그러나 다른 예술들은 때로는 수세기로까지 이어지는 역사적 기간 동안 세계를 독점적 발원지처럼 더욱 설득력있는 방식으로 표출하는듯 보이지만 웹아트는 자주 또 동시에 월드 와이드 웹에 대한 독점적인 한 해석으로
보인다. 그 이유는 아마 웹작가 대부분이 온라인상 자신의 모니터앞에서, 시간 속에서, 현실 세계와 단절된 시간인 가상의 공간에서
시간을 보내는데 비해 다른 매체의 작가들은 자신들의 개인적 창작품을 오랫동안 관찰한다 하더라도 이는 공간과 시간 속에서 행해진다는
그 차이점때문일 것이다. 이들이 자신의 창작을 중단한다 하더라도 그것은 점차적이고 무의식적인 과정으로서 컴퓨터상에서 키를 누르고
'종료'하고 '전원'하는 절대적인 방법은 아니라할 수 있다. 웹작가의 세계는 인터넷속으로 침투하고, 확장되는 것이다. 다른 작가들은
작업실의 불을 끄고 문을 닫는다 하더라도 그들은 다만 현실세계를 이탈하여 다른 곳으로 이동하는 것이다. 웹의 가상세계 속의 웹작가의 귀결은 20세기 미학의 근본적 혁신인 레디메이드가 그에게 절대적 필요성이 아니라는 것이다. 레디메이드가 패션업에 기성복콜렉션이 주요한 부분을 차지하듯 개념예술과 설치미술의 자양분일만큼 중요한 요소가 되었다. 그리고 레디메이드는 더이상 예술의 공간과 비예술의 공간의 경계를 모호하게 만들지 않는다 하더라도 그것은 일상의 삶에 생생한 힘과 믿음을 부여한다. 다른한편 전위라는 명칭아래 웹예술의 비물질성은 회화와 고전적 뎃상을 상기시키는데, 그의 근본적인 추구 중 하나로서 현재 우리의 시각으로는 심오하다기보다 영악스럽게 보이는 18세기의 프랑스회화 트롱프 뢰이유 (착시현상)와 유사한 실체적 3차원의 승리이기 때문이다. 예술에서 자기세계로 향한 참조는 50년대 미국의 표현주의추상과 함께 영광을 누렸다. 그러나 이미 60년대에 이르러 앤디 워홀과 로이 릭틴스틴은 그들의 팝아트로 이에 대응했는데, 짧막한 한 세기 후인 오늘날의 미적이 아닌 역사적 견해로 보아 시간의 시련을 생존한다는 개념예술이나 비디오와 설치 시기를 추상화보다는 잘 넘긴듯 하다. 오늘 우리는 추상표현주의를 감상적인 시각으로 바라보지만 팝아트 앞에서는 아직도 미소짓는다. 추상표현주의는 물론 영웅적 시기의 산물이었지만 팝아트는 늘 우리를 동반하고 있다. 그러나 오늘날 무엇인가를 표출하는 추상화를 창조한다는 것은 매우 어려운일이지만 100년이라는 연륜이 쌓인 레디메이드로서 또는 2차원의 팝의 재난으로 무엇인가를 표출하기는 수월하다. 그러나 웹아트에서 자기세계로 향한 참조는 추상예술의 것과 차이점을 보인다. 생각해보자면 추상미술은 아마 미술사 전체라는 탄탄한 기초위에 건립되었을지도 모른다. 그러나 일단 생각을 멈추고 추상예술을 감상하기 시작하면 미술사의 교훈이 오늘날 우리가 느끼는 감소된 감동을 더이상 지원할 수 없다는 것을 감지할 수 있다. 오늘날 추상미술은 미술사의 한 시기일뿐이다. 흥미의 결핍에 의해 더이상 작업실에서 제작할 수 없는 거대한 예술기관의 벽을 꽉 메우고 있는 종교화나 역사화처럼 추상화는 현대 예술가들의 감동을 더이상 부양할 수 없다. 그러나 웹아트는 자신뿐만 아니라 월드 와이드 웹 전체에 비평적인 시선을 던지므로 자기세계로 향한 참조는 자신의 독립적인 본질이 되기위해 아마 주기성으로부터 생존할 수 있을지도 모른다. 웹아트를 볼 때 우리는 평범한 예술에 반하는 것이 아니라 짧은 인터넷 역사에 대한 하나의 해석이나 아니면 공격으로만 간주한다. 자기세계로 향한 강박적인 참조는 단순히 자기 꼬리를 물고 늘어지는 개를 바라보듯 처음엔
흥미롭지만 곧 무용해지듯 웹아트를 지루하게 만드는 걸까? 마치 기이한 현상이나 환상적인 무엇으로 간주되는 웹아트를 에워싼 흥분을
이해할 수 있다. 그건 아마도 그의 미니멀한 방식이나 또는 다른 예술적 매체의 감상에서 처럼 자주 깊이 몰두할 수 있는 것과 달리 매체에
집중하지 못하도록 방해하고, 작품을 지속적으로 감상하기 위해 클릭을 해야 하는 차이점이 있는 상호성 때문일 것이다. 예술은 우리에게
이동하지 말고 정지하라고 애원하지만 클릭을 한다는 것은 주위를 둘러본다는 것을 뜻한다. 그리고 순환적 타입의 상호성은 다른 예술적
매체의 수평성을 피하는 구조를 거부하며 외부세계도 역시 거부한다. 그러나 월드 와이드 웹에 대한 존경만 제외하고 예술적 양식은 오직 외부세계에 존재하던지 발굴해야할
것이다. 월드 와이드 웹에 대해 실례가되지만.
상호성은 웹아트 자신에게나 그 주위로 인도하는데 이를 행하며 자기세계로 향한 참조를 더욱 강조한다. 이는 관중의 수평적 사고를 파괴하고 무한정하고 늘 변하는 미적 체험을 창출한다. 이러한 힘의 즉각적 시위에서 관중의 클릭아래 진행되는 예기치않았던 상호성 웹아트 자체나 그 주위로 거침없이 예술이 영원하다는 - 순환적이고 사악한 철학적 삶에서 지옥이라는- 자신의 방식을 표현한다. 그러나 그가 결말을 짓거나 거부한다 하더라도 행복한 결말을 가로막지는 못한다. 반대로 행복한 결말은 상호적 링크의 풍요한 혼합 속에 존재한다. 그러므로 관중이 이처럼 외적으로 결말이 없어 보이는 혼합 속에 있을 때 거기에는 영원히 행복한, 지상의 악에서의 해방된 영상이 존재한다. 그러나 웹의 상호성이 다른 예술적 매체에서의 미학적 경험과 그다지 다른 것일까? 상호성은 관중에게 수평적 숙고는 단순히 인습일뿐이라는 것을 상기시킨다. 그리고 또 선택은 오직... 선택일뿐이라는 것을 제의한다. 즉, 거기에는 다른 태도가 존재하는데 선택들은 초월적 의미가 없으며 어느 선택도-적어도 웹아트에서는- 다른것보다 더 나을 것이 없다는 것을 제의한다. 동시에 웹아트에서 선택을 구축하는 링크들은 이것이 추상적이라는 것을 뜻한다. 그러나 이러한 웹아트의 미학은 다른 예술을 접하는 관중이 상상 속에 이미 사물을 모두 재현할 수 있는 아직 보이지 않는 설명적인 구조일 뿐이다. 웹아트 관중에게 창에서 다른 창으로 보내는 클릭과 롤 오버는 모니터상에 다른 영상이나 음향을 창출하고 회화건, 조각이건, 설치건, 비디오이건 다른 모든 예술을 경험하는 관중에게 근본적으로 동일한 정신적 과정을 구축한다. 이 매체에서 관중은 마우스를 클릭하고 손을 따라 움직이는 시각적으로는 동일한 상호적 움직임같은 시각으로 작품을 감상할 수 있다. 결국 이 매체들은 상호적 과정을 단순화시킨다. 그리고 상대적으로 웹아트의 상호성은 관중에게 시각만의 움직임보다 참여할 수 있는 더 많은 무엇을 요구한다. 이 과정은 아이러니하게 만족스러운 방식으로서 모든 예술에 내재된 상호성을 복잡하게 만드는데 이는 관중 자신이 작품의 창작 과정에 동참한다고 믿게끔하는 것이다. 웹아트는 구조적이고 명시적인 상호성을 내포하며 유아적이라고까지 할 수 있다. 다른 쟝르의 예술작품을 감상하는 것에는 정신만이 감동에 무의식적이고 더욱 자유로운 상호적 구조를 제공한다. 이러한 맥락에서 웹아트가 다른 예술적 매체보다 덜 숙고적인 것으로 비추어진다는 것 또한-
비디오를 제외한다면(비디오는 T.V.보다 더 명상적이라는 후광을 업고있기 때문일까?)- 모순이라할 수 있다. 이같은 감정은 나머지
인터넷과 동일의 도구를- 컴퓨터와 마우스- 활용하는 관중의 습관에 의해 악화되었다. 그리고 여기에서 이러한 장치는 웹아트에서처럼
물론 즐거움, 정보 혹은 즐길수 있는 정보 등. 무엇을 진행하기 위한 도구이다. 인터넷은 추구 아니, 정복이고 상호성이 이를
대체하리라 기대했던 전통적인 수평적 발전을 내포하는 것이다. 미로에서 더듬어가며 자유를 찾는 것과 유사한 수평성, 무궁한 웹
싸이트의 보이지않는 표피적인 가능성을 강조하는 심리적으로 한정된 수평성이 항상 존재한다. 나는 인터넷을 사용할 때 무엇인가를
마무리짓는다는 감정을 결코 떨쳐버릴 수 없다. 웹아트의 한 장면 앞에서는 다른 예술의 사물 앞에서처럼 조용히 머무를 수 없다.
손과 정신이 항상 다음 과정으로 진행하고 있는 바로 그것이 웹아트의 본질이라 할 수 있다. 이 본질은 다른 예술적 매체보다 덜
명상적이라 간주될 수 있다. 웹아트는 작은 팔 동작 혹은 상호적 공세로 예술은 인내심있는 관중을 위한 명상적인 매체라는 생각을
제거한다.
첫 페이지는 있지만 홈 페이지는 없고 수퍼배드의 작품 소개페이지도 없다. 어떤 의미에서 http://www.superbad.com은 예술적 기관들이 전시실 입구에 설명서를 첨부하는 장식을 필수적으로 원하기전인 고전예술의 전시회같다. 그러므로 관중은 오직 작가의 이름만을 무기삼아 전시공간으로 들어간다. 바로 그 순간 그들은 작품을 감상하기 시작하는데 이를테면 차례대로 그러나 자유스럽게 자신의 기분에 따라 공간을 산책한다. 수퍼배드의 홈 페이지는 이러한 전시에서 지속적으로 변화하는 작품이다. 곧 관중은 다음 페이지로 가기위해 클릭하게 된다. 각 페이지마다 여러개의 링크를 클릭할 기회가 주어지기 때문에 관중은 어느 전시실에서처럼 안내도 화살표시도 없이 자유스레이 둘러보는 것같다. 이러한 비수평적인 기술은 오늘날 뉴미디어에서 전통적인 활용방식으로 간주되고 있다. 동시에 기술이 단순하고 효율적이라는 것을 의미한다. 수퍼배드의 상호성에서는 추측해야할 것이 없다. 무언의 규칙은 전시공간에 들어서자 곧 규정지어지며 우리는 그로부터 산책할 수 있다. 이러한 단순함은 예술작품 자체를 더욱 심오하게 집중하게끔 부추긴다. 수퍼배드의 본질은 표면적으로 서로 연관이 없는 임의적인 영상과 또 다른 영상의 병치에 존재한다. 그들 사이의 의미적인 링크들은 관중에 의해 창출된다. 그러나 우리는 그 의미에 연연하지 않는다. 반대로 웹아트 세계에서 그래픽적 영상의 언어 중 가장 풍요한 것이라고 간주되는 이들을 클릭하는 동안 시각적 감동이 작동하기 시작한다. 그러나 만약 의미를 창출하고자 한다면 가장 커다란 숙고는 우선 놀랍고 그 후 장엄한 표면적으로 임의적인 그의 이미지들이 예상스러움으로, 신비스러움으로 또는 아름다움으로 개방된다는 것이다. 그러나 부당하게도 이는 슈퍼배드의 세계에서는 특출한 무엇이 없다는 것을 제시하게 된다. 임의적인
이미지는 단순히 예술의 본질이다. 그와 반대로 영악하고 익살스러운 수퍼배드의 제의는- 여기에서 전혀 교훈을 찾아볼 수 없다-
임의적인 영상은 예술 그 자체의 본질이라는 것이다. 이것이 바로 임의적인 영상을 선택하여 그들에게 의미를 부여하는-내 뜻은 진정한
의미를 말한다- 즉, 텍스트를 첨가하는 개념 예술가들에게 던지는 달갑고 상큼한 해독제이다. 물론 그것이 그른 방법은 아니지만,
다시 한번 얘기해, 벽에 걸린 설명서를 그다지 읽고싶어 하지 않는 이들이 존재한다. (내 스스로 내 목을 치는 것이 아닐까?)
웹 프로젝트 8에 초대받은 작가 중 몇몇은 그들의 작품을 서울의 토탈미술관 공간에서 소개하거나 출품작에 대한 추가 소개를 위해 작가들을 서울에 초대하느냐 물었다. 참 유효한 질문이다. 요근래 프로젝트 8의 정책은 세계 각국의 작가들을 서울에 초대하는 것이었지만 이번 전시는 웹 전시이므로 가상적인 행위를 표현하기 위해 미술관에 관련된 모든 행위를 배제하기로 결정했다고 설명했다. 그러나 그들의 예의바른 요구는 웹아트의 본질에 대한 질문 또한 야기시켰다. 요근래 토탈미술관에서 개최되었던 외국 큐레이터들과의 식사에서 호주의 한 큐레이터가 언급하기를
웹작가들 조차 인간적인 접촉의 필요성을 느낀다고 했다. 그럴지도 모른다. 예술기관에 대응하는 웹아트의 우연이나 혹은 고유한 공격성의
배반처럼 혹은 사람들 사이의 장애물로서의 인터넷의 주장이 아니라 서로 집결하자는 초대의 주장으로서 우주적이거나 혹은 그렇지
않은 이 필요성에 대해 생각해봄직 하다. 그러나 결국 몇몇 웹작가들의 사교적인 측면은 문화기관의 공간을 무용하게 만드는 매체의
본질을 결코 변환시키지 않는다. 레디메이드는 모든 것이 예술이 될 수 있다는 것을 뜻한다. 웹아트는 넷에 존재하는 모든것이 예술이
될 수 있다는 것을 뜻한다. 여기에서 중요한 것은 웹아트가 웹아트이기 위해 이는 반드시... 웹상에 존재해야 한다는 사실이다.
물론 운명이랄까, 웹이 문화적 기관의 벽에 투영되기를 더욱 원하며 그렇게 될 가능성이 있다. 그러나 그것은 마치 책의 한 페이지를
벽에 투사하는 것과 같다. 그럴 이유가 있을까? 누가 다음 장을 넘길까? 누가 마우스를 클릭할까? 언제? 어느 순간에? 이러한
모든 투영적 전시는 매체 상호간에 의미와 목적을 배반한다는 것 또한 말할 것도 없다. 결국 웹아트를 위한 유일한 발전의 가능성은
기술의 발전에 의해 규정지어진다. 즉, 인터넷의 접속도, 소프트 웨어와 부라우저, 모니터의 속도와 규모에(아마 내 생각에 미술관의
벽을 꽉 메우기 위해 T.V.의 발전을 따르리라 상상하지만) 의해서. 그 어느 발전도 웹상의 예술이라는 웹의 본질을 변환시킬
수 없다.
