《The Show Must Go On_Busan》

여행하는 예술가의 포트폴리오, 어디서든 펼쳐볼 수 있는 전시

2012년 첫발을 뗀 ‘The Show Must Go On(TSMGO)’은 하나의 질문에서 출발했다. 국제 비엔날레와 대규모 전시가 늘어나는 가운데, 우리의 만남은 그만큼 더 긴밀해졌는가. 작품이 국경을 넘나드는 빈도는 증가했지만, 정작 만남의 밀도는 옅어졌다. 작가와 기획자, 작가와 관객이 깊이 있게 교류할 기회는 상대적으로 드물었다. TSMGO는 이러한 아쉬움 속에서 작지만 유연한 대안을 모색하며 시작한 프로젝트다.

프로젝트는 참여 작가에게 ‘포트폴리오 여행 가방’을 의뢰하며 첫 단추를 끼운다. 소형 작품과 드로잉, 작가 노트, 아카이브 자료가 담긴 가방은 작가의 세계를 응축한 작은 전시가 된다. 인쇄된 도록보다 입체적이고, 큰 부피의 작품보다 가벼운 가방은 국경을 넘나들며 새로운 만남을 이끌어냈다. 해외의 기획자들은 각자의 공간에서 가방을 열어보고, 감상과 기록을 다시 한국으로 보내왔다. 이동이 제한되었던 팬데믹 시기에도 가방의 여행은 멈추지 않았다. 때로는 화이트 큐브 전시장이 아닌 사무실, 카페 테이블, 창고 한편에서 전시가 펼쳐졌다. 이처럼 “쇼는 계속되어야 한다(The Show Must Go On)”라는 프로젝트의 제목은 단순한 구호를 넘어, 유연한 이동성과 지속성을 토대로 대화와 담론을 생산하는 새로운 전시 형태로 자리 잡았다.

지난 10여 년 동안 TSMGO는 런던, 싱가포르, 코타키나발루, 베네치아, 파리, 로스앤젤레스, 바르샤바 등 국제 도시를 비롯해 양양, 거제 등 국내 여러 지역을 순회했다. 국제 교류 프로젝트로 출발했으나, 이제는 국내 곳곳으로 반경을 넓혀가는 중이다. 현대미술에 대한 심리적 문턱을 낮추고, 전문 전시 공간과 거리가 있는 지역에서는 일상의 장소로 찾아가며 ‘어디서든 펼쳐볼 수 있는 전시’로서의 여정을 이어가고 있다.

서로 다른 시기에 제작되어 각자의 궤적에 따라 여행을 다녀온 가방들의 표면에는 이동의 흔적이 남아 있다. 이번 전시는 그 긴 여정을 짚어보는 중간 기록이다. 국내외 프로젝트를 담은 아카이브 영상과 참여 작가의 100초 인터뷰를 통해 가방들이 축적해 온 만남과 교류의 시간을 돌아본다. 이를 바탕으로 가방과 함께 여행해 온 작가의 세계가 현장에서 어떤 반응을 이끌었을지 상상해 보길 바란다. 또한 가방 안의 작품을 직접 재배치해 보며 감상 이상의 긴밀한 시간을 보내고 이번 여행지에서도 새로운 맥락의 서사를 더해주길 기대한다.

해운대 해변을 마주한 오케이앤피 부산은 창밖으로 바다 풍경과 여행자들의 활기찬 움직임이 겹쳐지며, 동시에 국제 예술 교류가 활발히 이루어지는 교차로 같은 공간이다. 이곳에서 TSMGO의 여행 가방이 품은 다채로운 기록을 살펴보고 아직 만나지 못한 현대미술과의 새로운 접점을 떠올려 본다면, 그 순간이 곧 TSMGO이 이어갈 다음 여정의 기점이 될 것이다.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)
2025 Geoje, S.Korea(exhibition version)
2026 Busan, S.Korea(exhibition version)

The Show Must Go On (TSMGO): A Traveling Artist’s Portfolio, An Exhibition That Unfolds Anywhere

The Show Must Go On (TSMGO) began in 2012 with a simple question: as international biennials and large-scale exhibitions continue to multiply, have our encounters become any more meaningful? While artworks travel across borders more frequently than ever, the depth of those encounters has often diminished. Opportunities for sustained dialogue between artists and curators, and between artists and audiences, have become increasingly rare. TSMGO emerged from this concern, seeking a modest yet flexible alternative.

The project begins by inviting participating artists to create a Portfolio Travel Case. Containing small-scale works, drawings, artist notes, and archival materials, each case functions as a compact exhibition that distills the artist’s practice. More tangible than a printed catalogue and considerably more portable than transporting large artworks, these travel cases have crossed borders to generate new encounters. Curators around the world opened the cases within their own spaces, responding with reflections and documentation that were then returned to Korea. Even during the COVID-19 pandemic, when physical mobility was severely restricted, the journey of the cases continued. Exhibitions unfolded not only in white-cube galleries but also in offices, on café tables, and in storage rooms. In this way, the title The Show Must Go On has evolved beyond a simple slogan, becoming a model for a new exhibition format that emphasizes mobility, continuity, dialogue, and the production of critical discourse.

Over the past decade, TSMGO has traveled through international cities including London, Singapore, Kota Kinabalu, Venice, Paris, Los Angeles, and Warsaw, while also expanding to regional destinations across Korea such as Yangyang and Geoje. What began as an international exchange project has gradually extended its reach throughout the country. By lowering the psychological barriers often associated with contemporary art and bringing exhibitions into everyday spaces beyond conventional art venues, TSMGO continues its journey as an exhibition that can unfold anywhere.

Each travel case bears visible traces of its journey. Created at different moments and traveling along distinct trajectories, the surfaces of the cases record years of movement and exchange. This exhibition serves as an interim archive of that ongoing journey. Through archival videos documenting projects in Korea and abroad, together with 100-second interviews featuring participating artists, visitors are invited to revisit the encounters and conversations accumulated over time. We hope these materials inspire visitors to imagine how each artist’s practice has been received in different contexts throughout its travels. Visitors are also encouraged to rearrange the works contained within the travel cases themselves, transforming the experience from passive viewing into active engagement and contributing yet another layer of narrative to the project’s continuing journey.

Facing Haeundae Beach, OKNP Busan overlooks the sea while sharing the vibrant energy of travelers passing by. As a crossroads for international artistic exchange, it provides an ideal setting for TSMGO. We invite visitors to explore the diverse histories contained within these traveling cases and to discover new points of connection with contemporary art. In doing so, this moment may become the very starting point for TSMGO’s next journey.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)
2025 Geoje, S.Korea(exhibition version)
2026 Busan, S.Korea(exhibition version)

Exhibition Information

Dates 30 June – 2 August 2026 *Closed on Mondays
Venue OKNP Busan (4F, Grand Josun Busan, 292 Haeundaehaebyeon-ro, Haeundae-gu, Busan, South Korea)
Participating Artists
Osang GWON, KDK, Suntak NOH, Ye-eun MIN, Yeonmi, Junghwa YANG, Soonjong LEE, Yeeun LEE, JangPa, Youngjoo CHO, Gun CHOI, Pixel KIM, Pil Seung, Hyunsook HONG LEE, Black Jaguar
Curated by Total Museum of Contemporary Art
Organized by OKNP Gallery Busan
Supported by
Ministry of Culture, Sports and Tourism
Korea Arts Management Service (KAMS) / Regional Exhibition Support Program

Credits

General Director Nathalie Boseul SHIN
Curators Minseon KIM, Hyunmin YUN
Coordinators Bansuk KIM, Seoyeon KIM, Chaeryung LEE
Exhibition Management OKNP Gallery Busan
Key Visual Design Jinyeol JEONG
Poster Design Damin RYU
Workshop Coordinators Boseong LEE, Seohee PARK
Photography & Video Rolling Studio
Media Equipment Kwangki LEE

우종택 개인전 《무시광겁(無始曠劫)의 묘유(妙有)》

우종택의 작업은 보이는 형상을 그리는 데서 출발하지 않는다. 그의 회화와 설치는 눈앞의 대상을 재현하기보다, 형상 너머를 흐르는 보이지 않는 기운을 감각하는 일에 가깝다. 그가 말하는 ‘기 추상’은 형상을 지워낸 추상이 아니라 형상이 태어나기 이전과 사라진 이후에도 남아 있는 생명의 결을 화면 위에 머물게 하는 수행의 방식이다. 그의 화면은 하나의 이미지가 완성되는 장소가 아니라, 몸과 자연, 물질과 정신이 서로를 통과하며 시간의 흔적을 남기는 장이 된다.

《무시광겁의 묘유》는 이러한 작업 세계를 회화의 평면에서 공간으로 확장한다. ‘무시광겁’은 시작과 끝을 가늠할 수 없는 우주적 시간을, ‘묘유’는 비어 있으면서도 분명히 존재하는 생명의 현존을 뜻한다. 전시는 눈앞의 형상을 바라보게 하기보다 그 사이를 흐르는 시간과 기운 그리고 존재의 깊이를 체험하도록 이끈다.

이번 전시의 중심에는 거대한 자연석이 놓여 있다. 돌은 지층의 침묵과 대지의 기억, 헤아릴 수 없는 시간을 품은 존재로서 공간의 중심을 이룬다. 관람자는 그 둘레를 천천히 걸으며 거리와 무게, 표면의 결 그리고 말없는 침묵을 몸으로 감각한다. 작품은 더 이상 시선 앞에 놓인 대상이 아니라, 걸음과 호흡 속에서 서서히 열리는 경험의 장소가 된다.

이러한 공간은 작가가 말하는 ‘심원의 사유’를 현실의 감각으로 전환한다. 동양회화의 심원법이 화면 안에서 깊이를 만들어냈다면, 여기서의 심원은 관람자의 몸이 공간을 이동하며 스스로 만들어가는 깊이이다. 깊이는 원근의 환영이 아니라, 시간이 몸을 통과하며 축적되는 감각이며, 사유가 머무는 거리이다.

우종택에게 자연은 재현하거나 정복해야 할 대상이 아니다. 자연은 인간과 분리된 외부가 아니라 몸과 정신, 물질과 기운이 서로 스며드는 하나의 장이다. 화면의 획과 여백, 먹을 머금은 나무, 오래된 자연석, 공간을 채우는 침묵은 모두 기운이 머물고 지나가는 통로가 된다. 그의 작업에서 물질은 침묵하지만, 그 침묵은 비어 있지 않다. 그것은 오랜 시간이 응축된 자리이며, 보이지 않는 존재가 잠시 모습을 드러내는 현현의 순간이다.

《무시광겁의 묘유》는 회화와 설치, 자연과 공간 그리고 관람자의 몸이 하나의 사유를 완성하는 전시이다. 돌의 둘레를 걷는 시간은 곧 시간의 깊이를 통과하는 경험이 되고, 물질과 침묵을 마주하는 일은 존재를 감싸고 있는 보이지 않는 기운을 감각하는 일이 된다. 정지해 있으나 끊임없이 흐르는 시간, 비어 있으나 충만한 존재의 세계는 전시 공간에서 다시 현재의 감각으로 살아난다.

전시명 | 무시광겁(無始曠劫)의 묘유(妙有)
참여작가 | 우종택
날짜 | 2026. 6. 26(금) – 2026. 8. 2(일) (* 관람시간 10:00 – 17:30 / 월요일 및 공휴일 휴관, 브레이크 타임 12:00 – 13:00)
장소 | 갤러리끼 (경기도 파주시 회동길 521-2)

기획 | 토탈미술관
주최/주관 | 갤러리끼
후원 | 문화체육관광부, 예술경영지원센터

Woo Jong-taek’s work does not begin with the representation of visible forms. Rather than depicting what lies before the eye, his paintings and installations seek to attune themselves to the invisible currents that flow beyond appearance. What he calls Qi Abstraction is not an abstraction achieved by eliminating form, but a contemplative practice that reveals the vital energies that exist before form emerges and after it dissolves. His pictorial field is not a surface upon which an image is completed, but a site where body and nature, matter and spirit, intersect, leaving traces of time in their passage.

Wondrous Existence Through Beginningless Eternity extends this artistic vision from the plane of painting into the realm of space. The Buddhist term Beginningless Eternity (無始曠劫) evokes an immeasurable expanse of cosmic time without origin or end, while Wondrous Presence (妙有) refers to a mode of existence that is empty yet unmistakably present. Rather than directing our attention toward visible objects, the exhibition invites us to encounter the invisible flow of time, vital energy, and the profound depth of being that lies between them.