조디는 가짜 바이러스로서가 아니라 협력 결핍과의 동의어이다. 조디의 작품에서의 상호성은 유아적으로 반항하거나 혹은 상호작용이라기보다 무엇인가 파괴한다거나, 망치거나, 폭발시키던가 혹은 피해를 입히지만 그건 유희일 뿐이다. 그러나 무엇이 파괴되었을까? 그건 사용자의 컴퓨터. 다른 상황에서는 이같이 위협적인 예술을 피한다. 그러나 조디는 관중이 http://OSS.jodi.org를 클릭했을 때 그의 컴퓨터를 정복하는데 바로 여기에서 조디는 관중의 무섬증을 충족시켜준다. 이를테면 공상 괴기영화의 한 장면에서처럼 최면에 걸렸던 괴물이 깨어나 집안 어디엔가 숨어있다는 것을 깨닳는 가엾은 주인공이 느끼는 공포같은 것을. 컴퓨터상에서 일어나는 일들이 사실이 아니라는 것을 의심없이 모두 알겠지만 그것을 감상하는 동안 사실인듯 치부하기는 쉽다. 조디는 또다른 종류의 컴퓨터의 무섬증으로 장난하는데 특히 컴퓨터에 대한 지식 부족에 의해 자신이 무엇을 하는지 모른다고 믿는 사람이나 무엇인가 자신이 돌이킬 수 없는 끔찍한 실수를 범하여 적어도 컴퓨터가 다운되거나 아니면 멀리 하드웨어가 크레쉬되었다고 믿는 그런 유희를 즐긴다. 조디의 정표 스크린 위에 미친듯이 춤추는 이미지들은 이를테면 마치 우리가 밤늦게 사무실에 홀로 앉아 업무를 보는데 머리위에서 밤새도록 깜빡거리는 형광등 불빛보다 첫눈에 더 근심스럽고 우울한 재난처럼 보인다. 그러나 조디의 웹아트는 만우절식의 농담 이상의 것이다. 그들은 근본적인 질문을 제시하고자 한다. 컴퓨터와 인터넷은 우리의 삶에 주요한 역활을 할까? 혹은 하챦은 형광등을 간단히 끄고 사무실을 나갈 수 있는 그런 여유가 아직 있는 것일까? 무언가가 다운될 때 컴퓨터의 코드를 뽑고(절대 하지 마시오!) 그 자리를 뜨고 조금 후 되돌아 와 다시 컴퓨터를 켜보고 모든것이 정상으로 돌아 왔다는 것을 확인할 수 있을까?(그렇게 시도해 보았는데 성공했었다!) 조디는 컴퓨터 화면상 무엇인가 문제가 생겼다해도 결국 순조롭게 해결되리라는 우리 속에 감춰진
희망을 상징한다. 어떤 네티즌들이 사이버 공간을 검색할 때마다 컴퓨터 공포증이 동반되는 일이 분명히 존재할 것이다. 각자의
경우 이러한 공포증의 저변에는 전부 이해할 수는 없지만 의미가 있을 것이며 각각 옳은 방법과 그른 방법이 있다는 그런 체념을
바탕으로 하고 있다. 좋고 나쁜 조디의 익살은 우리가 범하는 컴퓨터상의 실수로부터 지식을 얻는다는 그런 상투적인 생각으로 우리를 안심시키는
것이 아니라 오류는 그 자체로서 의미있는 미의 형태를 보유할 수 있다는 점을 시사한다. 혹은 더 나아가 사용중인 컴퓨터의 키는
진정 아름다움을- 의미가 아니라 아름다움을, 그러나 우리가 아름다움을 필요로한다면 의미를 내포할 수 있는 그런 미를- 창출할
수 있다는 것이다. 조디는 다른 웹작가들이 단순히 키만 눌러 작품을 창작할 때 최초로 인터넷상의 오류가 아름다움이 될 수 있다는
사실을 표현했다. 현재 모든것이 약간 변하긴 했지만. 오늘날 웹 도구는 더욱 복잡해지고 강해져 사용자들이 오류를 피할 수 있도록 도와준다. 오류는 예술 창출의 심장이기에 매우 유감이다.
혹은 다이안느 버톨로의 "국경의 도시 2000"은 http://www.turbulence.org/Works/FT2K다.
혹은 웹을 서부극으로 출연해보자면 카우보이(고도의 기술자), 보안관(웹마스터), 유령의 도시(웹 싸이트), 무법자들(헤커들)
그리고 멋진 쌀룬(채팅자). 서부극이나 웹 모두가 사실이 아니기 때문에 추론으로는 완벽하다.
혹은 본질적 가상성의 은유법. "퍽 큐-퍽 미" http://www.fufme.com/는 알렉시 슐건의 응답이다. 즉, 인터넷이 우리 서로를 고립시키는 것일까, 혹은 서로를 밀접하게 만드는 것일까? 그는 인터넷이 우리를 인터넷에...더 밀접하게 만든다고 대답한다. 결국 그는 그의 환상적인 물품으로 자신과 우리와의 직접적 접촉으로 이끌어간다. 인터넷은 애인같은 게 아니라 애인이다. "퍽 큐-퍽 미"는 듀셩의 "렘브란트작품을 빨래판으로 사용한다.", 라는 훈계에 대한 응답이다. "퍽 큐-퍽 미"는 챨리 챠플린이 극 중 자신의 신발을 먹는 장면을 연상시킨다. 따라서 만약 창조적 의도만 있다면 의욕하던 작품을 창출할 방법이 있다. 건축적인 생각을
지닌 학파가 주장하기를 이를테면 우주의 미술관은 우주선과 닮아야한다고 제의했다. 컴퓨터 붐이 일던 초기부터 자신의 파트너와 함께
시간을 보내기보다 컴퓨터 앞에서 시간을 보내는 것을 더 선호한다는 농담이 유행했었다. 이러한 현상은 컴퓨터의 새로운 모델의 형태가
그들의 성적 기능과 유사하는게 더 나을 것이라고 제시하는 것같다. 그러나 슐건의 하이테크 연인을 위한 완벽한 뎃상은 가령 여성과
남성의 육체라는 가장 근본적인 두 참고를 제외하고 모든 것을 거부한다. 여기에서 형태는 기능을 따른다. "퍽 큐-퍽
미"는 하드웨어가-차겁고 각진 회색- 상상 속에서 행하는 근본적인 성관계를 제외하고 모든것을 소홀히하며 강인한 성적
숭배대상이 될 수 있다는 사실을 보여준다. 물품이 동나기전 어서 구입하시오!
올리아 리아리나는 자신이 사이버 공간에서 사라졌을 때 남게되는 자신의 작품에 관한 문제점에 대질하기 위해 이미 필요한 조치를 취했다. 그의 "유언장의 의향" http://will.teleportacia.org에서 그녀는 웹아트 정상이라는 놀라운 총체에 자신의 가상작품을 상속한다. 이러한 행위 역시 실제세계의 관점으로 볼 때 전통적이거나 아니면 보수주의적 견해라 간주될 수 있다. "극적인 대책이 전혀 없음"은 삶이나 사이버-삶, 죽음과 사이버-죽음을 향해 점점 진보적이고 또다른 태도의 가능성이 된다. 먼지에서 먼지까지. 훨훨 털어버리자. 컴퓨터의 코드를 뽑아 버리자. 결국 사물들이 덜 명백해질수록 그들을 향한 현대사회의 태도는 더욱더 광적이 된다. 그러나 로마는 수세기전부터 폐허가 되어간다. 파도는 땅을 갉아먹는다. 오염은 오존층의 구멍을 뚫는다. 태양은 식는다. 그러나 그렇게 죽어가는 '것들은' 우리를 순간적으로 경악시키다가 대체적으로 무관심하게 만든다. 그러나 마우스의 클릭으로 모든 무엇인가를 지워버리는 그 행위에는 무엇인가 예상스럽게 감동시키고 막연하게 끔찍한 무엇이 존재한다. 그것은 마치 속담 속의 금지버튼과 같다. 그것을 누루고, 팡 터지고 모든 것은 연기로 끝난다. 사용자들이 의심스러운 눈길을 보내며 컴퓨터 구석의 휴지통을 바라보는 이유는 "휴지통을 비우시오"를 클릭해야 하는 절대적인 종료를 불안해 하기 때문일 것이다. 왜냐하면 그것은 실제의 휴지통을 비우는 행위와 전혀 다르기 때문이다. 결국 나는 그같은 경험을 여러번 했는데, 가령 집 앞이나 아파트 밖 의심스런 어느 구석의 쓰레기통에 무엇인가를 버렸다가 실수했다는 생각에 좇기어 다시 아파트 층계를 내려가거나 집 앞의 쓰레기통을 뒤져 쓰레기라고 치부했던 것이 더이상 쓰레기가 아니라고 작정하고 다시 꺼집어 내어 들고 들어왔던 일이 생각난다. 도스도예프스키의 "백치"에서 운명의 여인 나타샤가 얼빠진 남자들 앞에서 루브르 돈다발을 벽난로 불 속으로 집어 던지는 장면이 있다. 충격받은 모두는 날름거리는 불꽃이 돈다발을 삼키듯 돈을 싼 종이에 붙는 것을 지켜만 보고 있다. 결국 누군가가 불 속에서 돈다발을 꺼집어 낸다. 몇장의 루브르만이 그을렸을 뿐이다. 그러나 돈이 타는동안 이를 지켜보던 이들은, 물론 독자도 포함해서, 감미롭도록 퇴폐적인 경험을 하는데 이는 아직 그들이 돌이킬 수 없는 지점에까지 가지 않았고 결정이 다시 변경될 수 있다는 것을 모두 인식하고 있기 때문이다. 사이버 휴지통은 그런 경우와 거리가 멀다. 여기에서는 되돌아 올 방법이 전혀 없다. 휴지통이라는 아이콘은 컴퓨터를 향한 무섬증의 본질을 상징한다. 즉, 돌이킬 수 없는 상실, 삶으로 되돌아 올 수 없는 무엇인가의 죽음을. 그러나 이러한 공포가 더욱 놀라운 이유는 잃었던 것이 실제로 존재하지 않았기 때문이다. 그렇지만 존재하긴 했다. 컴퓨터가 정보를, 기억을, 삶을 탄생시켰고 그들의 삶을 연장시키기 때문에. 누군가가 죽었을 때 가족이나 친우들은 그들의 추억 속에 살아있듯이 간직한다. 살아있는 추억을 간직한다는 것, 바로 그것이 컴퓨터의 힘이다. 기억이 사라져 가는 것에 반하는 것이다. 컴퓨터와 인터넷은 결코 잊을 수 없는 기억이다. 그러나 '사이버 죽음'은 아마 웹아트 작품의 종말을 위한 부적당한 표현이라할 수 있다. 올리아 리아리나는 자신이 이 지상에서 사라진 후 닥치게 될 자신의 가상의 작품에 대해 우려한다. 그러나 그녀의 걱정이 다른 매체를 창출한 예술가들의 그것과 차이가 있을까? 심리적인 관점에서 볼 때 대답은 그렇다, 이지만, 테크닉적으로 볼 때 디지탈에 부여된 "디지탈의 뜻은 파괴될 수 없다는 것" 이라는 테크닉적 편견을 토대로 인터넷이 영원한 관리인이라는 심리적인 관점을 제외한다면 대답은 아니오가 된다. 그리고 최적의 조건에서 디지탈에 부여된 기능은 영윈히 지속될 것이다. 그러므로 그것은 사실과 거리가 멀다. 본래 기술은 어쩌면 곧 변할 것이다. 오늘의 최신 유행은 내일의 Redundant Technology Initiative http://www.Iowtech.org/가 될 것이다. 디지탈인 모든 것은 제쏘, 아교나 풀로 될 가능성이 있고- 그리고 오늘날 테크닉적 환율에 따른다면 디지탈은 분명히 유화의 마티에르보다 더 오래 갈 수 없을 것이다. 그리고 또다른 편견이 존재하는데 그건 노쇠현상을 말한다. 그러나 다른 예술적 매체처럼 고색찬란해질
수 없고 그럴 의도도 없는 디지탈 아트는 이를테면, 철지난 선전이나 지난해에 시판된 자동차처럼 새로운 테크닉을 사용하거나 성취를
이루어 가상적 사실을 더욱 사실적으로 만들 때마다 급속하게 노쇠해 보일 것이다. 바로 그것이 문제점인데 사실성은 젊음을 제외하고
모든것을 의미하기 때문이다. 그처럼 디지털적 삶은 사실적 삶과 함께 완벽하게 음률에 맞추어 노쇠해 갈 것이다
"Marina Abramovic who is famous Yugoslavian
alternative strip dancer once seid to a member of us. You should learn
English, if you want to be an artist.... That was her kindness, but an
irony for idea of Art. " - SIT.COM의 다쿠지 코고의 "목소리"에서 인용 언어를 예술적인 활용으로서의 사용의 적합한 견본은 듀셩의 작품 "The" 에서 찾아볼 수 있다: "If you come into the * linen, your time is thirsty
because * ink saw some wood intelligent enough to get giddiness from a
sister. However, even it should be smilable to shut * hair of which *
water writes always plural, they have avoided * frequency, meaning mother
in law; * powder will take a chance; and * road could try. But after somebody
brought any multiplication as soon as * stamp was out, a great many cords
refused to go through. Around * wire's people, who will be able to sweeten
* rug, that is to say, why must everys patents look for a wife? Pushing
four dangers near * listening-place, * vacation had not dug absolutely
nor this likeness has eaten." 세계의 웹작가들은 예술적 필요나 그저 단순한 필요성 때문에 영어라는 언어를 어떻게 활용해야하는지
즉흥적으로 발굴했다. 웹작가는 영어를 포착하고 대담하게 휘두르는데 이는 웹상 자신의 작품이나 자신을 표현하는데 유일한 언어이기
때문이다. 알랙스 슐건이 말하듯 의사소통은 웹아트의 표현을 대신하게 되었다고 한다. 거기에서는 물리적으로 자신을 표현할 방법
또한 필요없으며, 대부분의 경우 자신은 언어만큼 풍부하게 실용적이 될 수 있다. 대범한 예는 작품 "목소리"에서 찾아볼 수 있는데 다쿠지 코고의 의욕적인
텍스트의 발췌를 보자. "But now cultural activities work for community, They use conceptual art as euro intellectuals campaign for enlightenment/ as new entertainment. Donald Judd left from NY with his delusions of grandeur. He made a paradoxical theme park at borderline of America. We can appreciate its uselessness but not use for the community. And then Donald Duck went back NY from Hollywood with his many worldwide fakes." "목소리"에서 코고가 텍스트적으로 표현하고자 하는 의욕에는 언어적 한계가 없다. 그의 불확실하다고 할 영어의 쓰기 자제력은 다른 텍스트적 상황에서는 실격이 될 것이다. 그러나 웹상에서는, 특히 웹아트에서는 세계와 소통을 추구하는 모든이들에게, 영어의 지배아래 태어난 모든 사용자에 대해 관용성을 베푼다. 거기에는 자주 작가나 독자 모두가 정확한 영어를 구사하지 못한다는 유쾌한 무지가 존재한다. 그러나 거기에는 언어적 의사소통이 항상 존재하는데 예술에서, 웹아트에서 조차 사전에 필요한 조건이 아니고 다만 경이로움의 확인일뿐이다. 불확실하다고 할 수 있고 동시에 완벽하게 자제한 영어의 자제력의 더욱 암시적인 예로는 조디가
ASCII에서 구사한 어떤 영어를 들 수 있다. "..!!!!!....................,,!!!! 이 비밀스런 코드는 해독되기만을 기다리고 - 옳거니! - 영어의 기본을 이해하는 몇몇이들에
의해, 즉 시에 대한 구체적이거나 혹은 또다른 기상만 있다면 해독된다. 물론 의미뿐만 아니라 서체 예술을 감상할 수 있는데,
그것 또한 그럴 수 있다면 만족스러울 것이고, 그리고 뉴미디어의 서체 예술을 감상할 수 있는데 그럴 수 있다면 만족스러울 것이다. 그리고 또 모스크바의 WWWArt Center에서의 조디의 홈 페이지에 관한 알랙시 슐건의 해석이 있다.http://sunsite.cs.msu.su/jodi.htm http://www.nettime.org/nettime.w3archive/199608/msg00016.html "the creators are obviously bearers of cyberpunk ideology with rather good taste (strange combination !). they have presented a post-linguistic and post-visual research that reflects very well the state of contemporary culture and communication. it's very logical that they are using english word "fuck" as abackground - nowadays it has become a mere symbol that means nothing and everything at the same time - a synonym for all other words. rather simple and well-weighted their work is a perfect sample of (sorry, here i have to think more)" 언어에 대한 논쟁에서부터 -특히 영어와 더욱더 "퍽크"라는 단어에서- 자신의 생각이 아직 종결되지 않은 상태인 문장의 중간에서 자신의 생각을 마감해버리는 갑작스런 중단에 이르기까지 알랙시 슐건의 뒤죽박죽인 글에는 무엇인가 번쩍이는 영리함이 발견된다. 글을 향한 이러한 태도를 수반한 쓰기의 표현은 - 언어의 곁에 또는 그 속에 동시에 그후 멀리서 자신이 버린 언어를 향해 완전한 무관심을 표명하며- 필요에 의해- 인터넷이 세계적이고 영어는 이를 표현하는 도구이기에- 문체상의 양식이 되었다. 올리아 리아리나의 '영어' "I don't have any projects in Russian. In my works I use English, because English words are only signs for me. This gives me a chance to feel different. I can concentrate on the language of the net; it's structure and logic. But I write articles and communicate in Russian; or rather in transliteration (Russian typed with a latin keyboard). It's easier because you don't need to worry about encodings. This is an interesting detail. Due to the lack of co-ordination in the beginning it seemed that every platform had its own encoding for cyrillic. This caused confusion for several years and a lot of inconvenience, supplementary software and eventually jokes. Now the problem is almost solved. But I guess this deep confusion with font encodings has become a part of Russian Internet culture. You could say the abundance of them and the varieties in which any given page is offered stresses the power of language and its special role." 리아리나는 웹작가들이 본능적으로 느끼는 것을 표현하는데 영어는 그곳에서 사용되기 위해 그리고
소모되기 위해 존재한다. 그리고 예술의 맥락에서 언어는 모든것과 모든 기호처럼 작가의 의도대로 복종한다. 그러나 그녀는 영어
혹은 웹상의 다른 언어의 남용에도 불구하고 거기에는 언어적 소통 양상이 존재한다고 표현하는데 이는 최소한의 의미가 없이는 깨어진
글자에만 간단히 만족해야 할 것이기 때문이다. 그렇지 않다면 누가 웹아트에서 효율적이거나 비효율적인 해독에 대해 걱정할 것이며
또 누가 '식별할 수 없고' 깨어져 가는 글자에 대해 걱정할 것인가? 리아리나는 자신이나 타자들이 외국의 언어의 묘함을 완벽하게
구사할 수 없음에도 불구하고 그들이 의미를 소통할 수 있도록 노력한다는 것을 뜻한다. 언어의- 영어는 아니지만 로마자를 활용한다는
사실만으로도 영어가 될 수 있는지는 모르지만 - 예술적인 사용의 한 예는 장영혜가 '불가리어' 언어로 최근에 창출한(글을 썼다기보다)
작품 "현금으로 지불할께!"에서 볼 수 있다. 아래의 텍스트는 발췌로 괄호 속의 문장은 한국어의 번역이다: CNEIIIEH CNYYAN!(급합니다!) 그녀가 정의짓는 불가리아어 시릴자모다. 예술이라는 맥락으로 볼 때 우리는 그것으로 충분히 이해된다. 모니터의 화면에 반짝거리며 나타났다 사라지는 장영혜의 텍스트는 대부분 독자들이 웹에서 읽는 것처럼 웹의 단점과 장점을 강조한다. 장영혜는 한 곳에서 책이나 잡지의 페이지를 넘기는 심리와 전혀 다른 심리를 활용한다. 그러나 그것이 가능하다 하더라도 웹 싸이트상의 독서에서는 시간 때문이 아니라 인내심 부족이라는 맥락에서 다음 페이지를 넘기려고 서두르게 될 것이다. 넷상의 텍스트는 클릭을 하며 되도록 빠르게 제거해야 할 근본적인 정보인 동시에 성가심이다. 클릭을 한다는 것이- 페이지 사이의 이러한 상호성, 순간과 공간 - 만족스로운 행위인 까닭은 독자에게 무엇인가 완결했다는 신호이기 때문일까? 장영혜의 모든 행위는(과소평가해야할 일이 아니지만) 독자의 무거운 짐을 덜어주는 일이다. 그리고 다이안느 버톨로의 "낭독자"는 관중 자신이 선택한 웹 싸이트의 텍스트를 변환시키는데 참여하도록 초대한다. 영어가 모국어인 버톨로에게 언어의 문제는 영어가 모국어가 아닌 다른 이들의 것과 전혀 다른 양상을 보여준다. 그녀에게 이 문제는 영어에 접근하는 것이 아니라 그녀의 국제적인 동료 작가들처럼 영어를 사물로 사용하기 위해 그것과 거리를 두는 것에 있다. "낭독자"는 텍스트를 레디메이드의 사물로 사용하는 작가와 동일한 방식으로 활용하고 있다. 그녀는 텍스트를 본래의 맥락에서 이탈시키고 이를 행하며 모든 그래픽 장식을 제거하고 해석이 될 부분을 이체하고 그녀의 독자는 각 단어의 각 문자를 입력하는데 이는 성가신 사물들을 창출시킨다. 마지막으로 수퍼배드의 영어의 사용을 살펴보자. "Dear Everyone,
Viv" 일그러진 웃음을 자아내는 이 텍스트는 절대적인 단순성 때문에 매우 인상적이다. 웹이라는 맥락에서 발굴되기 때문에 예상스러운 이 편지에서 우리는 우체국으로 가서 부치는 손으로 쓴 편지형식이라는 것을 발견할 수 있다. "가족의 조언자"만 제외한다면 편지의 어조는 마치 다른 세기풍의 것이나, 다른 류의 가족의 것처럼, 아마 엄마가 그 가족에게 혹은 자신에게, 그녀의 아들이나 두 사람 모두에게 드러나는 결점을 지적하여 발설하고 있다는 것이다. 웹상에 존재하는 이 편지는, 편지 스스로가 증명하듯이, 이상스러운 곳인 이 지구를 향해 우리의 시선을 안내한다. 이 편지는 형식에서나 내용에서 매우 시적이다. 벤자민은 시성과 예상스러움의 음률을 창출하기 위해 자주 시행에 걸친 구의 문학적 장치를 사용한다. 웹작가들은 언어에 대한 해석을 위해 혹 그 어떤 의미이건간에 의미의 소통을 - 싫던, 좋던-
위해 영어를 사용하는데 그건 아마 언어에 관한 다른 방식의 해석일 것이다. 프랑스사람들은 영어 문장이나 단어를 구사하는 프랑스사람들이
슬프게도 즉흥적으로 영입하는 영어라는 언어가 불어를 흐린다고 자주 불평한다. 프랑스인들에게 언어적 권위자가 있는데 이는 프랑스한림원으로
새로운 단어가, 특히 영어 단어들이, 불어로 영입될 수 있는가의 수락과 거부를 결정한다. 그러나 인터텟상에서는 영어사용의 남용을
제어하는 권위권은 어디에도 없다. 아마 미국이나 영국의 캠퍼스 내에 "영어의 옳은 사용법"이라는 능보들이 있을지도 모르지만 물론,
거기에서조차도 웹이 근본적인 학술적 도구로 활용되어 학생들과 교수들은 영어의, 인터넷의 거대한 권위에 복종한다. 아니 가장 커다란
결핍의 권위랄까. 이메일을 전송한다거나 혹 웹 페이지를 올리는 것은 결과로만 볼 때, 텍스트를 인쇄 출판하는 것처럼 배우 이상스러울만치
겁나는 과정이다. 그러나 인쇄된 문자의 오자는 교정자의 망신으로 치부되지만 인터넷상에서는 예술의 본질이 된다.
"MMM/WWW" http://www.bekkoame.ne.jp/i/ga2750/fet/WWW.html는 다쿠지 코고식의 세계화에 대해 조롱을 하던지 동조하는 것이다. "MMM/WWW"는 여러 국가의 여러 목소리의 모음으로 각자 "맥도날드"라는 단어를 기도문처럼 반복한다. 이 표상적 언어의 동기는 최근래까지 포함한 과거의 초기부터 제국주의 문화와 경제, 세계의 코카콜라화로 치부된 진정한 시위를 상징한다. 그러므로 물론, 어제의 제국주의는 오늘의 세계화라할 수 있다. 인터넷의 폭발로부터 제국주의적 문화와 경제는 링크의 온화한 얼굴을 하고 있음을 인지할 수 있다. 그러나 링크는 혹은 자신의 것이 아닌 다른 문화의 웹 싸이트에 연결시켜주는 행위를 "상호성"이라 하는데 이는 자신이 제국주의에 순종하는 것이 아니라 단순히 클릭만한다는 것이다.- 내 뜻은 관중인 당신 스스로가 좋게는 혹은 불행하게 자신의 자유 의사로 제국주의 한 국가를 추구한다는 것이다. 당신 자신이 문화적 독재자를 자유롭게 선택했다. 당신은 이제 당신의 해상에 상륙하는 침입자의 침범에 증인이 아니며, 당신이 자신의 나라에서 여유있게 작전을 펴는 침입자의 해상을 향해 떠나기 위해 상륙한다. 이를 포스트 식민주의적 수수께끼라 불러야할 것이다. 신식민주의가 아니라면. 문화적 세계화상에서 비추어지는 코고의 시각은 문화들의 다양성을 부르짓는 불행의 예언자들을 향한 비평이 아니라 확인이라고 할 수 있다. 예술은 항상 다름 아닌 선언이었고 코고의 선언은 그가 세계화에 대해 찬성하느냐, 반대하느냐를-내가 보기엔 그도 약간 혼돈스러워 한다고 추측하지만 - 우리 자신이 선택하게끔 종용한다. 다른측면으로 살펴보면, "현재와 장소"는 호주의 브리스번의 멀티 미디아 아트 아시아 퍼시픽이(MAAP) http://maap.org.au/ 주관하여 전송하였던 웹 케스트의 주제로 북경, 홍콩, 동경과 서울 그리고 인도의 어디엔가도 참가했었다. 물론 MAAP은 대담을 논할 주제를 추구했을 것이다. 그러나 이 주제의 선언에서 문화의 다양성에 대한 심층에 깔린 편견을 읽을 수 있다. 정말 피할 수 없는 일일까? 거기에는, 아주 세심한 옳바른 의도에도 불구하고 아주 약간의 인종차별주의적 - 아주 조금! - 의도가 깔려있다고 소근거릴 여지가 있다. 주체자 측은 의심조차하지 않는다! 그러므로 그다지 중요한 일은 아니다! 그러나 흥미롭기는 하다. 거기에 대해 설명해보자. 우선 약간 탈선해보자. 몇년전 빠리의 뽕삐두센타에서 "지상의 마술사"전이 개최되었다. 그 당시 이 전시는 대안적이라거나 혹은 개발도상국의 예술이라고도 할 수 있었다. 어쨋던 그것은 깨우침이었고, 중요하고 놀라운 전시였다. 자, 거기엔 자신들이 의도조차하지 않던 '예술가'들이 존재하고 그들이 창출한 예술이 있다. 그들이 그 사실을 인식할 수만 있다면! 아니면 그들이 행하는 일이 예술로서 취급될 수 있고 나아가 아방 갸르드예술이라는 것을 오직 우리들만이(서양인들만) 알고 있다는 것이 다행일까? 결국 전시 때문에 몇몇 '예술가'들은 그 사실을 감지하여 예술가가 되었고 몇몇은-만세?- 프로 예술인의 길을 따르기위해 서양국가로 이민을 가기까지 했다. 이 전시의 제목에는 어떤 의미가 표현되어 있는데 이는 예술이 빠리나 뉴욕, 런던에서만 존재하고 만개한 것이 아니라 자연과 군중에 밀접한 예술, 서양인의 손에 메달리지 않은 예술, 마술적인 예술, 20세기 말에까지 정글에서 존재하고 번식하는 행복한 원시민의 기적처럼 기적이라고까지 할 예술인 '진정한' 예술이 있다는 것을 시사한다. 혹은 창조적인 방식에서 적어도 식민주의에서 생존했거나, 착상을 얻었고, 지금은 그것을 표출하는 예술을 말한다. 근본적인 사실은, 그 당시 그리고 지금도 그 시기를 살지만 매우 개방적인 몇몇 서양인은, 특히 아마도 프랑스에서, 개발도상국의 국민은 자신의 나라가 개발되는 것을 원치않는다고 믿고싶은 필요성을 느낀다. 즉, 서양에서 포기했던 것들이(볼테르를 택하기 위해 루쏘를 버린다?) 다른 곳에서는 아마 구원될 수 있다는 생각. 무지한듯한 태도에서 창출한 예술이 숙고적이고, 모순적이고, 의식적으로 무기력하고, 개념적인 속임수와 무의미한 생각에서 창출된 서양의 미술이 결핍된 곳에서 기적적인 미덕을 소유할 수 있다는 것. 쟝-쟈크 루쏘의 책에서 비롯해 불란서인들은 이러한 믿음을 '좋은 원시인'이라는 표현으로 의인화했다. 왜 서양인이 그를 필요로하는가, 라는 질문은 이 텍스트의 성격상 매우 큰 탈선이 될 것이다. 그러나 모든 사람이, 원시인이라 할지라도, "맥도날드"라는 마술적 단어를 쉽게 말할 수 있듯이 쉽게 서양인이 될 수 있다는 자신의 걱정을 부정하기위해서가 아니라면 이러한 필요성은 사실이다. 자, 이것이 내가 MAAP의 "현재와 장소"의 웹 전송에 보내는 후기 텍스트이다. 이 행사는
북경, 홍콩, 서울, 동경과 인도의 어느 도시의 웹자가들이 의식적이건 무의식적이건 중국적, 한국적, 일본적 그리고 인도적 기준에
따라 인터넷을 탐색하려고 노력한다는 사실을 믿고싶어 한다. 그러나 서양의 삶에 젖을 기회가 한번 있다면 이를 경험한 후 다시
정글로 되돌아 가기만을 기다린다는 '좋은 원시인'의 생각과 흡사한 이러한 믿음은 매우 순진한 생각이다. 반대로, 반대의 현상이
사실일 것이다. 맥도날드가 세계의 식당인 것처럼 인터넷은 정보의 고속도로이다. 그리고 그것은 유일하다. 이 세상의 다른 곳에서는
다른 대안이 더 이상 없을 것이다. 과거로 돌아갈 수는 없을 것이고 대부분의 서양의 인텔리들은 적어도 비서양인의 어깨에 두 배의
짐을 얹어놓지 않고 조심스럽게 의문을 제기할 분별력은 있다. 즉, 인터넷을 위해 혹은 그에 의해 그들의 원천적 문화를 위해 혹은
그에 의해서. "MMM/WWW"는 참호로부터- 외부로부터의 분석이 아니라, 즉 서양의 국가로부터- 숙고하는 식민주의나 포스트식민주의에
관한 정신적이고 매운 선언이다. 그리고 이 선언은 경쾌하기도 하다 -문화나 경제적 제국주의의 먹이가 되기에 즐거운 것이 아니라
괴물같고, 엉큼하고, 빨판같은 파스트 푸드점의 장면이라해도 그럭저럭(어쨋건 작품의 맥락으로 보아 일본사람이면 줄거운 곳이라고
확신해마지 않는 일본이라는 것을 짐작할 수 있다.) 잘 해결하고 있다는 즐거움이 있다.