At the heart of the exhibition stands a monumental natural stone. Bearing within it the silence of geological strata, the memory of the earth, and the weight of immeasurable time, the stone becomes the gravitational center of the space. As visitors slowly walk around it, they experience its distance, mass, surface, and silence through the movement of their own bodies. The work is no longer an object to be viewed from a distance, but a place of contemplation that gradually unfolds through walking, breathing, and dwelling.

This spatial experience gives physical form to what the artist describes as “deep perspective.” If the traditional East Asian concept of Shenyuan (深遠) created depth within the pictorial space, here that depth is generated through the viewer’s movement in real space. Depth is no longer an illusion of perspective but an accumulation of time experienced through the body—a distance in which contemplation takes root.

For Woo Jong-taek, nature is neither an object to be represented nor something to be mastered. It is not an external world separated from humanity, but a field in which body and spirit, matter and vital energy continually permeate one another. The brushstroke and the empty space, wood saturated with ink, ancient stones, the surrounding architecture, and silence itself all become channels through which energy gathers and passes. Matter may appear silent, yet its silence is never empty. It is a place where immense stretches of time have settled, and where the invisible briefly reveals its presence.

Wondrous Existence Through Beginningless Eternity is an exhibition in which painting, installation, nature, space, and the visitor’s own body converge to complete a single act of contemplation. Walking around the stone becomes an experience of moving through layers of time, while encountering matter and silence becomes a way of sensing the invisible vitality that permeates existence. Here, time appears still yet endlessly unfolds; presence remains empty yet profoundly full. Within this space, the subtle reality of Myo-yu comes alive once again as a living experience of the present.

Exhibition Title | Wondrous Existence Through Beginningless Eternity
Artist | Woo Jong-taek
Exhibition Period | Jun 26, 2026 – Aug 2, 2026 (Opening Hours. 10:00 – 17:30 / Closed on Monday, holiday / 12:00 – 13:00 Break time)
Venue | Gallery KKI (521-2, Hoedong-gil, Paju-si, Gyeonggi-do)

Curated by | Total Museum of Contemporary Art
Host/Organizer | Gallery KKI
Sponsor | Ministry of Culture, Sports and Tourism / Arts Management Support Center

노순천 개인전 《먼 곳의 크기》

멀어질수록 작아지지 않는 것들이 있다.
가까이에 있는 것 또한 언제든 배경으로 물러나 하나의 풍경이 되고, 창밖의 바다와 산은 실내의 벽과 계단, 유리의 표면 위로 조용히 번져온다. 먼 곳의 크기란 물리적 거리의 문제가 아니라, 사물이 우리에게서 얼마나 물러나 있는지, 또 얼마나 깊이 스며드는지에 따라 달라지는 감각의 반응이다.

노순천의 조각은 바로 그 물러남과 스며듦의 자리에 놓인다.
선처럼 가늘고, 윤곽처럼 얇고, 종이를 오린 그림자처럼 서 있는 형상들은 아그네스 파크의 건축 사이를 조용히 건넌다. 그것들은 독립된 조각으로 서 있기도 하고, 벽에 기대고, 모퉁이를 감싸고, 선반과 보이드(Void) 곁에 머물며 주변의 빛과 공기, 그리고 바다의 거리와 함께 어디서든 하나의 장면을 이룬다.

그의 조각은 공간 속에서 불현듯 작아졌다가 다시 커지고, 가까이에 있으면서도 아득히 먼 곳의 존재처럼 물러난다. 어떤 형상은 깊숙한 건물의 벽체와 포개지고, 어떤 형상은 창밖의 산과 바다, 수평선의 한 줄과 겹쳐지며 그 경계를 흐린다.

《먼 곳의 크기》는 단지 먼 풍경의 크기를 말하는 것이 아니다.
한자리에 모인 여러 형상은 작은 조각이라기보다 멀리 보이는 존재들의 군집처럼 다가오고, 창가에 놓인 작품은 실내의 벽과 바깥의 풍경을 한순간에 같은 장면 안으로 끌어들인다. 조각은 그 자리에 서 있으면서도 끊임없이 멀어지고, 풍경은 배경에 머물지 않고 형상 안으로 스며든다. 그 사이에서 조용히 흔들리는 거리의 감각, 보이는 것과 느껴지는 것의 크기가 서로 어긋나는 순간을 오래 바라보게 한다.

There are things that do not diminish in scale simply because they are far away.

Likewise, what is close at hand can quietly recede into the background to become part of the landscape, while the sea and mountains beyond the window gently extend across the interior—settling onto walls, staircases, and glass surfaces. The perceived scale of distant things is not determined by physical distance alone, but by the extent to which they withdraw from us or permeate our awareness.

No Sooncheon’s sculptures occupy precisely this threshold between withdrawal and presence.

Delicate as lines, thin as contours, and standing like silhouettes cut from paper, the figures move quietly through the architecture of Agnes Park. At times they stand independently as sculptures; at others they lean against walls, embrace corners, or rest beside shelves and voids. In every setting, they form subtle relationships with the surrounding light, air, and the distant sea, becoming integral to the space they inhabit.

Within the exhibition, the sculptures seem to contract and expand with each shift in perspective. Though physically near, they often recede as if belonging to a place far beyond immediate reach. Some merge visually with the building’s interior walls, while others align with the mountains, the sea, and the horizon beyond the windows, dissolving the boundaries between sculpture, architecture, and landscape.

The Measure of a Distant Place is not simply about the size of a distant landscape.

Gathered together, the figures appear less as individual sculptures than as a constellation of presences seen from afar. Works placed by the windows draw the interior and the landscape outside into a single visual field. The sculptures remain where they are, yet continually seem to drift farther away, while the landscape no longer serves merely as a backdrop but gradually enters into the forms themselves. Between the two emerges a quiet shift in perception—one in which what is seen and what is felt no longer correspond in scale.

픽셀 김 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》

2026년 6월, 푸른 여름 하늘을 향해 솟아 있는 두 지붕 아래에서 픽셀 김의 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》이 펼쳐집니다.

작은 점의 행과 열로 이루어진 화면의 단위, ‘픽셀’.
셀 김에게 픽셀은 단순한 단위를 넘어 일상적인 언어 소통의 한계를 뛰어넘기 위한 그만의 특별한 조형 언어입니다. 작가는 기존의 규격화된 틀에서 벗어나 자신만의 시선과 감각으로 픽셀을 새롭게 창조하고, 일상의 경험과 감정을 소화하여 시각적으로 재구성합니다.

강원도 홍천에서 열리는 이번 전시는 2015년 첫 개인전 이후 10여 년간 작가의 예술 세계가 어떻게 성장하고 확장됐는지 다각도에서 살펴볼 수 있는 자리입니다. 작가의 활발한 실험이 이루어지는 작업실에서 출발해 초기작부터 최근작까지 폭넓게 아우릅니다. 시기마다 다르게 나타나는 픽셀의 형태와 선율이 느껴지는 드로잉, 과감한 색채의 변주를 통해 작가가 느껴 온 순수한 시각적 즐거움을 관객과 함께 나눌 수 있기를 기대합니다.

작가가 자신의 작업실을 떠올리며 직접 지은 전시 제목 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》에는 수많은 꿈과 기억을 기록하며, 자신만의 규칙과 리듬을 따라 살아가는 삶과 작업 방식이 오롯이 담겨 있습니다.

문화공간 손탁과 홍천미술관에서 동시에 진행되는 본 전시에서 픽셀 김이 만들어 온 특별한 시공간으로 여러분을 초대합니다.

전시명 | 꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간
참여작가 | 픽셀 김

In June 2026, Pixel Kim’s solo exhibition, “The Space of Dreams, and the Spacetime of Alarms”, will take place beneath two roofs soaring toward the blue summer sky.

A “pixel” is a unit on a screen composed of rows and columns of tiny dots.
For Pixel Kim, the pixel transcends a mere unit; it is his unique visual language designed to break through the limitations of everyday verbal communication. Breaking free from conventional, standardized frameworks, the artist reimagines the pixel through his own perspective and sensibilities, digesting everyday experiences and emotions to visually reconstruct them.

Held in Hongcheon, Gangwon Province, this exhibition offers a multifaceted look at how the artist’s artistic world has grown and expanded over the past decade since his first solo exhibition in 2015. Beginning in the artist’s studio—a hub of active experimentation—the exhibition broadly encompasses works ranging from his early pieces to his most recent creations. We hope to share with the audience the pure visual joy the artist has experienced through drawings that evoke the ever-changing forms and rhythms of pixels across different periods, as well as through bold variations in color.

The exhibition title, “The Space of Dreams, and the Spacetime of Alarms”, which the artist coined while reflecting on her studio, fully encapsulates her way of life and artistic practice—one that records countless dreams and memories while following her own rules and rhythms.

Held simultaneously at Sontag Cultural Space and the Hongcheon Art Museum, this exhibition invites you into the unique spacetime created by Pixel Kim.

Exhibition Title | Space of Dreams and the Spacetime of Alarms
Artist | Pixel Kim

Dates | Tuesday, June 30, 2026 – Monday, August 17, 2026
(* Viewing hours: 10:00 AM – 5:30 PM / Closed every Monday; open on public holidays)
Venue | Sontag Cultural Space (2nd Floor, Gahong, 1065 Hongcheon-ro, Hwacheon-myeon, Hongcheon-gun, Gangwon)
Hongcheon Art Museum (1st Floor, Main Building, 55 Hope-ro, Hongcheon-eup, Hongcheon-gun, Gangwon Special Self-Governing Province)

Curated by | Total Museum of Contemporary Art
Host/Organizer | Sontag Cultural Space
Sponsor | Ministry of Culture, Sports and Tourism; Arts Management Support Center; Hongcheon-gun

김태협 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》

낙원은 어떤 곳일까?
모든 감정으로부터 해탈해 요동치지 않는 고요함과 충만함에 머무는 곳일까, 아니면 기쁨과 환희, 슬픔과 질투, 우울과 감격, 분노와 사랑이 한꺼번에 휘몰아치며 감정의 소용돌이를 에너지 삼아 움직이는 곳일까.

김태협의 작업은 우리가 일상에서 마주하는 감정의 복잡성에 대한 관찰에서 출발한다. 그의 작품에는 서로 다른 감정이 존재하고, 충돌했던 흔적들이 상징적인 이미지로 등장하며 하나의 장면 안에서 시간의 흐름을 어긴 채 공존한다. 강렬한 색채와 만화적인 윤곽선, 반복되는 패턴으로 구성된 화면은 감정의 뒤엉킴을 하나의 질서 속에 배치하며, 복잡성을 만들어내면서 동시에 그것을 정제하고 단순화하는 구조적 아이러니를 드러낸다.

김태협의 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》는 2014년 작품부터 2025년 최근작까지를 아우른다. 작가가 다층적으로 그려온 감정의 장면들을 하나의 세계로 엮어내며, 김태협의 ‘월드(world)’가 어떤 방식으로 생성되고 실행(exe)되어 왔는지를 따라가 본다.

What kind of place is Eden?
Is it a realm of stillness and plenitude, liberated from all emotion and untouched by disturbance? Or is it a place where joy and ecstasy, sorrow and jealousy, melancholy and elation, anger and love surge all at once—propelled by a vortex of emotions as its driving force?

The work of Kim Taehyup begins with an observation of the complexity of emotions encountered in everyday life. Within his compositions, disparate emotions coexist, and the traces of their collisions emerge as symbolic imagery, inhabiting a single scene while defying the linear flow of time. Constructed through vivid colors, cartoon-like outlines, and repetitive patterns, his pictorial surfaces arrange emotional entanglement into a form of order. In doing so, they reveal a structural irony: while generating complexity, they simultaneously refine and simplify it.

Kim Taehyup’s solo exhibition World.exe: Eden and Its Shadow spans works from 2014 to 2025. Bringing together the multilayered emotional scenes the artist has developed over time, the exhibition weaves them into a singular world, tracing how Kim’s “world” has been generated and executed over time.

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》
AI ART × Ayako Rokkaku

어떤 전시는 끝난 뒤에도 사라지지 않고, 다른 장소에서 다른 방식으로 다시 호흡한다.
《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》은 그러한 호흡이 서울 토탈미술관에서 베를린으로 이어지며, 아야코 록카쿠의 감각이 새로운 이미지와 리듬으로 확장되는 자리다.
록카쿠의 회화는 손에서 출발한다.
붓보다 먼저 닿는 손가락, 계획보다 앞서는 몸의 충동, 형상보다 먼저 번져가는 색의 흐름은 그의 작업을 단순한 그림이 아니라 감각의 움직임으로 만든다.
토탈미술관에서 펼쳐졌던 그 감각은 창과 스크린, 회화와 조각, 현실의 풍경과 미래를 향한 영상 사이를 오가며 확장되었고, 이제 디지털 공간 안에서 또 다른 방식으로 이어진다.