이 슬로건은 "생각은 세계화로 행동은 지방화로"라는 정반대의 슬로건보다 웹작가들의 현실을
더 잘 포착한 것 같다. 사실 작품을 창출할 때 자기 자신이 된다는 것이(생각을 지방화로) 개념이 되는 것보다(생각을 세계화로)
훨씬 수월하다. 그리고 월드 와이드 웹에 무엇을 선보이는 것이(행동을 세계화로) 미술관이나 화랑에서(행동을 지방화로) 전시하는
것보다 수월하다. 생각을 지방화하고 행동은 세계화하라는 것이 그 반대의 것보다 더 수월할 뿐아니라 더 좋은 생각이라고 볼 수
있다. 생각을 세계화라는 것은 심사숙고하게 생각하라는 의미이며 아마도 오늘날 이 세계에서 자신에게 던진 질문에 대한 옳지않은
결과에 닿았다는 것을 뜻한다. 생각을 지방화로는 자기 자신이 되라는 것을 뜻하는데 이는 가장 탈선적인 행위를 제외하고 행복을
위해 또는 지방에 옳바른 바람직한 일을 의미한다. 그러므로 누가 우리에게 생각을 세계화하고 행동을 지방화하라고 강요하는가?
그건 세계화의 납품업자들이다. 그들은 우리에게, 물론 옳은 의도지만, 도구들을 납품하지만 우선 우리가 세계화를 생각해주기 바란다.
그러나 바로 그것은 예술가들에게 생각할 수 없는 일이다.
"My boyfriend came back from the war. After dinner they left us alone." http://www.teleportacia.org/war/ 올리아 리알리나의 시적인 작품에는 모순이라기보다 사실로 인정하는 것에 대한 해석인 사이버-사실주의가 존재한다. 검정의 바탕에 몇몇 영상과 짧막한 흰색의 대화인 "My boyfriend came back from the war"는 50년대의 흑.백 유럽영화를 보듯이 읽을 수 있다. 혹은 헐리우드식 영화라 할까? 바로 작품의 사실주의가 사실의 관점에 대한 우리의 추측에 질문을 던진다. 작품은 몇몇 환상의 상실의 이야기처럼 읽히며 두 연인은 점차 타인이, 절망이 혹 희망에 반하는 희망이 된다. 거기에서 두 개의 목소리가 있다는 것을 인식하지만 무엇을 말하는지는 알 수 없다. 하지만 그건 그다지 중요하지 않다. 중요한 것은 머뭇거리는 목소리, 부드러운 질문, 갑작스러운 노여움, 노을, 슬픔일 것이다. 우리는 이 두 연인을 걱정한다. 그리고 이 이야기는 어디에서나 일어날 수 있는 일이며, 설득할만한 목소리를 이 젊은 연인에게 실어주며 이루는 리알리나의 성취는 미지의 곳이지만 일정한 장소로 이야기를 설정하는데 있다. "Where are you?/I can't see you. 좋은 시절에도, 최상의 상황에서도조차 젊은이들 사이의 사랑은 부서지기 쉽고 일시적이다.
그렇지만 젊은 연인들은 우리에게 모든것을 잘 해결하리라는 작은 기대를 준다. 웹이라는 매체의 제어 속에서 작업하며, 엄격한 온라인상의
진전을 거부하며, 극적인 긴장을 창출하는 상호적 진전을 선호하며 작가는 통과의 제식에 부드러운 아름다움을 부여한다.
"뉴요커"잡지 최근호에 실린 만화를 보았는데 모니터 앞 의자에 앉아있는 강아지가 그려져 있는 것으로 그의 발은 마우스 위에 놓여있고 입술은 중얼거림으로 움직이고 얼굴은 무엇인가 말하고자 독자를 향해 돌려져 있다. 그리고 타이틀에는 "인터넷에서 좋은 건 우리가 강아지라는 것을 아무도 모르거든" 이라고 써있다. 인터넷상의 무명성은 그의 본질성 중 하나이다. 이름들은 자주 밝혀주는 것이 아니라 사용자들을 감춘다. Jodi나 Superbad처럼. 회사의 이름은 통상적으로 활용된다. Candy Factory나 YOUNG-HAE CHANG HEAVY INDUSTRIES처럼. 복합적인 정체성은 가능하거나 아니면 장려된다. 성의 구별은 식별할 수 없기에 무관심해진다. 서로의 사이를 멀리하는 이러한 익명성을 논한다는 것은 뉴 미디아의 평론에서 진부함이 되었다. 아마 인터넷이 우리를 자유롭게한다는 관찰 또한 지리한 논란이다. 더욱 흥미로운 것은 이러한 새 자유가 개인적인 책임감을 대신할 수 있느냐에 있다. 그러나 이 가능한 문제는 체포당하리라는 근심에서 약간 벗어나 의사를 표현할 수 있는 억압된 사회의 국민들의 새로운 가능성에 의해 균형이 잡힌 듯하다. 민주국가에서는 구릅 체팅이나 대담 중 익명적 표현을 서로 공유하는 정보의 질에 대해 문제점을 야기시키는 현상이 존재한다. 익명적인 선언은 이름을 밝힌 것과 동일의 가치가 있을까? 익명성은 무책임을 제의하는 것일까? 인터넷이 야기하는 또다른 종류의 익명성이 있는데 그건 이 거대한 세상에서 오직 한 사람이라는
것, 유일한 한 사람이 지금 인터넷 덕택에 선언된 존재성이 되었지만 아직도 존재라기보다는 무존재에 또는 종속되었다기보다 종속되지
않았다는 것과 더 근접한 익명성이 있다. 거대함과 동시에 미소하다는 이 모순된 감정을 그처럼 많은 사람들과 나누어 본적이 없을
것이다. 그러므로, 아직 실체이거나 인식할 수 있는 입지가 아니고, 누군가가 된 것이 아니고, 세상에 제로라는 그저 단순한 숫자
이상의 무엇을 창출하기 위해 운영하는 자신에 관한 개인적인 웹 싸이트에 불구하고 아직도 아무도 아니라는 그 익명성이 존재한다.
바로 장영혜는 "예술가의 선언 NO. 45,730,944: 완벽한 예술적 웹 싸이트"에서
http://www.yhchang.com/perfectkorean.html "나 여기있어, 나 여기있어, 나 여기있어!"
라고 외친다. 그녀가 진정 외치고 싶은 것은 바로 이것이다. "나는 존재하는가? 내가 웹상 존재한다는 것은 이제 내가 누군가가
됐다는 것일까, 인식될 수 있는 한 총체가 된 것일까, 혹 나는 아직도 아무것도 아닐까, 비총체일까?" 난 그녀에게 응답을 해줄
수 있다.
인터넷은 정보의 고속도로다. 그러나 붐에 편승하며 인터넷은 정보라는 것도 포함한 여러것을
판매하며 상업적 원천이 되어버렸다. 상업적이건 비상업적인 서비스를 제공하며 -상업적 싸이트는 그의 서비스의 유용성을 우리에게
설득시키고자한다.- 우리는 원하던 아니던 영향과 힘을 보유하고 우리를 짓누르는 정보 앞에 서있다. 대부분의 경우 웹아트도 역시
우리에게 인터넷상 직접적이거나 간접적인 되도록 커다란 영향을 미치려한다. 거기에는 또다른 공격적인 정보 그리고 자주 서비스나
우리에게 정보를 전달하지 못하거나 혹은 영향을 미칠 수 없어서 다른 상품과 비교해 판매하기가 거의 힘든 유익한 상업적 정보가
있다.
인터넷상에서 정보가 언제 비정보가 될까? 예술가들도 포함한 모든 사람들이 모두 할 말이
있듯이 철학적인 관점에서 최선의 정보를 얻은 상태라해도 그 어느것도 완전히 혹은 반만이라도 인식될 수 없으므로- 결국 단순한
사물도 포함해서 모든것이- 늘어나는 정보의 사이버-덩어리 아래 파묻혀있으며, 월드 와이드 웹상 소개된 모든 텍스트적이고 그래픽적
정보는 통괄적인 상호성의 혼돈으로 치닫는다. 하나의 링크는 하이퍼 링크로 향하고 하이퍼 링크는 길을 잃었지만 그건 가상의 나라에서
일어난 일이므로 언제든지 원하는 방향을 틀 수도 있다는 것을 인식하면서도 점점 길을 잃고 우왕좌왕하는 방향으로 향해간다. 여기에서
웹아트는 비정보에 대한 응답이 아니라 그것은 또다른 착취일 뿐이다. 그러나 웹아트는 속임수를 감추지 않는다. 재정적이건 지성적이건
혹은 정신적이건 아무도 웹아트로부터 어떤 계시를 기대하지 않는데, 이는 가능한 무의 아름다움 혹은 흥미를 불어넣기에 무능한가
또는 아닌가가 가장 큰 근심거리인 상업적 목적이 아닌 팽창해가는 은하수 웹 싸이트보다 한 차원정도 높이 위치하게 되기 때문일
것이다.
이메일을 어떻게 랩음악으로 만들까. 혹은 1996년 그 당시로는 매우 놀라운 일이었고 고전으로 비교되기도 했었듯이 조디는 어떻게 예술과 언어를 제어할 수 있을까. (1997년은 아마 르네쌍스시대로, 1998년은 계몽시대로, 1999년은 20세기로 간주되고 있다.) 조디는 여기에서 무엇인가를 말하는데 그 의미에도 불구하고 시적 가능성을 읽을 수 있기에 약간 유감스럽기조차하다. "To: nettime-l@desk.nl >>>>>material,
알랙시 슐건이 제작한, http://www.easylife.org/award/는 원치 않는다 하더라도 웹아트의 무용하다고할 수 있는 애매한 이 지역을 침범해가는 웹 싸이들을 소개한다. 거기에는 오직 한 가지 문제점이 있는데 그건 발굴된 것들을 정의하는 무언의 기준들이 미학이기 때문이다. 이를테면 우승자 가운데 하나를 클릭하며 http://www.philosophy.com, 우리는 철학을 발견하리라 기대한다. 그러나 놀랍게도 거기에서는 판매용 피부관리 크림을 발굴하게 된다. 그러나 거기에서 놀라움을 표출한다는 것은 약간 솔직지 못한 태도인데 솔직히 말해, 무엇인가 모순된 것을 기대했지 철학적인 것을 발굴하리라는 기대를 하지 않았기 때문인데 이는 슐건이 이미 연출을 창출했기 때문이다. 전시실에 남자의 변기를 아무 말없이 설치하는 마르쎌 듀셩과 달리 슐건은 얼굴에 바르는 로션을 예술이라고 선언한다. 그렇지만 그는 우리를 금광으로 인도한다. 동시에 웹아트가 정확히 무엇인가?, 라고 의문을 제기한다. 그같은 질문이 가치가 있건 없건 그 질문은 인식해야만 하는 것들처럼 각 웹 싸이트 중심에 내포되어 있다. 즉, 예술이란 정확히 무엇인가?, 라는 물음처럼. 레디메이드의 발명 때부터 각 사물에 함포된 그 질문을. 결국, 웹에서 탐색하는동안 우리는 시간을 낭비한다는 생각과 이를테면 언젠가 옷장, 창고나 차고를 재정리할 때나 오직 다른 순간에 내 손을 거쳐간다는 이유 때문에 새로운 의미를 지니게 되는 잡동사니들을 바라볼 때처럼 무엇인가 발견한다는 감정을 동시에 느낀다. "예술가의 선언 NO. 45,730,944: 완벽한 예술적 웹 싸이트", http://www.yhchang.com/perfectkorean.html에서 장영혜는 이러한 질문을 한다. "인터넷은 모든 사람들을 예술가로 전환시키는 것일까? 예술적 웹 싸이트와 테리의 나무벌레 싸이트와의 차이점은 무엇일까?"라고. 그녀는 슐건의 "the WWWART MEDAL"에서와 동일한 질문을 던지는데 이 둘은 동일한 대답에 다다른다. 아니, 거기에는 차이점이 없다라는 대답을. 그러나 거기엔 다만 맥락상에서만이라할 수 있는 차이점이 있다. 장농, 창고와 차고 속에서는 거의 드믈게 반 고호의 작품들을 발굴할 수 있다는 아마 그 유일한 이유 때문에 이것들을 정리하는 사람들 그 누구도 반 고호를 발굴하려 들지 않는다. 그러나 반 고호는 거기에 존재한다. 다만 그가 옳지 않은 장소에 있을 뿐이다. "테리의 나무벌레 싸이트"도 역시 옳지 않은 장소에서 발굴되고 있다. RTMark http://www.rtmark.com/은 "테리의 나무벌레 싸이트"가 밝힌 목적과 - 즉, 어디엔가의 기초를 갉아먹는 무엇인가의 정보를 주기위한- 그다지 다르지 않은 예술세계라는 옳은 장소에서 발굴되고 있다. 그러므로 "the WWWART MEDAL"가 전제하는 금광은 인터넷상의 모든 웹 싸이트이다. 이 세계의 모든 사물이 레디메이드인 것처럼 모든 웹 싸이트는 웹아트 싸이트이다. 지구의 온난화처럼 정말 끔찍한 생각이랄 수 있고 또는 그저 단순한 현실이라할 수 있거나 혹은 둘 모두가 될 수 있는 생각이다. 즉, 무엇인가가 거기에 있고 언젠가는 손을 써야할 일이기 때문에 - 당신은 개인적으로 숙고할 의무가 없는데 이러한 일은 피할 수 없는 일이기때문에(세계와 예술같은 사이버-세계에서 지구 온난화나 지구의 종말처럼)- 그저 평화롭게 자신의 내면세계를 가꾸는 것이 더 나을 것이다. 그것이 대강 모든 사람들이 예술의 종말이나(레디메이드) 혹 예술의 시작을(레디메이드) 향해 택하는 태도로 사람들이 지구 온나화에 대해 취하는 태도이다. 즉, 문제가 거기에 있어, 그래서?, 라고. 예술에서 의도는 무의미한데 이는 보이지 않고 무언이기 때문이다. 예술가나 비예술가는 그들이 창출하는 것이 관중이 그들의 창작품을 보는 것과는 아무런 연관이 없다고 생각한다. 바로 그 이유 때문에 예술세계는 일반적으로 허공으로 치닫는다. 그는 예술을 감상하겠다고 결정했을 때 외부의 세계가 관찰하거나 다른 곳에서 관찰했다고 생각함에도 불구하고 자신의 관점만을 통해서 본다. 솔직히 말해 RTMark와 "테리의 나무벌레 싸이트"는 다양한 반향을 불러 일으키는데 그들은 예술이나 나무벌레와는 아무런 상관이 없다. 예술에서 의도는 아무런 의미가 없고 사물이 전부이다- 그리고 가상의 세계에서는 가상적인 사물이 전부라할 수 있다. 인터넷의 사용자는 언어와 함께 의도를 초월한다. 그는 그의 의도를 선언한다. 단어들,
정보, 무영상들은 인터넷의 자양분이다. 예술의 세계에서는 레디메이드를 창출하는 맥락과 동일한 방법이 웹아트와 웹 싸이트에 배어
있기 때문에 단어와 정보는 인터넷상의 예술작품의 맥락을 창출한다. 모든 이들이 가상의 세계와 세계를 레디메이드예술의 장농이나,
창고나 혹은 차고로 간주할 수 있지만 결국 누구도 그들을 그렇게 간주하지 않으며 아무도 이같은 비젼을 초월해야할 필요를 느끼지
않고 이를 가정한다. 바로 그 점에서, 이상스러운 이유에 의해 우리는 사실적 예술세계에서는 마르셀 듀셩 그리고 가상의 세계에서는
알랙시 슐건같은 전문가에게 조언을 구하고 우리들을 위한 예술을 발굴하기 위해 그들을 신뢰한다. 그들은 자신들의 주위 어디에서나
누구에게나 순수한 금을 발굴할줄 아는 선량한 시민에 속하지만 우리는 좀 과격하게 일해야만 발굴할 수 있는 금전에서만 금을 발굴할
줄 안다.