손에서 번져 나온 감각
이번 전시에는 초대작가 외에 오픈콜과 해커톤을 통해 모인 작가들이 함께했다. 이들은 록카쿠의 작업을 그대로 반복하거나 재현하지 않았다. 대신 색의 결, 손의 속도, 공간의 인상, 그리고 전시가 남긴 정서의 파편들을 각자의 언어로 다시 읽어 새로운 디지털 작업으로 풀어냈다. 그렇게 한 사람의 손에서 출발한 감각은 여러 창작자의 해석을 거치며 보다 넓은 이미지의 군집으로 확장되었다.
이 과정에서 AI는 차가운 손(기술)이라기보다 감각을 번역하는 매개에 가까웠다. 인간의 손에서 시작된 회화적 충동은 알고리즘을 통과하며 낯선 빛과 새로운 리듬을 얻게 되었고, 원본은 복제되는 대신 증식했다. 하나의 전시는 끝나는 것이 아니라 파생되고, 흔들리며, 다시 생성되었다.

혼돈이 머무는 방식
이러한 구조는 전시를 완결된 결과물이 아니라 끊임없이 열려 있는 과정으로 바라보게 했다. 지난 《uni form: Broken Twill in Berlin》이 그러했듯, 이번 전시 역시 전시 이후의 전시, 이미지 이후의 이미지를 향해 나아간다.
특히 여기서 혼돈은 지워야 할 대상이 아니라, 오히려 함께 호흡해야 할 조건에 가까우며, 록카쿠의 손에서 시작된 색과 감각은 베를린의 디지털 화면 속에서 다시 흩어지고 연결되며 또 다른 생명력을 만들어낸다.

끝나지 않는 호흡
이곳에서 관객이 마주하게 되는 것은 단지 원작의 그림자가 아니다. 그것은 하나의 전시가 끝난 뒤에도 계속 살아 움직이며, 다른 형식과 감각으로 스스로를 확장해 나가는 방식 그 자체로 여기기를 바란다.

참여 작가
초대작가 | 김진영, 박승준
해커톤 | 강시라, 김명규, 김무진, 김수영, 김정훈, 김효재, 민예은, 박지원, 오유리, 임도원, 최건
오픈콜 | 김다하, 나은혜, 배준형, 변유열, 유어예, 육대근, 허사문

공동 기획 | 토탈미술관 / AT&D School
협력 | Aliceon / AAD / Ai Culture Lab / OKNP / Gallery Target
장소 | P61 Gallery(Potsdamer Str. 61 10785 Berlin-Schöneberg)

Some exhibitions do not disappear when they end; they breathe again elsewhere, in another form.
Breathing with the Chaos: Berlin Edition is a space where that breath continues from the Total Museum of Contemporary Art in Seoul to Berlin, expanding Ayako Rokkaku’s sensibility into new images and rhythms.
Rokkaku’s painting begins with the hand.
Fingers touch before the brush, bodily impulse comes before intention, and color spreads before form. Her work becomes not simply an image, but a movement of sensation.
At the Total Museum, that sensibility unfolded between windows and screens, paintings and sculptures, the landscape of the present and images reaching toward the future. Here, it continues once again within digital space.

Sensation Spreading from the Hand
Alongside the invited artists, this exhibition brings together participants from the open call and hackathon. They do not simply repeat or reproduce Rokkaku’s work. Instead, they reinterpret the textures of color, the movement of the hand, the impression of space, and the emotional traces left behind by the exhibition, transforming them into new digital works.
In this process, AI functions less as a cold technology than as a medium for translating sensation. What begins in the human hand passes through algorithms and takes on unfamiliar light and new rhythms. The original does not remain fixed; it multiplies, shifts, and emerges again.

The Way Chaos Lingers
This structure invites us to see the exhibition not as a finished result, but as an open and ongoing process. As with uni form: Broken Twill in Berlin, this exhibition also moves toward an exhibition after the exhibition, toward images after images.
Here, chaos is not something to be erased. It is a condition to breathe with. The colors and sensations that begin in Rokkaku’s hand scatter and reconnect across digital screens in Berlin, generating another kind of vitality.

Breathing Without End
What the viewer encounters here is not simply the shadow of an original work. It is the way an exhibition continues to live beyond its ending, extending itself through other forms and other sensibilities.

Aritsts
Invited Artists
Kim Jinyoung
Park Seungjun
Hackathon Session
Im Doone
Kim Hyojae
Park Jiwon
Kim Junghun
Kim Moojin
Kim Myeongkyu
Kang Sira
Kim Sooyoung
Oh Yuri
Min Ye-eun
Choe Gun
Open Call Session
Kim Daha
Deck
Na Eunhye
Bae Joonhyung
Heo Samoon
Yu.A.Ye
Byeon Yuyeol

Curatorial Team
Total Museum of Contemporary Art:
Chief Curator | Shin Nathalie Boseul
Curator | Kim Minseon, Yun Hyunmin
Coordinator | Kim Bansuk, Kim Seoyeon, Lee Chaeryeong

Hackathon Session
Curator | Heo Daechan
Workshop Mentor | Choi Seungjun

Co-organized by
Total Museum of Contemporary Art
AT&D School

In collaboration with
Aliceon
AAD
Ai Culture Lab
OKNP
Gallery Target

Venue
P61 Gallery
Potsdamer Str. 61
10785 Berlin-Schöneberg

The Show Must Go On: Geoje

‘여행하는 예술가의 포트폴리오‘를 콘셉트로 시공간의 제약을 넘어 지속되어 온 TSMGO(The Show Must Go On) 프로젝트가 경상남도 거제시의 복합문화공간 아그네스 파크에서 새로운 전시를 선보인다. 2011년부터 이어져 온 TSMGO는 토탈미술관이 기획한 이동형 전시 프로젝트로, “쇼는 계속되어야 한다”라는 슬로건 아래 팬데믹과 같은 사회적 제약과 시공간의 한계를 넘어 예술적 실천을 지속해 왔다.