웹 프로젝트 8을 준비 중 작가들을 선정할 때 근본적이기도하고 무용한 질문을 하게 되었다. 웹아트란 무엇일까? 이러한 질문을 한다는 사실은 이미 예술에서 웹아트가 자신의 특별한 위치를 확보하고 있다는 징후라 할 수 있다. 드믈게 아니면 전혀 이러한 질문으로 다른 예술의 장르를 불확실하게 만들지 않는다. 어떤것이 그림인지, 조각인지, 영화인지 혹은 헤프닝인지 아닌지를 결정하기는 수월하다. "예술이 무엇인가?", 라는 문제는 다른 범주에 속하며 바로 이 시기의 미술사에서 즉각적인 대답을 발굴할 수 있다. 모든 예술가는 창출하는 순간 이같은 질문을 던진다. 오늘날 이 질문에의 대답은 작품 그 자체이다. 그러나 여기에서 또한 대답이 즉각적이라는 상황에서 볼 때 "웹아트가 무엇일까?"는 놀라운 질문이다. 그 대답은 "웹아트는 인터넷상에서만 유일하게 존재하는 예술이다." 당연한 대답일 것이다. 그러나 Institute for Applied Autonomy의 http://www.appliedautonomy.com/ 그리고 Redundant Technology Initiative의 http://www.lowtech.org/나 RTMark의 http://www.rtmark.com 등 왜 이같은 웹 싸이트 앞에서는 망설일까? 이러한 웹 싸이트들은 의심없이 웹아트의 웹 싸이트들이다. 그러나 이들 같은 웹작가들을 선정할 것인가를 망설일 때 그들 자신에 대한 그들 고유의 정당성이 자신들을 탈락시키는 게 확연했는데 이는 내가 그 사실을 믿기 때문이 아니라 내 느낌을 확인 해주기 때문이었다. Institute for Applied Autonomy . . , "Institute for Applied Autonomy는 미래에 가장 안정될 시장 중 하나처럼 이미 문화적 혁명의 시장이 탄생하고 있음을 밝혔다. IAA는 이 시장과 발전의 기본적인 처신을 분석했고 현재 테크닉들은 팽창하는 시장의 요구를 최대한으로 만족시키고 있다." 테크닉들이라는 것은 매직물감으로 낙서를 하는 로버트를-가상적이 아닌 실제의 것- 가르킨다. Redundant Technology Initiative는 이렇게 말한다. " Redundant Technology Initiative란 무엇을 뜻할까? RTI는 영국북부의 쉐필드에 거주하는 예술적 구릅이다." 이 구릅은 많은 작품 중 컴퓨터의 설치작업을 창출했다. 그리고 RTMark는 "RTMark란 무엇일까? RTMark는 중개업회사로 다른 모든 회사처럼 '한계지어진 책임감'의 이익을 얻고있다. RTMark는 일반 투자자를 위해 위험없이 회사들 제품의 태업을 지지한다." RTMark는 아이 러브 유식의 바이러스에 의한 태업을 뜻하는 것이 아니라 자신의 컴퓨터를 끄고, 의자에서 일어나고, 집밖으로 나가는 그런 태업을 뜻한다. RTMark의 기본지침은 더욱 웹아트와 유사한데 이는 그의 "회사들 제품의 태업"이 근본적으로 웹 싸이트상에서의 제의에만 한정하는듯하기 때문이다. RTMark가 실제적인 행위를 지지하지만 다른 예술이나 웹아트의 결과와 밀접한 개별적인 인식을 취한다는 것을 제외하면, 웹 싸이트 자체는 온라인 밖의 결과들을 돌발할 필요성을 느끼지 않는듯 하다. 그럼에도 그가 제의하는 프로젝트들의 목적은 정신을 웹으로부터 멀리 떼어내 밖으로 보내는데 이는 웹 프로젝트 8에 초대된 웹아트의 기능과 많은 차이점을 보인다. 다시한번 얘기하지만, RTMark나 다른 대안적 웹 싸이트들이 웹아트가 아닌 다른 것이라는 것을 뜻하는 것이 아니다. 이러한 싸이트들의 흥미로운 양상은 다른 예술적 매체에서는 비운이 될 정치적 참여를 들 수 있다. 그렇지만 RTMark의 정치적 호소와 이를테면 American Civil Liberties Union, http://www.aclu.org/, ou de Amnesty International http://www.amnesty.org/의 호소 사이에는 어떤 차이점이 있을까? 각자 정치적 인식을 취하고 곧 정치적으로 참여하려고 추구한다. 그들 사이에 무엇인가 차이점이 있다면 그건 그들의 미사법과 행동의 범위일 것이다. 최초의 웹 싸이트는 미세하거나 아니면 상상 속의 사회의 악에 대해 조롱하거나 비평하려고 추구했었다. 그러나 두번째 웹 싸이트들은 죽음과 삶의 문제에 대해 상당히 심각하게 추구한다. ACLU는 이렇게 말한다. "이제 행동으로 옮기시오! 무고한이들의 처형을 중단하기 위해 우리는 당신들이 이 세 가지 사항을 즉시 이행해주기를 바란다. 1. 처형법에서 집행유예를 지지하기 위해 행동에 옮길 것. 2. 친구와 가족들을 이 캠페인에 동원할 것. 그리고 3. 만약 우리와 동의한다면 무고한 사람 하나라도 죽음을 당하지 않도록 처형법에서 집행유예가 정착할 수 있도록 ACLU에 참여하시오." http://www.aclu.org/death-penalty/. RTMark는 이렇게 표현한다."여기저기 널려있는 포르노 비디오가계에가서 로날드 맥도날드(기막힌 남성 성기)나 바르비 인형(미친듯이 암내를 풍기는) 같은 인물이-간단히 말해, 자신들이 추측하는 미덕 덕분에 존재하는 모든 저명인사들- 등장하여 보고픈 충동을 주는 비디오 테이프를 갖다 놓으시오." http://www.rtmark.com/fundintel.html
RTMark, IAA 또는 RTI에게서 느끼는 가장 피상적인 양상은 그들이 웹아트라는 사실을 우리에게 설득시킨다는 것이다. 즉,
예술세계에 선언한 그들의 접속 때문에. 우선 이상스럽게 보이는데 이는 예술작품이 직접적인 해석이 될 필요도 없고 자신에 관한
인식을- 웹아트라는 사실이 거의 초현실적이라고 자주 인식하는 웹아트에서만 제외하고- 필요로 하지 않기 때문이다. 오늘 예술의 가장
심오한 양상 중 하나는 "이것이 예술이다"라고 -우선은 자기 스스로에게- 말하는 것이기 때문이므로 그 사실만으로 충분하다. 늘 그래왔지만
예술은 사유보다 더욱더 감동과 믿음의 문제였다. 그리고 예술의 세계에서는 의심없이 예술은 예술이라고 지칭하는 것이 예술이다.
웹 프로젝트 8서의 나의 선택은 결국 단순한 고찰에 국한되었다고 추측할 수 있다. 즉, 이 웹 싸이트가 부분적이라 해도 그 자체로서
종결일까 혹은 도구일까, 하는 고찰을. 웹아트와 '개인적 싸이트'라 명칭하는 다른 류의 대안적 싸이트 사이에 확실한 분별을 짓는
일은 점차 어려워지는데, 자신들의 무명성을 어떠한 시험에서도 극구히 옹호한다해도 이 둘은 이들을 창조하는 자신들을 선전하는 것일
뿐이기 때문이다. 그러나 그건 예술을 창출하고 있는 것일까 혹은 아닐까, 라는 선택만하면 되는 창조자들의 또다른 하나의 경우일
뿐이다.
많은 사람들이 예술을 이해하지 못한다고 말하곤 한다. 그건 정상인 동시에 비정상적이고 그리고
예술이 무엇을 의미할 것이며 혹 의미하지 않을 것이라는 감상의 결핍을 표현하는 것이다. 솔직히 말해 예술에는 이해할 것이 아무것도
없고 좋아하느냐 싫어하느냐의 문제이다. 모든 것은 감정의 문제일 것이다. 많은 예술가들이 의식적이건 무의식적이건 함정에 빠지지
않으려는 우리들의 불안을 조성하는 작품을 즐겁게(그들의 외부적 심각함에도 불구하고) 창출한다. 그들의 작품은 불안을 조성하는
것이 아니라 재미있어야 한다. 수많은 평론은 난해한 텍스트를 쓰며 이같은 불안을 조성했다. 왜냐하면 어려운 예술과 어려운 텍스트
사이에는 차이점이 있기 때문이다. 한 예술작품을 이해하지 않아도된다. 그러나 계시를 준다는 텍스트를 이해할 수 없다면 무엇인가
잘못된 것이라고 볼 수 있다. 예술을 사랑하면 할수록 아무것도 이해하지 못한다는 걱정을 덜 한다. 문제점은 사라진다.
어느날 "개념예술"이라는 단어가 예술적 단어로 입성한 후 불안의 심지가 깊어갔다. 그리고 개념은 이해되기 위해 창출되었다고 누군가가
단순히 관찰했다. 문제는 해소되었다. 그러나 웹아트의 경우에는 전혀 다른 문제에 봉착하는데 이는 개념적이라기보다 테크닉에서 오는
것이라할 수 있다. 누군가가 T.V.의 테크닉에 관한 걱정을 한적이 있는지는 전혀 기억이 나지않지만 만약 있다면 그건 아마 좋아하는
프로를 보고싶어하는 순수한 기쁨 앞에 그의 불안은 그다지 중요하지 않았을 것이다. 그러나 웹은 T.V.같은 것이라고 말하기도
하는데 아마 곧 T.V.나 웹은 하나가 되리라고 한다. 그렇다면 아마 가상적인 불안은 다 사라질 것이다. 기다리는 동안 불안은
탄압되고 문화적 기관의 종사자들은 문화의 열등생처럼 보이지 않으려고 좌우충돌한다. 웹아트 앞에서 느끼는 불안은 컴퓨터와 인터넷의 공포증의 하위-범주라 할 수 있다. 이 둘은 우리의 이해의 불가능성 혹은 지속적으로 변화하는 하드 웨어와 소프트 웨어에 관한 이해의 피곤함을 활용한다. 그건 이집트의 석조 기념물에 새겨진 상형문자들이 오랫동안 헤아릴 수 없었듯이 통과할 수 없도록 단단한 정보의 매우 견고한 토대에서 공포의 심층까지 가느냐 아니면 거부하느냐의 문제일 것이다. 그리고 무엇 때문에 계속해야 할까? 정확히 무엇을 발굴하기 위해서? 심층에는 아무것도 없을까? 원자처럼 정보를 무로까지 이끌어 갈 수 있도록 쪼개고 또 쪼갤 수 있을까? 컴퓨터의 테크닉적 문제는(만약에 있다면) 원자핵의 테크닉과 달리(황당한 다른 예를 들기위해) 그저 제거해야 할 단순한 위험물이 아니라는 것이다. 결국 정보의 테크닉에서 가장 걱정스러운 것은 아이들과 소아 어른들이-이 무책임한 이들이- 어른보다 더 잘 이해한다는 사실이다. 혹은 그들은 근심조차 하지 않는다. 그리고 우리들 중 가장 책임감있는 이들에게 바로 그것이 가상적인
불안을 야기시키는 것이다. 서울의 한 신문의 기사에서 한국의 35세 이상의 셀러리맨들은 만성 위장병을 앓고 있다는 사실을
읽고 누군가 내게 얘기해주었다. 병명은? 대부분 '부하직원'인 그들의 젊은 동료들은 특히 인터넷도 포함한 정보 테크닉을 무서울정도로
그리고 환멸에서 깨어난듯 수월하게 사용할 뿐아니라 '상사직원'이 느끼기에 망신스러운 방법으로 그들의 상사 앞에 발휘하는 실력 때문이다.
나 자신도 전등차에서 목격했는데 서울 사람들은 일반적으로 네종류의 책을 읽는다. 성경, 영어회화, 컴퓨터 정보서적과 인터넷서적.
이 중 뒤에 열거한 세 가지는 서로 보충해주는 구실을 한다. 그러나 생각해 보건데, 컴퓨터 정보서적은 우리 사이에 많은 이들에게
절대적인 미지인 성서적 믿음처럼 이해를 요구한다. 웹아트의 불안이 우리의 디지탈 공포증이라는 케익 위에 놓인 체리라는 것은 말할
것도 없고 문화적 소화불량을 해소해주기 위해서 산화중화제의 판매를 증폭시키는 일 밖에 없다.
헤커들의 신조는 자산과 서비스에 (HTML의 법칙에 정확히 복종하면서도) 보답해야 한다는 규정을 외면 하는 것이며 웹아트 세계의 심리 상태에서 중요한 역활을 한다. 그러나 인터넷상의 어느 서비스처럼 회피할 수 없는 웹아트의 판매를 정지하기 위해 이러한 저항은 순간적인 시도일 뿐이다. 그리고 헤커들에도 불구하고 회피할 수 없는 일은 한 차원 높은 마르쎌 듀셩이 작품으로서 판매하였던 공기를 담은 병인 - 병은 적어도 어떤 사물이고 넷아트는 아무것도 아니니까 - 작품 "빠리의 공기"라는 http://members.aol.com/mindwebart3/marcelpg1.htm 멋진 대응일 것이다. "지극히 - 날씬함"의 창출자이고, 단순히 숨을 쉬면서 창출하기를 꿈꾸던 듀셩은 웹작가들이 그들의 작품을 판매할 수 있다는 사실 앞에 기꺼이 고개숙일 것이다. 영리한 화상들이 인지하고 있듯이 아무것도 아닌 무엇으로부터 돈을 번다는 것처럼 만족스러운 일이 없을 것이다. 공기를 판매하는 듀셩의 성취는 사기라고 치부될 것이 아니라 미니멀예술이 아름다운 판매품이 될 수 있다는 사실을 인정하는 것이다. 1911년 그 당시 그가 공기나 아무것도 아닌것을 판매했다는 사실은 아마도 미니멀리즘이 정착하기전 가장 극적인 한계였을 것이다. 그는 보이지 않는 것을 보이게 만들었고 무존재를 존재로-그리고 경멸할 이유가 없는 일이지만 이를 아름답게- 만들었다. 그러나 웹아트의 미니멀리즘은 "빠리의 공기"의 미니멀리즘보다 더 보수적인데 공기도 웹아트도 존재하지 않지만 웹아트는 적어도 보이기 때문이다. 그보다 더 빠리의 공기 한 줌을 담고 있는 병을 사듯이 웹작가들의 작품을 살 수 있고 자신들의 작품을 디스켓, CD-ROM이나 혹은 다른 디지탈매체로 담아 오직 당신과 몇몇 행복한이들만이 복사나 혹은 일련 번호가 새겨진 작품의 복사를 보유한다는 보증을 할 수 있다. 이는 필름이나 비디오나 사진과 같은 다른 종류의 매체의 매매과정과 유사할 것이다. 그것은 다른 매체 예술의 사실적 존재에 맞선 가상의 웹아트 존재가 미술시장의 불안을 도발하는 것이 전혀 아니라 이제까지 건재하고 아마 평탄하게 판매되었던 풍성한 그 무엇인가 또한 제시한다. 고금명품처럼 미술시장이 번창할 때 양질의 예술적 사물의 상대적인 빈곤이 존재했다. 실제적 문제는 미술시장에 소개되는 웹아트가 자산이나 서비스의 저 너머 혹은 그 아래 사이 어디엔가 애매하게 존재하는 것이 아니라 그것은 풍성하게 부유한 자산인 동시에 너무 자유롭게 활용될 수 있는 서비스라는 것이다. 결국, 그것이 웹아트의 정확한 묘사라면 듀셩이 "빠리의 공기"에서 제의하듯이 이는 아마도 생수를 병에 넣어 판매하는 것이 나을 것이다. 혹은 그 모든 유용성에서처럼 국가에서 통제하던지. 이처럼 웹아트는 국민을 위해 존재한다. 공기, 물과 전기가 필요한 것처럼 예술이 우리에게 필요한 것은 아니지만 만약 조금이라도 예술 한 조각의 필요성을 느낀다면(자본주의자건 공산주의자건 혹은 사회사실주의자건 어떤 이들은 필요성을 느끼기도 한다) 다른 것에서보다 웹아트에서 그 필요성이 이미 수월하게 만족될 수 있다. 그리고 많은 웹작가들은 그렇게 되기를 희망한다. 알랙시 슐건은 그들 중 하나이다. 그는 "예술, 파워와 소통"에서 이렇게 선언한다.http://www.nettime.org/nettime.w3archive/199610/msg00036.html, "With the coming of Net something new, shyly calling itself net.art is emerging, now trying to define itself and experiencing its difference from other forms of creative activity. The problems of current period of net.art as I see them are deeply rooted in a social determination of the notions 'art' and 'artist.' Will we be able to overcome our egos and give up obsolete ideas of representation and manipulation? Will we jump headlong into realm of pure communication? Will we call ourselves "artists" anymore? Net.art means communication means present." 정확히 그의 뜻을 파악할 수 없지만 나는 그의 목소리의 억양에서 열정을 읽을 수 있다. 사회가 모든 범주에서 좋은 작업이라는 (그리고 더 자주 졸작에게) 그 유일한 이유 때문만이라도 이에 보답한다면 웹작가들이 그들의 웹아트로 돈을 벌 수 있을 것이다. 그러나 슐건에 의하면 웹아트도 역시 모든 사람들을 예술가들로 변환시킬 수 있는 예술이라고 한다. 만약 그렇다면 그건 국민들이 그들이 늘 예술가였다는 사실을 이해하기 때문일 것이다. 개인적 웹 싸이트들은 이미 폭증하고 있고 그들이 자신들의 싸이트를 웹아트라고 명칭하지 않는다는 사실을 탓하던지 칭찬해야할 것이다. 개인적 웹 싸이트는 웹아트의 싸이트와 근본적으로 다르지 않다. 차이점이 있다면 그건 믿음 혹은 환상일 것이다. 개인적 웹 싸이트는 특히 자신의 집인 개인적 공간의 연장이다. - 그것이 소지품들이 거리에 흩어져 있는 상자로 엮은 집이건 (최근 동경의 몇몇 거리에서 매혹적이기까지 한 완벽하게 엮은 것을 보았다.) 혹은 잘 꾸며진 고급 빌라이건. 외부에서 볼 때 이러한 나의 집들은 건축이라기보다 예술이다. 나는 언젠가 빠리에서 값비싼 작품과 예술적 장식품들이 꾸며진 부유한 응접실을 재현했던 전시를 보았던 기억이 난다. 그 전시는 그저 호기심만을 동하는 것이었는데 이는 예술작품을 걸기 위해서건 생활을 위해서건 한 공간을 의식적이건 무의식적이건 꾸미는 모든 사람의 행위는 소수의 수집가들이 소장한 예술적 장식품과 값비싼 작품으로 꾸미는 것만큼 아니면 더 가치가 있다는 생각 때문이었다. 초라한 상자-집과 고급 빌라의 장식에서도 예술적 과정은 동일하기 때문이다. 예술가와 비예술가에게도 과정은 동일하다. 그리고 결과도 유사하다. 그러므로 웹 싸이트와 웹아트도 역시 동일하다. 웹아트 작가들이 그들의 작품을 팔 가능성이 있다해도, 웹 싸이트들의 창출자의 것이 외면당했건 혹은 거부했던지 그건 정신적 과정의 최종적 결과일 뿐이다. "국경의 도시 2000" http://turbulence.org/Works/FT2K/html/marker01Text.html에서
다이안느 버톨로는 "서부극처럼 사이버공간은 무한한 가능성이 산재한 무법 지역이다", 라고 말했다. 아직 그 한계를 인식하지 못하고
있지만 다른 예술적이거나 비예술적인 매체와 유사한 웹아트에서는 한계가 지어져 있다. 개인적 웹 싸이트의 창작자와 웹아트의 웹
싸이트는 그들의 사적인 일들을 보여주기 위해 혹은 가끔 팔기 위해 인터넷상에서 보충해주고, 누설하고 있다.
올리아 리아리나의 "아가타의 출현" http://www.c3.hu/collection/agatha
에서 마우스를 클릭했을 때 여주인공이 웹 싸이트에서 다른 웹 싸이트로 월드 와이드 웹을 향해 여행을 하는 상호성의 매우 놀라운
순간을 직면한다. 그건 아가타가 우리를 동반하고 떠나는 단순하고, 예상스럽게 만족스럽고, 놀라운 여행이다. 간단하게 클릭만하면서
꽁꼬드비행기를 타는 것보다 더 단축된 시간에 세계일주를 떠나는 것이다.
나는 올리아 리아리나의
"예술, 파워와 소통"에서 http://www.nettime.org/nettime.w3archive/199610/msg00036.html 알랙시 슐건은 예술, 특히 웹아트는 표현에서 소통으로 영상에서 텍스트로 이어진다고 선언했다. 언어는 예술가에게 필요한 다른 도구라고도 말했다. 문제는 그러므로 만약 예술가가 다른 매개체를 사용하는 것처럼 언어를 사용한다면 언어의 소통적 질이 작품 속에 녹아 있다는 걸까? 슐건은 예술이 지금까지 더욱더 재현의 문제였다는 것을 제의하는데 그건 소통을 제어하지는 않았지만 비언어적 방식으로 소통하게끔 만들었다. 예술과 언어는 소통이라는 관점에서 서로에게 반하는 것 같다. 한편 예술은 모두 제시이고 감동이다. 한 예술작품에 대한 모든 결론은(소통은) 사적이다. 이러한 결론은 반박할 여지가 없는 것은 아니다. 그것은 명정한 메시지조차도 아니다. 그것은 물론 한 사람에서 다른 사람에게 전달될 수 있는 같은 메시지의 소통도 결코 아니다. 간단히 말해 그것은 글로 쓰여진 것이 아니다. 예술은 말이나 글로 쓰여진 요소를 내포한다 해도 말로서 또는 글로 써진 결론이 아니다. 반대로 예술작품에서 말로 또는 글로 쓴 요소들은 예술적 표현에 한 부분을 차지한다. 예술은 그러므로 설명적인 메시지를 표출하지 않는다. 바로 그것 또한 그의 특성이다. 다른 한편, 언어는 최선을 다하여 명정성에(소통) 다다르려하고 그의 정의에 의하면 서로 공유하는 것이다. 언어의 명정성은, 말로서 표현하건 글로 쓰건 적어도 두 사람을 요구한다. 언어는 의사소통한다. 소통은 잘 진전되는 사회의 토대며 줄기다. 그것은 사람들과 모든것이 원활하게 되도록 만드는 것이다. 그리고 사람들과 모든것이 원활하게 진행되지 않을 때 이는 자주 소통하지 못하는 언어의 탓이라할 수 있다. 그외에 언어가 전달하는 것은 유요한 메시지 뿐만아니라 무용한 것도-예를들어 문학이나 시의 형태 아래 예술이나- 포함된다. 슐건이나 다른이들에 의하면 특히 어느때보다 오늘 더 언어는, 예술은, 특히 웹아트는 소통한다. 웹아트의 많은 작품들은 바로 텍스트들로 구성되었다. 그러나 만약 그것을 예술작품이라고 간주한다면 그들의 언어적 소통의 가능성은 문제조차 되지않는다. 결국 소통을 할 수 있는 예술은 무엇인가를 전달하는 예술이다. 나는 예술이 오직 하나만을 진정 전달한다고 믿는데 그건 예술이 예술이라는 사실이다. 그것이 예술이고 그건 아름다움을 의미하고 그건 정신만큼 아니면 보다 더 우리의 감동과 영혼을 건드린다는 것을 의미한다. 그러나 이러한 메시지는, 만약에 있다면, 너무나 기초적인 것이기에 지당하다고 할 수 있다. 슐건이나 많은 예술가들 또는 선배 비평가들이 의도하는 것은 예술이, 이 경우 웹아트가, 표현에서 멀어지고 소통으로 다가가는 것이라고 생각하는 것 같다. 그러므로 예술은 중요해질 가능성을 내포하고 아마 지금 더욱더 그렇게 될 것이다. 혹은 웹아트가 그저 아름답기만하고 침묵을 지키기보다 더 많은 것을 표출하는 예술적 운동의 아방갸르드가 될 때가 온건 아닐까. 웹아트의 텍스트적 요소가 그렇게 만드는 걸까? 웹아트가 예술의 한 형태일 뿐이라면 어떻게 예술이, 텍스트가 가득한 것이라 해도, 조리있게 전달될 수 있을까? "예술, 파워와 소통"은 검소하고 친근하다 해도 정치적 시위로 읽힌다. 그러나 거기엔 매우 격양되고 다급한 억양이 있고, 슐건의 작업에서 보이는 아주 미소하게 예감적인 것도 전달된다. 그리고 삶에서 예술보다 덜 다급한 것이 있을까? "I intentionally wrote this paper directly in English which I am not good in and I know that what I am going to say may sound rather declarative, generalised and clumsy. But the only alternative to this I see is to say nothing." "How one can dare to use words trying to explain something? Isn't it obvious now as never before that words fail to describe anything? Let's be honest - words now are nothing but just another medium for an artist." 슐건의 열정은 표현과 소통 사이의 경계가 어느때보다 더 혼돈스러워지고 있다고 생각하는 예술을 향한다. 그러나 그가 그 열정에서 만약 잘못 생각하고 있다면 그건 예술이 표현되기보다 더욱 소통되어져야 한다고 추측하는 것이다. 만약 웹아트가 표현을 멀리하고 소통으로 향한다면 그건 문제가 된다. 미가 아닌 다른 무엇을 전달하고자하는 예술은 결국 예술이 아닌 다른 무엇이다. 그리고 그것을 상기하는 것이 중요한 이유는 그렇지 않으면 예술가는 자신의 것이 아닌 책임을 짊어지어야 하기 때문이다. 결국, '불량한' 생각은 좋은 예술의 징표다. 혹은 생각의 완벽한 결핍이다. 예술과 지성을 혼돈하지 않는다는 것은 매우 좋은 생각인데 그렇지 않으면 관중이 텍스트의 내용이나 작품에 결핍된 것에 주의를 기울일 것이다. 그러나 우리는 결국 텍스트에 관심을 쏟는다. 웹 프로젝트 8을 검색하는 관중이 감지할 수 있듯이 최정화를 제외한 모든 전시 참가작가들이 적게는 또는 많이 그들의 작품에서 언어를 활용한다. 슐건의 주장이 옳다. 웹아트는 텍스트를 많이 활용한다. 이렇게 질문해보자. 이같이 퐁성한 텍스트의 활용이 웹아트와 다른 예술적 매체와의 차이점일까? 내 생각은 아니다,인데 정확한 사유는 "현재 단어들은 오직 예술가를 위한 또다른 미디움일 뿐이다."라는 그의 의사와 동일하기 때문이다. 장영혜같은 웹작가는 거기에 동의하리라 생각한다. 그녀는 자신의 작품에서 텍스트의 어떤 자제력을 보유하는데 그녀는 문학인이라고 간주되는 것을 거부한다. 왜냐하면 그녀의 작품이 예술적 기준이 아니라 문학의 것에서 평가되기 때문이기에 그것은 그녀에게 치명적인 오류가 될 것이라고 내게 설명했다. 자신의 작품과 문학작품의 차이점에 관해 "흥미로운 책읽으며 노래듣는 거 봤는가? 그리고 다른한편 내 작품을 듣기 위해 플레쉬 플러그 인이 필요하다는 사실을 모르는 검색자는 음향없이 그저 지나가는 텍스트만 바라볼 뿐인데 그 사람은 많은 것을 놓치는 거다.", 라고 말했다. 그러므로 그녀에 의하면 잘 써진 그녀의 텍스트들은 정확히 무엇을 소통하는 것일까? "그 질문은 하지말아라. 내가 무엇을 생각하건 그건 소용없다.", 라고 대답했다. 그러나 그녀의 텍스트들이 소통을 하는 걸까, 혹은 표현하는 걸까? "그 질문은 내게 그다지 중요하지 않다. 거기엔 소통이 존재하고 그건 영상과 아마 다른 기능을 발휘할 것이다. 그러나 이따금 엉뚱한 해석을 부추기는 예술적 텍스트는 문학적 텍스트가 부추기는 심각한 해석의 다양성을 초월하는 것같다. 특히 그건 텍스트를 사용한다 해도 작가가 아닌 예술가일 뿐이기 때문일 것이다. 작가들은 자신들의 글이 이해되기를 바라지만 나는 내 텍스트가 이해되느냐에는 관심이 없다. 물론 몇몇 문학작품과 극단적으로 다른 해석이 존재하지만. 그러나 텍스트는 독자/관중에게 해석의 짐을 덜어내라고 부추긴다. 적어도 지금으로서는 웹아트의 내 작품들이 문학적 텍스트가 요구하는 심오한 분석을 야기시킨다고는 생각지 않는다. 어쨋던 나의 텍스트들은 '독자'들이 집중적으로 연구하는 것을 허락하지 않는다. 연구하기에 나의 단어들은 모니터에서 너무 빠른 속도로 나타났다 사라진다." 장영혜의 텍스트는 전통적인 독자의 정신과 넷티즌의 것과는 근본적으로 다른 두 정신을 강조하는
것같다. 네티즌에게는 모든것이 빠르고 목적을 향해 직진하는 면에서 소비자와 유사하다. 전통적인 독자는 더 느리고, 인내심을 갖고,
명상에 더 많은 관심을 갖고 있다. 지상에서는 산소통의 산소가 소모되기전에 혹은 우주선에 빨리 들어 가야하는 것처럼 네티즌은
시간에 늘 좇기는듯하다. 전통적인 독자는 사색가라기보다 몽상가이며 공간밖으로 나와 자신의 안전을 위해 걱정하는 일없이 길을 잃는
사람이다. 이같이 전혀 상반된 두 맥락에서 소통은 두 가지 다른 의미를 소유한다. 인터넷상 소통은 적어도 지금으로서 상대적으로
무모하고, 실용적 정보의 연구는 그다지 정확지 않다고 볼 수 있다. 책을 읽는다는 것은 그 반대로 지식을 체계적으로 추구하는
전통적인 방법이다.