TSMGO 프로젝트는 작가에게 ‘포트폴리오 여행 가방‘을 의뢰하는 것에서 출발한다. 이 여행 가방은 작가의 세계관을 응축한 작은 전시장으로, 도록이나 포트폴리오보다 입체적이고 대형 작품보다 유연하다. 이는 마르셀 뒤샹의 <La Boîte-en-valise 여행용 가방>에서 착안한 것으로, TSMGO는 이를 오늘날의 맥락 속에서 재해석하고 확장한다. 여행 가방을 매개로 한 전시는 보편적으로 전시장이 갖추어야 할 물리적 조건에서 비교적 자유로우며, 어디서든 열릴 수 있는 새로운 전시 형식을 제안한다. 참여 작가는 작품, 전시, 포트폴리오, 작가 노트 등을 집약하거나, 작품 세계관의 주요 장면을 발췌해 가방을 제작한다. 이렇게 완성된 가방은 이동하며 관객과 만나는 새로운 전시 형식이 되며, 화이트 큐브에 한정되지 않고 협소한 공간, 도서산간 지역, 제한된 예산 속에서도 전시가 가능하도록 설계되었다.

TSMGO 프로젝트는 올해 6월 캐나다 오타와에서 돌아와, 10월의 가을 동안 강원도 양양군의 힐러스에서 머무르다, 이어지는 겨울부터 따뜻한 남쪽 도시인 경상남도 거제시에서 한 해의 마지막을 보낸다. 전시가 열리는 거제도의 아그네스 파크는 생활 바다이자, 여행객이 찾는 견내량 바닷가에 자리한 복합문화공간으로, 전시장, 다목적실, 공연장, 생태 정원 등 다양한 실내외 공간을 갖추고 있는 곳이다. 또한 아그네스 파크는 옛 수산물 가공 공장을 리노베이션한 공간으로 독특한 구조를 가지고 있다. 거제도의 경관과 다채로운 공간, 그리고 현대미술이 유기적인 관계를 맺으며 펼쳐지는 전시를 통해 관객이 삶 가까이에서 예술을 경험하는 계기를 마련하고자 한다.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)
2025 Geoje, S.Korea(exhibition version)

날짜 | 2025. 12. 12(금) – 2026. 1. 11(일)
장소 | 아그네스 파크(경상남도 거제시 둔덕면 거제남서로5187)
참여작가 | 권오상, 김도균, 노순택, 민예은, 양정화, 윤석남, 이순종, 이예은, 장파, 조영주, 홍이현숙, 흑표범
주최/주관 | 아그네스 파크
기획 | 토탈미술관
총괄기획 | 신보슬
디자인 | 정진열
후원 | (주)예술경영지원센터/문화체육관광부/지역전시활성화사업

Under the concept of a “Traveling Artist’s Portfolio,” the TSMGO (The Show Must Go On) project—an ongoing initiative that transcends spatial and temporal constraints—presents its latest exhibition at Agnes Park, a multi-purpose cultural complex located in Geoje, Gyeongsangnam-do. Launched in 2011, TSMGO is a mobile exhibition project organized by Total Museum of Contemporary Art. Under the slogan “the show must go on,” it has sustained artistic practice despite social limitations and disruptions, including the pandemic, continuously exploring possibilities beyond conventional boundaries of time and space.

The TSMGO project begins by commissioning artists to create a “portfolio suitcase.” Functioning as a compact exhibition space that condenses the artist’s worldview, the suitcase is more three-dimensional than a printed catalogue and more flexible than large-scale works. Inspired by Marcel Duchamp’s La Boîte-en-valise, TSMGO reinterprets and expands this concept within a contemporary context. Exhibitions centered around the suitcase operate with fewer physical constraints than traditional venues and propose a format that can unfold virtually anywhere. Participating artists assemble artworks, exhibitions, portfolios, notes, or selected scenes from their practice into the suitcase. Once completed, the suitcase becomes a mobile exhibition that travels and encounters audiences, designed to be presented not only in conventional white cubes but also in compact spaces, remote regions, or settings with limited resources.

After returning from Ottawa, Canada in June of this year, the TSMGO project spent the autumn months at Hillus in Yangyang, Gangwon Province, and now concludes the year in the warm southern city of Geoje in Gyeongsangnam-do. Agnes Park, the exhibition venue on Geoje Island, is a cultural complex situated on the Gyeonnaeryang coast, a site both for everyday life and for travelers. The venue encompasses various indoor and outdoor spaces, including exhibition halls, multipurpose rooms, a performance venue, and an ecological garden. It is also characterized by its unique architecture, having been renovated from a former seafood processing plant. Through an exhibition that interweaves the landscape of Geoje, the diversity of the space, and contemporary art, the project aims to offer audiences an opportunity to encounter art in close proximity to everyday life.

The Short History of TSMGO

2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, South Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 Los Angeles, USA|
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, South Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yangyang, South Korea (exhibition version)
2025 Geoje, S.Korea(exhibition version)
Dates 12 December(Fri), 2025 – 11 January(Sun), 2026

Venue Agnes Park (5187 Geoje Namseo-ro, Dundeok-myeon, Geoje-si, Gyeongsangnam-do)

Participating Artists Kwon O-sang, Kim Do-kyun, Noh Suntag, Min Yeeun, Yun Suknam, Yang Junghwa, Lee Soonjong, Lee Yeeun, Jang Pa, Cho Youngjoo, Hong Yi-hyun-sook, Black Panther

Hosted and Organized by Hillers

Curated by Total Museum of Contemporary Art

Chief Curator Nathalie Boseul SHIN

Design Jung Jinyul

Supported by
Arts Management Support Center / Ministry of Culture, Sports and Tourism / Regional Exhibition Revitalization Program

《uni form: Broken Twill in Berlin》

2025년 8월 서울 토탈미술관에서 개최된 《uni form: Broken Twill》은 패션과 현대예술의 경계를 넘나들며 ‘유니폼’이라는 사회적 구조를 재해석한 전시였다. 이 전시는 패션 디자이너이자 현대미술 작가인 최철용(Chul Yong CHOI)의 회화 시리즈를 중심으로 구성되었지만, 기획자, 디자이너, 연구자, 미디어 전문가로 구성된 코어그룹(Core Group)이 함께 참여하며 개인전의 형식을 넘어서는 새로운 전시 기획 모델을 제안했다.

즉, 《uni form》은 작가 개인의 조형언어를 보여주는 자리가 아니라, ‘유니폼’이라는 개념을 사회·문화·기술적 맥락에서 심화 연구하는 협업적 플랫폼으로 작동했다. 기획 단계부터 연구, 철학/미학, 매거진, 디자인, 공간 구성, 데이터 수집까지 각 분야의 전문가들이 참여함으로써 개인전의 형식을 빌린 집단적 리서치 전시라는 새로운 가능성을 제시했다.