투쟁, http://www.yhchang.com/THE_STRUGGLE.html 투쟁, http://www.yhchang.com/THE_STRUGGLE.html에서처럼 장영혜의 이 작품 초반부 어디엔가 "민중에게 파워를!"이라는 구호가 나오는데 이는 모든 인터넷 이용자들의 상징적 태도라할 수 있다. 다른 예술적 매체의 정치적 조심성의 상징적인 스타일로 표출된 장영혜의 작품이 정치적이 아닌 다른 투쟁의 전시가 됨에도 불구하고 그녀는 이를 책임감 없는 정치 아니면 경쾌한 선전인 웹아트의 가장 오리지날하고 명백한 주제 중 하나의 견본으로 만들기까지 한다. 그녀에게 웹아트와 그녀의 작품에서 드러나는 이러한 측면을 언급했을 때 슬기롭게 이를 인정하기를 거부했다. "웹작가들이 정보의 기술을 사용하기때문에 다른 예술적 매체보다 조금 더 조리있게 숙고한듯한 메시지를 표출하는 것처럼 보이는 예술을 창작할 수 밖에 없는 것같다. 내 생각에 언어 자체는, 특히 글로 쓰여진 언어는 중요한 요소들을 표현하고자 한다. 무의미한 것들을 논할 필요는 없다.- 웹아트도 포함한 예술에서만 제외한다면. 바로 거기에 모순이 존재한다. 예술은 언어를 흔한 사물처럼 취급한다. 나의 웹아트는 텍스트를 사용한다. 텍스트 역시 나의 예술을 위해 사용될 준비가 되어 있다. 그러므로 나의 웹아트의 텍스트가 무엇인가 정치적인 개념을 표출하는 것처럼 보인다해도 그들은 그런 의도가 없다- 적어도 다른 어느 작품보다 더하다고 할 수 없다. 예술을 무엇인가 중요하거나 무의미한(난 이렇게 보지만) 것으로 간주하던 모든 예술작품은 그것이 "투쟁은 지속된다!" 이건 정물화이건 동일의 가능성을 보유하고 엇비슷한 정치적인 개념을 표현한다." 이 인용에서 그녀는 웹아트의 근본적인 양상은 정보의 기술이라는 그의 맥락이라고 요약한다. 따라서 이제부터 텍스트적 정보가 지배적인 웹아트를 감상한다는 것은 당연한 일이되었다. - 대부분 전시실에서 보여지는 예술에서는 진행의 차질을 빚는데 이는 전시실 입구에서부터 작가나 주최자의 의도가 곡해되리라는(마치 그것이 가능이나한듯) 염려하에 준비한 텍스트를 읽어야한다고 제의하기 때문에 관중은 이를 읽기위해 멈추기 때문이다. 관중에게 해야할 것 또는 생각해야 할 것을 지시하는 전시는 아마 관중을 반란의 길로 인도할 것이다. 반대로 웹아트에서 이용자에게 텍스트를 그 앞에 제시하는 것은 말할 것도 없고 여기서 클릭을 하거나 저기서 스크롤하라고 지시하는 것은 대부분의 웹 싸이트들이 이행하는 일인 정보를 소통하는 것이다. 서양의 자본주의 사회에서 예술가가 정치적 예술을 성공리 창출하려면 그는 그다지 정치적인 면에 무심한듯한 태도로, 그렇지 않으면 선전으로 치닫을 우려가 있기 때문에, 정치적 숙고를 전달하는 게 나을 것이다. 그건 매우 어려울 뿐아니라 어쩌면 불가능할지 모른다. 몇몇 관중에게는 아이러니하고, 정신적이고, 상큼하고, 제의적인 예술이지만 다른 몇몇에게는 그저 교훈적으로만 보일뿐이다. 정치에 봉사하기 위해 예술을 창출한다는 비난을 받지않고 자신의 작품에 간접적으로 의식적 정치개념을 내포시킨다는 예술적 어려움은 한편 "예술을 위한 예술"이 잘 정착된 태도의 탓이라고 할 수 있다. 장영혜도 포함한 몇몇 예술가들이 선전이라는 그늘망에 떨어지지 않고 아슬아슬한 외줄을 탈 수 있다는 사실은 그들의 정치적 조심성보다 예술적 능란함에 헌사할 일이다. 자신의 작품에 상호적으로 조리있는 정치적 숙고를 의식적으로 표출하는 장영혜와 같은 웹작가들
그리고 프로젝트 8에 참가한 다른 웹작가들은 다른 매체의 작가들보다 덜 무거운 양식적 짐을 지고 있는데, 모든 웹 싸이트에 강열한
텍스트적 요소나 인터넷 자신의 본질적인 텍스트는 선언적인 웹아트에 방도를 개방하고 있다. 인터넷의 텍스트적 맥락이 웹아트에 더욱더
부여해주는 면은 모든 예술의 정치적 맥락을 드러나게해준다는 사실이다. 다른 예술적 매체 주위에서는 이 맥락이 매체 스스로를 배반하거나
그렇게 될 위험이 산재하기에 제시적인 상태로만 드러난다. 그러나 인터넷의 맥락은 언어이기에 결국 이 정치적 맥락이 투명한 문장들로
표명된다.
상호성은 이용자가 컴퓨터의, 그것이 다음 페이지로 넘어가는 것이건 혹은 변환이나 혹은 한 페이지상에서만 무엇인가의 움직임이건, 모니터상 작동하는 움직임을 뜻한다. 예술에서 늘 그래왔듯이 움직임은 작품이 관중의 기쁨을 도발하는데 가장 주요한 역활을 한다. 그러나 마술사를 통해 보면 이 움직임은 오직 관중의 정신 속에서만 거의 진행되고 있었다. 30년대 알랙산더 칼더의 모빌조각의 창출에서부터 공간에서 예술이 움직이기 시작했다. 물론 영화가 움직이는 예술을 앞서갔다. 오늘의 사물과 영상의 움직임과 비교해 웹아트에 표출된 움직이는 몇몇 요소들은, 크거나 작은 화면에서의 비디오나 디지탈 애니메이션의 움직임과는 비교할 수 없이, 간단해 보이든가 아니면 극히 단순해 보인다. 하지만 상호성 덕분에 그리고 이용자가 움직임을 유도하거나 유도한다고 생각하기 때문에 혹은 사이버공간 전체에서나 한 페이지 어느 한 곳에서 다른 곳으로 움직이고 한 형태를 다른 형태로 전환한다는 것 때문에 아마 클릭한다는 새로움 때문에- 이 모든 것 때문에 웹아트에는 마치 게임방에서 혹은 마술사의 조수로서 느끼는 기쁨처럼 단순한 기쁨이 존재한다. 즉, 거기에는 마술사가 수건(웹 페이지) 위에 지팡이를(롤오버)두드리면 무엇인가 기대치 않았던 이상스럽고 환상같은 것이 발생하리라는 것을 인식하고 있는 것이다. 이러한 맥락에서 수퍼배드의 http://www.superbad.com은 특히 예상스럽고 환상적이다. 형식적인 변화와 움직이는 형태들인 웹 페이지들의 변화를 혼합하며 벤 벤자민은 만화경 속의 여행을 창출하는데, 그의 임의적인 상호성에서 볼 때 모방하기가 수월한듯 하지만 그의 예술적이고 그래픽 적 우수성을 모방하기에는 전혀 수월치 않다. 바로 superbad.com의 시작부터 끝까지 전개되는 움직임에서, 모든것이 롤오버나 클릭만의 결과로 이루어지는 예기치 않으며 다른것과 고립된 영상인 벤자민의 작품은 그레픽적 성향을 보이는 다른 모든 웹아트를 저너머 초월한다. 웹아트에서나 어느 웹 싸이트에서 움직임을 창출하기 가장 수월한 방식은 플레쉬로 작업하는 것이다. 한편으로 플레쉬는 웹상 매우 중요한 위치를 차지하고 이 프로그람에 대해서만 리서치 웹 싸이들이 무수하게 많다. 웹아트의 주요한 원천인 라이좀에서도 근래 플레쉬 프로그람을 취급하거나 효율적으로 사용하는 방도에 대한 URL의 리스트가, http://rhizome.org/object.rhiz?1872 소개된 글이 떳었다. 다른 한편 웹아트나 웹디자인의 몇몇 비평가들 중 이를 사용한 싸이트들이 너무 천박하다는 간주에 의해 플레쉬 프로그람의 남용에 대한 반대 행위가 증폭되고 있다. 플레쉬를 가장 훌륭하게 사용하는-그러나 아주 단순하고도 거의 반대되는 방법을 토대로 작업하는- 작가 중 하나인 장영혜에게 이러한 비평적 태도를 어떻게 생각하는냐고 물어보았다. "플레쉬를 사용하는 웹작가들을 비평하는 이들은 아마 웹아트에서 어떤 예술적 보존주의 환상을 보존하고자 한다고 생각한다. 그들은 아마 웹작가들은 오직 HTML이나 ASCII만을 활용해야 한다고 생각하는 것같다. 그건 우수꽝스런 생각이다. 어쨋건, 언제부터 비평가들이 피그먼트를 갈아서 마기름과 섞어 화가 고유의 물감을 만들어 사용하는 것이 튜브로 판매되는 물감을 사서 작업하는 사람의 작품보다 더 낳다고 간주하기 시작했는가? 어느 비평가가 발견된 작품이 너무 수월하다고 말 할 용기가 있는가? 좋은 작품을 창출하기 위해서 예술은 어려워야할 필요가 없다. 플레쉬 프로그람의 남용에 관해서는 각자 자기 취향이 있는 것이라고 생각한다. 다른 모든 예술적 매체에서도 동일하다고 본다. 기상 천외함은 예술에서 주요한 역활을 한다. 애매한 색이 당신의 취향이 아니라해서 그것이 문제점이 된다는 것을 뜻하지 않는다." 웹상 너무 천하다고 간주하기에 플레쉬를 사용하여 창출한다는 사실을 비평하는 이들은 아마 무의식적으로 비디오 속에서의 움직임, T.V.에서의 선전, 디지탈 아니메이션과 비교하고 있을 것이다. 이 모든 비교에서 플레쉬에서의 움직임은 다른 매체들을 이따금 너무 당연한 것으로 만드는 유사성과 함께 영구히 존속하던지 혹은 초보적으로 보인다. 따라서 그것에 대해 비평가들에게 응답을 할 필요가 있을까?, 경쟁을 할 필요가 있을까, 일것다. 다른 한편 플레쉬를 발굴하기전에 운영되던 웹 싸이트들과의 비교나, 움직임이 적거나 아주 존재하지 않는 웹 싸이트들의 비교는 가능할 것이다. 이러한 비교에서 움직임은 전자의 그의 결핍에 대한 해석이 될 것이다. 그러므로 이 모든 비교에서 예술은 단순한 구경거리와 달라야한다는 편견이 작용한다. 혹은 만약 예술이 구경거리라면 천박한 혹은 T.V.나 영화에서 보는 그런 멍청하다고 할 그것과 거리를 두어야 한다고 생각한다. 영화에서조차도 이를테면 움직임이 적을수록 예술적이라는 편견이 존재한다. 그것은 추측이 아니라 어떤 진실을 시사한다. 예술은 구경거리보다 더 많은 인내심에 초대한다. 느림은 무의미한 부동성이다. 즉, 잘 관찰할 것이라는. '심각한' 영화는 자주 움직임이 감소된 대화가 주요한 역활을 하는 롱 셧과 짧은 셧으로 구성된다. 플레쉬 프로그람을 비평하는 이들을 성가시게 만드는 것은 스플레쉬 페이지처럼 플레쉬의 장면을 검색하기 위해 내려받는 데 걸리는 시간을 기다려야만 하는 필연적인 인내심을 요한다는 것이다. 그렇지 않으면 "다음으로", 라는 스켑키가 기다린다. 여기에서 플레쉬는 무용한 것처럼 보인다. 그러나 그건 오류를 범하는 것인데, 곧은 길인 일상의 삶의 곁에서 소용없이 비틀비틀거리는 모든 예술은 무용하기 때문이다. 빠르거나 느린 움직임은 삶 그 자체이다. 삶의 느림 혹은 빠름은 철학의- 그리고 예술의-
내용이다. 물론 수월함도 포함해서. 예술도 삶도 어려워야 할 필요가 없다. 컴퓨터의 목적은 무엇을 수월하게 만드는 것이 아니던가.
플레쉬가 혹은 예술적 창출을 용이하게 해주는 다른 모든 프로그람이 창작행위를 잘못 이끈다고 말한다는 것은 고로 무용하다.
다이안느 버털로의 "낭독자"는 단순명료한 작은 몸짓으로 검색자가 선택한 URL의 페이지의 키를 두드리며 인터넷상의 정보의 전환을 늦추는 화면에 가상적 상대자를 출현시킨다. "낭독자"는 검정위에 백색으로 문자 하나 하나 오직 텍스트만을 인쇄하며 그리고 구호문이나, 사진, 삽화, 다른 치안 문자같은 모든 시각적 정보를 제거하며 웹상의 모든 텍스트적 정보를 동등하게 만든다. 결과는 인터넷의 평범한 본질인 매우 검소한 시위를 자아낸다. 예를들어 나는 빈칸에 이렇게 써보았다. http://www.sex.com/index.html. 독자는 이렇게 응답을 보내왔다. "Sex.com. . . The Place To Find Sex On The Net. 동일하거나 혹 다른 URL로 나처럼 한번 시도해보고 그리고 "낭독자"에 의해 변환된 페이지와 대상의 웹 페이지를(만약 18세 이상이라면) 비교해보라. 내가 사용한 예에서 보면 "낭독자"의 미니멀한 해석은 다색의, 천박하고, 상호성과 수많은 음흉하고 설명적인 구호들 투성의 웹 페이지인 포르노를 시로 전환시키고 있다. "낭독자"는 정보의 고속도로가 되리라던 초기의 의도에서 벗어나 뉴-에이지의 T.V.가 되고자하는 웹의 무언의 의욕을 저지한다. 그러나 버톨로의 싸이보그는 이 게임을 지휘한다. 단순히 화면 위에 텍스트를 뜨게하는 것이 아니라 상대자의 몸이 외적으로 무거워보이는 입력하는 검색어와 텔레타이프 수레의 기계적인 덜컹거리는 음향을 뻐끔거린다. 이같이 가상적인 인간적 터치는 물론 그녀의 "낭독자"이지만 나에게 그녀는 우선 혼돈스러운 출현이었다가 곧 유머스럽다가 종국엔 짜증스러운 그녀가 나에게 보내는 메시지 전송자이고 문학작가이다. 우리는 버톨로의 시치미 뗀 통속 희극적인 터치에 실증이나 우리가 진정 현실에서 발생하는 일을 행한다고 믿는 순수한 가상의 멋진 주인공을 상상한다. 또다른 예로 "낭독자"에 의뢰한 나의 제의에 대한 대답이다. "Could Not Connect 사실인 것같다. "낭독자"는 싸이보그를 지상으로 내려보낸다. 자신과(당신의
개인적 웹 싸이트) 타인의(그들의 개별적 웹 싸이트) 극단적인 재발굴이라는 웹의 약속에도 불구하고 어떤 것들은 우리의 삶에서
발굴하기 어려운 것으로 남으리라는 것을 상기시킨다.
이 두 표현법의 차이점은 간단하다고 생각한다. "웹아트"는 웹 싸이트상 진행되는 것이다.
"넷아트"는 인터넷상 진행되는 것이다. 두번째 표현법에 첫번째 것이 종속되어 있다는 것을 뜻한다. 넷아트가 웹 싸이트상에서 진행된다는
사실 뿐아니라 인터넷상 어디에서나, 예를들어 메일상에서도, 진행된다는 것 또한 의미한다. 나는 "웹아트"라는 표현을 선택했는데
이는 단순히 웹 프로젝트 8을 위해 선택한 작가의 모든 작품들이 웹 싸이트상에 있기 때문이다. 어쨋던, 예술작품이 웹 싸이트상에
존재하건 메일에 존재하건 "웹아트"나 "넷아트"라는 표현은 서로 교환될 수 있는 것이다. 넷아트는 유럽에서 선호하는 표현같고
웹아트는 미국의 서부에서 동부로 갈수록 "웹아트"가 "넷아트"로 자리를 양도하지만 미국에서 선호하는 것같다. 나의 한국 동료들에
의하면 웹이나 인터넷의 증폭에도 불구하고 한국에선 "웹아트"나 "넷아트"의 번역은 아직 이상스럽고 놀라운 표현으로 보인다는 것을
주목해볼 수 있다.
러브 I, 최정화 최정화는 웹아트의 신진이다. 웹 프로젝트 8의 한국작가 선정시 (그 당시 잘 알려진 웹작가가 없었다) 다른 작가를 찾기보다 최정화를 선택했고 한국에서 가장 유명한 작가 중 한 사람인 그가 웹아트를 시도한다는 것이 흥미로울 거라고 생각했다. 창출을 하기위해 웹아트를 잘 알 필요는 없다. 미래에 얼마나 많은 웹작가들이 HTML을 배워야할까? 얼마나 많은 웹작가들이 이미 기술자와 공동으로 작업을 했던가? 마르쎌 듀셩은 그림을 그리는 행위를 중단하며 자신의 손으로 창출한다는 태도를 100년전 이미 거부했다.-그렇지만 다른이들이 그린 그림을 발굴하여 자신의 작품으로 사용하는 일은 지속하였다. 그의 태도는 미술사에서 감지한 태도에 기초하고 있다. 오늘 루부르박물관에 소장되어 있는 기념비적인 그림은 황실이나 귀족들의 점점 커가는 창작의례 요구를 만족하기 위해 화가 한 팀 전체와 팀장들을 필요로 했었다. 최정화는 그와 동일한 정신의 거장이다. 타인에게 어떤 방식으로 작업을 하라고 지시하는 것을 자신이 하는 것보다 선호한다고 그 자신이 먼저 이 생각을 인정할 것이다. 오직 순진한 사람만이 그의 설치작업과 조각품들의 자제력에 회의를 품을 것이다. 웹 프로젝트 8에 출품한 "러브 I"은 그의 시각적 아름다움과 상호성의 결핍에 의해 인상적이다. 상호성의 결핍은 초보자의 오류처럼 치부될 수 있을 것이다. 그러나 예술에서 오류를 논한다는 것은... 오류라할 수 있는데 왜냐면 적어도 옳다 그르다의 의미가 존재할 수 없듯이 예술에는 오류가 존재하지 않기 때문이다. 그보다 더 오직 웹아트에서 뿐아니라 인터넷상의 상호성은 이미, 짧은 그의 역사에도 불구하고, T.V.에서 채널을 써핑하는 필수적 '상호성'과 그다지 다르지 않은 필수적인 클리쉐이다. 서울시내 중심에 설치한 금빛 탑이나 혹은 모터에 공기를 불어넣어 부풀린 날개를 펄럭이는 금빛 여신이나 혹은 붉은색, 초록 사과색과 노란색의 플라스틱 싸구려 바구니 더미로 만든 탑이나 혹은 합성수지로 제작된 전통적인 잔치에 과시용으로 사용하는 정리된 사탕 더미에서나 최정화의 모든 작품은 경쾌하고 현란한 색을 맘껏 활용한다. "러브 I"에서 성치않은 치아의 사진이 붉은 영상이라는 것보다 더욱 인상적인 것은 최정화가 제시하는 색은, 치아 그 자체처럼, 사랑의 본질이라는 것이다. 검정 바탕 중앙에 자리잡은 그의 붉은 사랑은 지옥같은 톤을 띤다. 최정화는 개념과 비교해 시각을 향한 부동적인 신앙을 가지고 있다. 그의 시각적 영향은, 상대적으로 세분에서 일반적으로 가보자면, 오늘의 서울, 한국, 아시아와 서양이다. 이같은 관찰은 그의 예술을 한국의 다른 예술가의 것과 비교해볼 때 무용하지 않다. 다른 여느 아시아 산업국가들처럼 한국은 서양을 전적으로 신봉하고 있다. 한국의 많은 예술가들은 서양현대미술을 전적으로 신봉하고 있다. 다른 이들은 서양현대미술과 함께 한국의 문화를 거부하고자 한다. 이 둘은 서로 근접해지는데 두번째 의도가 지금까지 자신의 이미지를 더욱 의식해 왔다. 한국현대미술 어디에서도, 어느 작가도 최정화만큼 이러한 접근에 유머와 유쾌함으로 대응하지 않았다. 그가 보여주는 한국문화의 요소들은 전통적인 동시에 현대적이지만 종국엔 이 둘을 모두 활기차게 만든다. 그는 먼지에 쌓인 전통적 문화와 표피적인 현대문화를 재탄생시킨다. 그는 탑을 합성수지재료의 금빛으로 창출하며 재탄생시킨다. 한국의 거리의 일상의 삶에 산재한 플라스틱 바구니를 고전적인 용기로 전환시킨다. "러브 I"에서 최정화는 성치않은 치아들의 스틸 사진을 보여주는데 이들에는
한국 60-70년대의 음악이 흠뻑 배어 있다. 이렇듯 그는 우리를 번쩍이는 현실과 침흘리는 불완전한 육체적 사랑에 마주치게한다.
"키스는 그저 키스일 뿐이다.", 라는 문구가 떠오르는데 각자 치아교정기를 드러내는 깊숙한 키스일 뿐이지만 이는 더 사랑하고
있다는 메시지가 아닐까?
웹 싸이트는 그래픽 디자이너에게 이상적인 배경이다. 납작할 수밖에 없는 웹아트의 평면성은 정신적이거나 신체적으로 잉크, 흑연, 그림처럼 가장 얇은 두께라할지라도 관중의 정신 속에서는 창출될 수 있는 부피를 거부하지만 예술가들이 창출하는 선들, 점들 색깔들의 간접적이고 기계적인 방식과 함께 그래픽 디자이너와 예술가의 경계는 거의 사라진다.수퍼배드는 http://www.superbad.com 폴 끌레식으로 그래픽 아트의 거장이다. 이 둘의 세계에서는 선도, 색도 형태도 하나의 역활을 이행할 가치를 보유하지 않는 것이 없다. 솔직히 수퍼배드는 그래픽, 사진과 발굴된 일러스트를 자신의 시각적 언어에 개방하지만 주의깊은 관중이라해도 우선 이러한 융해를 주목하지 못한다. 수퍼배드의 가장 강열한 점은 끌레처럼 작품 페이지마다 시각적으로 서로 다른 영상을 병치하는 능란한 재능이라할 수 있다. 근거없는 것은 아니지만 관중은 자주 거의 형식화되거나 간단한 양식처럼 작품에서의 유일성을 식별한다. 바로 그것이 수퍼배드의 웹아트의 표피적인 경우라할 수 있다. 그러나 웹이라는 맥락에서 감상하면 수퍼배드의 스타일은 어떤 깨달음이라할 수 있다. 예술가에게 웹의 도전은 의도를 드러내지 않은 채 자신의 규칙을 십분 활용하는 것이다. 월드 와이드 웹은 이 지상의 세계보다 절대적으로 잘 정돈된 장소이다. 웹의 규율을 복종하거나 위반하는 것이 예술가의 작업이다. 수퍼배드는 시각적인 규율을-웹보다는 미학을 함포하게되는 일로서- 위반하기 위해 HTML의 규율에 복종하는데 이를 완벽히 성취하기에 유일한 웹아트(불복종한)를 창출하기 위해 예술가가 얼마나 규율을 따라야하는가를 관중이 잊게까지 만든다. 예술적인 미는 거의 대부분 예상스러움에서 발굴된다. 수퍼배드는 자신의 예상스러운 웹아트를
웹의 짧막한 생존동안 전통적 세계가 되어버린 특별히 정돈된 분위기와 대조한다. 수퍼배드의 유일성 중 하나는 이같이 정돈된 분위기를
포착하고 있다는 데 있는데 이는 정보의 고속도로처럼, 비정보나 혹은 예술을 배포하기에 이상적인 배경처럼 인터넷의 근본적인 목적에
의해 이미 통지되어 있다. 그의 또다른 유일성은 감동적이고, 어처구니 없고, 유머가 가득하고, 이상스럽고 환상적인 그의 그래픽을
창출하며 그의 방식대로 이러한 분위기를 포착하였다는 것이다.
토탈미술관은 지난 5년동안 매해 4명의 한국작가와 4명의 동일 국가의 외국작가인 현대미술작가로 구성된 프로젝트 8전을 기획해왔다. 올해 프로젝트 8의 주제는 웹 아트이기에 월드 와이드 웹을 통하여 작가들을 선정하는 것이 나으리라는 생각에 다른 형식을 유지하기로 결정하였다. 그러므로 전시 참여작가들이 어디에 살고있는지 정확히 알지 못한다. 그들이 거주하는 곳도 그들의 국적 또한 정확히 알고 있다고도 할 수 없다. 그들의 약력 또한 그들에게 질문하지 않았으므로 여기에 소개하지 않을 것이며 그들의 작품만을 소개하는 것으로 만족할 것이다. 그들의 개인 웹 싸이트에서 자신들을 소개하는지도 주목하지 않았다. 그리나 웹상 다른 이들처럼 이들 어느 누구도 완벽히 익명의 존재는 아니지만 웹 프로젝트 8의 참여작가들은 자신들의 개인적인 삶이 드러나지 않는다고 그다지 불평하지 않으리라는 것을 짐작할 수 있다. 웹 프로젝트 8전의 상대적인 유일성은 토탈미술관이 각 작가에게 신작을 의뢰했다는 데 있다. 2000년 12월1일부터 2001년 2월1일까지 이 작품들은 오직 http://www.totalmuseum.org에서만 전시될 것이다. 이 기간이 지난 후 작가들은 그들이 원하는 어느 곳에서나 이들을 전시할 수 있을 것이다. 작품들은 프로젝트 8전이 진행되는동안 토탈미술관 싸이트에 전시되고 그후 그들의 개인 싸이트전시작이 되는 것이다. 문화기관들은 웹작가들과 함께 작업하는 방식을 발굴하기 시작했다. 이같은 기관들에게 가상적 공간을 실체적 공간에 영입시켜야 할까, 라는 근본적인 문제가 제기된다. 실체적 공간이 이미 현존하고 욕구 또한 따르기에 미술관에서 전시를 하고픈 유혹은 너무나 매혹적인 일이다. 토탈미술관은 이러한 유혹을 억제했고 오직 가상적 전시만으로 택했다. 가상적 미술관은 현대미술에서의 미술관의 지배력을 유지하는데 지당한 위협을 제시한다. 지금까지 미술관의 응답은 미술관의 웹 싸이트 한 부분을 가상의 공간으로 첨가하고 이를 미술관의 모니터들을 통해 전시하는 데 그쳤고 물론, 미술관의 웹 싸이트와 연관을 갖느냐 아니냐하는 웹작가들의 결정에 따라 그의 유명세의 무게를 의존했다. 그러나 아마 다른 예술적 매체보다 웹아트에서 미술관에서(여기서는 그의 웹 싸이트) 전시되는 작품과 다른 곳에서(비미술관적 웹 싸이트) 전시되는 것과 미적 차이점은 없다. 정신적인 차이점일 뿐이라해도 미술관 내에서나 외에서 전시되었던 것 가운데 이같은 동등성은 결코 존재한 적이 없었다. 이러한 맥락에서 토탈미술관은 8명의 웹작가에게 신작 제작을 요구하며 그의 목적은 단순히 뉴 미디아에 대한 그의 지지와 존중을 표현하고 예외적인 웹작가들에게 보답하겠다고 결정했다. 서울특별시와 한국문화예술진흥원의 관대한 지원에 감사드린다. 그리고 온라인에서나 오프라인에서 수없이 이어지는 나의 미적 그리고 기술적 질문에 성의있게 응해주었고 그를 통해 많은 지식을 얻을 수 있었으며 함께 일하는 것이 즐거웠던 이번 싸이트를 만든 웹마스터겸 재능이 풍부한 디자이너 문형민씨에게 감사드리며, 활기차고 결단성있는 고유의 스타일로 국내에서 처음으로 기획된 웹아트전시를 환영하고 어려움을 초월하여 지원을 아끼지 않으셨던 토탈미술관 노준의관장님께 감사드린다.
And I should little bit explain about this work. The work I titled "Think the same " It featured one girl , Gaku, she's an artist . so
she's also one collaborato r for this work. Which means I tried some format about these things, Also we add some sounds and texts for our own decorative
elements from some candy factory projects We just tried dubbing our new illusions because people
believe or
문학적 웹아트의 선호자에게 "바다에 내리는 비"는 아마 장영혜중공업의 작품에서 새로운 발전이라고 본다. 기술적인 면은, 플레쉬작업 텍스트와 재즈음향, 그녀의 전작들과 유사하다할 수 있다. 텍스트는 발전하였다고 볼 수 있다. 물론 날카롭고 유머스러운 정신은 항상 존재한다.-만약 그 점을 잡아챌 수만 있다면. 그러나 장영혜중공업은 적어도 자기 자신을 위해서라도 새로운 이야기를 나열하겠다고 결정했고 이야기는-들을 준비됐나요?- 불쌍한 인간이 심장마비로 자신의 목욕탕 바닥에서 숨진다. 바로 그것이 이야기의 발단이다. 더 끔찍한 것은 신은 그를 나무막대기로 다시 육신화시킨다. 이야기는 그러므로 나무막대기가 꺽이어 사라질 위기에 처하도록 함부로 취급당하여 결국에는... 그러니까 종말은, 만약 윤회설에 종말이 있다면, 밝히지 않겠지만 그렇게 사용되어가는 사람들의 손에 들린 막대기의 불운을 서술한다. 그리고 장영혜중공업은 합리적이고, 맘보의 음률을 타고 생존하며 결론에 이르기까지 -혹은 시작까지- 박차를 가한다. 매체와 내용에서 미친듯이 발산하는 무엇이 존재한다. 장영헤중공업은 뉴 미디아에서 좀더
통상적으로 기대하는 주제를 거부하는 뉴 미디어 작품을 창출하고, 결코 서두르지 않아야 더 감동을 줄 수 있는 이야기를 공중에서
낚아채는 것을 필요로하는 지극히 빠른 독서가 아니라 오히려 인내심있는 독자를 도발하기에 적절한 동화적 분위기를 선택한다. 그러나
이번 경우에 이야기의 전개를 따르기 위해 필요한 재빠른 독서는 독자에게 집중하게끔 혹은 예술가가 관람극의 무대에서 뛰고 재주를
부려야하지만 그건 이를 이행하는동안 거기에 대해 숙고할 수 있는 시간이 있다면 실패가 확실한 어떤 흥분의 상태로(적어도 나는
경험했다) 빠지게끔 강요하는 정책이다. 장영혜의 작품은 매우 빠르게 지나가고 그것을 읽는다는 것은 숙고가 끼어들 시간이 없는
음률적인 참여가 된다.
벤 벤자민은 외적으로 비논리적인 그의 웹 페이지 내용과 웹 페이지 사이의 링크들의 구조
뒤에 감춰진 열쇠를 마침내 우리에게 제공했다. 그건 매콤한 고추소스를 흠뻑 친 음식을 먹고난 후 오수를 즐기고 있는 두더지의
꿈의 장면이다. "햄스터의 꿈"은 물론 고전 어느시기 중국의 시인(이름은 잊었지만)이 묻던 근본적인 질문에
직접적인 응답이기도 하다. 연못에서 둥둥 떠가는 돛배에 홀로 앉은 시인은 물위에 떠있는 연꽃을 바라보며 자문한다. "연꽃들도
꿈을 꿀까? 그렇다면 어떤 꿈을?"
스스로 모든것을 설명한다.
작품 "재갈"은 뜻밖이었다. 뭐라 말해야 할지 모르겠다. 알랙시 슐건이 나의 이 |