또한 주제의 깊이 있는 탐구를 위해 최철용의 회화 외에도 다양한 초청작품이 함께 전시되었다. 이는 한명의 작가를 중심으로 하되, 그 주제를 다각도로 확장하고 해석하는 협업적 담론 구조를 형성했다는 점에서 신선하고 실험적인 전시로 평가받았다.

이러한 특징들은 《uni form》이 단발성 개인전이 아니라, 동시대 담론을 지속적으로 확장해 나가는 플랫폼적 구조를 지니고 있음을 보여준다. ‘유니폼’이라는 주제를 통해 집단과 개인, 규율과 자유, 제도와 감정 사이의 관계를 탐구한 이 전시는, 결과적으로 예술을 통해 ‘사회적 구조를 사유하는 실험적 장(場)’을 제안했다.

이번 베를린 에디션은 이러한 서울 전시의 철학과 구조를 계승하면서, 물리적 전시의 확장을 넘어 디지털 트랜스포메이션(Digital Transformation)을 본격적으로 시도한 버전이다. 토탈미술관에서 진행되었던 전시의 전 과정—기획, 설치, 기록, 대화, 이미지, 텍스트—을 데이터셋(dataset)으로 구축, 공유하고, 이를 바탕으로 AI 창작 실험과 제너러티브 리컴포지션(generative recomposition)을 진행했다.

즉, 《uni form: Broken Twill》의 베를린 에디션은 서울 전시의 내용을 단순히 재현하는 것이 아니라, 그 과정 자체를 데이터 기반 창작의 원천으로 재구성한 실험적 전시이다. 이러한 시도는 전시를 ‘결과’가 아닌 ‘과정의 집적체이자 재생 가능한 구조’로 바라보며, 예술과 기술, 인간과 인공지능이 함께 동시대의 시각적 언어를 다시 짜는 장(場)을 만들어낸다.

무엇보다 ‘유니폼’ 프로젝트는 베를린 전시를 기점으로 다른 도시로의 확장과 다양한 예술가 및 연구자와의 협업을 가능하게 하는 국제적 순환 플랫폼(global curatorial platform)으로 발전하고 있다. 이는 전시가 단일한 결과물로 머무는 것이 아니라, AI, 데이터, 패션, 예술, 사회학적 담론이 교차하는 살아 있는 구조로서 지속적으로 진화해 나간다는 점에서 큰 의의를 지닌다.

일시 | 2025.11.11 (화) – 12.12 (금) *2026.02.28 (토)까지 연장

장소 | P61 전관

초청일 | 2025.11.11 (화) 18:00 – 21:00

작가 | 최철용

코어 그룹 | 고훈철, 신보슬, 안마노, 유도연, 윤현민, 이윤경, 최철용, 하선규

참가자 | 고훈철, 신보슬, 안마노, 유도연, 윤현민, 이윤경, 최철용, 하선규

해커톤 큐레이터 | 허대찬

해커톤 멘토 | 최승준

해커톤 참가자 | 최한울, 박승준, 이은서, 김효재, 김수영, 박지원, 임도원

초청작품 | 총 5점/시리즈
〈We Were Here〉, 안톤 세벳코, 2018–2020
〈Broken Twill Study I–IV〉, 서효정, 2024–2025
〈Office Ladies〉, 에미 쿠사노, 2025
〈The Beauty of Degagement〉, 김진영, 2025
〈Open-flow Drift〉, 김지영 , 2025

주최/주관 | 토탈미술관(한국) / P61 (독일)

후원 |
문화체육관광부
한국국제문화교류진흥원(KOFICE)
<2025 Kore·A·Round Culture>

▶ 보도자료

The exhibition “uni form: Broken Twill,” (uni form) held at Total Museum of Contemporary Art in Seoul in August 2025, crossed the boundaries of fashion, art, and technology to reinterpret the social structure of the ‘uniform.’ Although the exhibition was centered on the painting series of fashion designer and contemporary artist Chul Yong CHOI, it also involved a Core Group consisting of curators, designers, researchers, and media specialists, proposing a new curatorial model that transcends the typical format of a solo exhibition.

“uni form” functioned not merely as a presentation of an individual artist’s visual language but as a collaborative platform that deepened the study of the uniform concept within social, cultural, and technological contexts. Experts from various disciplines participated in every stage of the project — from research, philosophy, and design to spatial composition and data collection —
offering a new possibility of a collective research-based exhibition that borrows the form of a solo show.

To further explore the theme, the exhibition also included a number of invited works. Centered around a single artist, it constructed a multilayered structure of discourse that expanded and reinterpreted the subject from various perspectives, earning recognition for its freshness and experimental approach.

These characteristics demonstrate that “uni form” is not a one-time exhibition but a platform-like structure that continues to expand contemporary discourse. By exploring the relationship between collectivity and individuality, discipline and freedom, institution and emotion through the lens of the uniform, the exhibition proposed an experimental field for reflecting on social structures through art.

The Berlin edition inherits this philosophy and structure from the Seoul exhibition, taking a step further to pursue a full-fledged digital transformation. Every element of the Total Museum exhibition —exhibition planning, installation, documentation, conversations, images, and texts —
was transformed into a dataset and used as the foundation for AI-based creative experiments and generative recompositions.

Thus, “uni form: Broken Twill – Berlin Edition” does not merely replicate the Seoul exhibition
but reconstructs its process as a creative source rooted in data. This approach redefines the exhibition as not a finished result but as an accumulative and regenerative process, creating a space where art, technology, humans, and artificial intelligence weave together new visual languages of our time.

Above all, the “uni form” project, beginning with its Berlin presentation, is envisioned as an evolving global curatorial platform, enabling further expansion to other cities and collaborations among artists, researchers, and institutions worldwide. Rather than being confined to a single outcome, the exhibition continues to evolve as a living structure in which AI, data, fashion, art, and social discourse dynamically intersect.

Date | August 28 (Thu) – September 28 (Sun), 2025

Venue | Total Museum of Contemporary Art (entire venue)

Opening Reception | August 28 (Thu), 2025, 3:00 PM

Artist | Chulyong Choi

Core Group | Hooncheol Ko, Nathalie Boseul Shin, Mano An, Doyeon Ryu, Hyunmin Yun, Yunkyung Lee, Chulyong Choi, Sun-kyu Ha

Participants | Hooncheol Ko, Nathalie Boseul Shin, Mano An, Doyeon Ryu, Hyunmin Yun, Yunkyung Lee, Chulyong Choi, Sun-kyu Ha

Hackathon Session
This Berlin edition presents, for the first time, the results of a digital recomposition hackathon held in Yangyang, based on the dataset constructed during the Seoul exhibition. The dataset does not remain as documentation—it becomes image again, through AI.
• Curator: Daechan Heo
• Mentor: Seungjun Choi
• Participants: Sooyoung Kim, Hyojae Kim , Seungjun Park, Jiwon Park, Eunseo Lee, Do-one Im, Hanul jo

Invited Works | 5 works/series
〈We Were Here〉, Anton Shebetko, 2018–2020
〈Broken Twill Study I–IV〉, Hyojung SEO, 2024–2025
〈Office Ladies〉, Emi Kusano, 2025 〈Open-flow Drift〉, Kim Jiyoung, 2025 〈The Beauty of Degagement〉, Kim Jinyoung, 2025

Host/Organizer | Total Museum of Contemporary Art (TMCA), P61 (Berlin)

Sponsorship |
The Ministry of Culture, Sports and Tourism
Korean Foundation for International Cultural Exchange
2025 Kore·A·Round Culture

▶ Press Release

2023 토탈미술관 소장품전 “안녕하세요, 노준의입니다”

전시명 :

참여작가 :

고영훈, 김구림, 김근중, 김동영, 김용철, 김종학, 김차섭, 김춘수, 김태화, 김형대, 문 범, 박승규, 백 진, 신성희, 엄정순, 유연희, 윤동천, 이강희, 이경성, 이기봉, 이병용, 이승조, 이정지, 이태현, 정영렬, 제여란, 조덕현, 최명영, 한만영, 한 묵

일 시 : 2023년 3월3일-4월 9일

관람시간 : 12시~18시 입장마감 17:30 / 매주 월요일 휴관

관람요금 : 무료

주최 : 토탈미술관

주관 : 토탈미술관

토탈미술상을 비롯하여 소장품을 중심으로 구성된 전시로 토탈미술관은 설립 이래 국내외 작가들의 작품을 소장하고 전시해왔습니다. 이번 전시에서는 소장품 중에서도 가장 대표적인 작품들을 선보입니다.

존경하는 관객 여러분,
한국 최초의 사립 현대미술관인 토탈미술관에서 여러분을 맞이하게 되어 매우 기쁩니다.
토탈미술관은 설립 이래 국내외 작가들의 작품을 소장하고 전시해왔습니다.
이번 전시에서는 토탈미술관의 소장품 중에서도 90년대 토탈미술상 수상작을 비롯한 가장 대표적인 작품들을 선보입니다.
전시중인 작품들은 그들만의 독특한 이야기와 그들이 소통하고자 하는 메시지를 담고 있습니다.
또한 소장품들이 어떤 과정을 거쳐 소장품으로 선정되었는지외에 작품에 대한 분석과 해설도 함께 제공하여, 관객 여러분들이 미술 작품에 대한 이해도를 높이고,미술관 방문의 즐거움을 더욱 풍부하게 느낄 수 있도록 하고자 합니다. 이는 우리나라 미술계의 역사와 문화를 이해하고, 이를 바탕으로 미래를 바라볼 수 있는 기회로 다양한 작품들과 함께 여러분들의 눈과 마음을 즐겁게 만들어 줄 것입니다.
<2023 토탈미술관 소장품전>을 통해 새로운 시각과 감성을 경험하고, 미술과 문화에 대한 이해를 높이시길 바랍니다.
감사합니다.

@Chat GPT by 토탈미술관학예팀: pm 1:05 20.Feb.

Between Particles and Waves 2

Between Particles and Waves 2_BPAW2

메타버스 전시 기간: 22. 10. 10 – 23. 10. 10

오프닝: 22. 11. 11 pm 11:11

참여작가: 김시훈, 여상희, IVAAIU CITY, 양자주, Add fuel, Vhils, John Fekner, Jann Vormann, Brad Downey, Michael Johansson, Octavi Serra, Esther Stocker

기획총괄 : 토탈미술관 (신보슬 책임큐레이터)

Production : Total Museum of Contemporary Art (Project Director: Nathalie Boseul Shin)

공동기획 : Brad Downey, Jan Vormann, 양자주(양경민)

Co-planners: Brad Downey, Jan Vormann, Jazoo Yang (Yang Gyeong-min)

게스트 큐레이터 : 조앤킴(김주원)

Guest Curator: Joanne Kim (Kim Joo-won)

코디네이터 : 구예담 , 윤현민

Coordinators: Koo Ye-dam, Yun Hyunmin

Website(클릭)

Instagram(클릭)

작년에 진행된 <Between Particles and Waves 1>은 전 세계 도시의 공공장소에서 국제 예술가 그룹을 재결합하는 최초의 전시회를 열었다. 2,800만X2,800 만X256 블록의 가상 공간에 제작된 작품은 유명 유튜버 ‘SURRY’가 건설하는 과정을 전시했다.

토탈미술관은 2022년도에 공공미술 한국 작가 작품을 추가하여 <Between Particles and Waves> 시즌 2를 맞이한다. 마인크래프트 세계 안에서는 학교, 전시장, 회사를 만들고 타인과 교류하며, 그 안에서 ‘나’의 정체성을 투영한 아바타와 상호작용한다. 가상공간에서 일상생활이 가능함에 따라 사적 공간보다 공공 공간에 더 가까워지고 공공 공간으로서 메타버스에 대한 다양한 실험활동을 시도한다. 또한 메타버스 속에서 게임을 액세스하는 모든 사람이 환경에 몰입하고 현장에서 작품을 경험할 수 있도록 실현한다.

Minecraft Server: BPAW2.Apexmc.co

《The Show Must Go On_Busan》

여행하는 예술가의 포트폴리오, 어디서든 펼쳐볼 수 있는 전시

Exhibition Information

우종택 개인전 《무시광겁(無始曠劫)의 묘유(妙有)》

노순천 개인전 《먼 곳의 크기》

노순천 개인전 《먼 곳의 크기》

픽셀 김 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》

김태협 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》 AI ART × Ayako Rokkaku

The Show Must Go On: Geoje

The Short History of TSMGO

《uni form: Broken Twill in Berlin》

2023 토탈미술관 소장품전 “안녕하세요, 노준의입니다”

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》
AI ART × Ayako Rokkaku