Catherine & Renato CASCIANI: Somebody has to collect it

2026년, 한국과 프랑스가 수교 140주년을 맞이하는 뜻깊은 해에 토탈미술관은 개관 50주년을 기념하여 ‘Collector/tion’ 프로젝트를 새롭게 시작한다. 첫 전시의 주인공은 프랑스의 저명한 컬렉터 카트린과 레나토 카시아니(Catherine & Renato CASCIANI)이다. 이들의 참여는 양국의 오랜 문화적 유대를 확인하며, 동시대 예술의 미래를 함께 조망한다는 점에서 각별한 의미를 지닌다.

카트린과 레나토 카시아니는 프랑스 북부 릴(Lille)을 기반으로 활동하며, 30여 년간 예술을 통해 세상과 소통해 온 컬렉터이다. 그들에게 예술은 개인의 소유물을 넘어선 ‘공유’와 ‘관계’의 매개체다. 16쌍의 부부가 작품을 공동 구매하고 순환 전시하는 ‘카드로 블랑(Cadre blanc)’ 프로젝트를 주도하고, 비디오 아트 페어 ‘어라운드 비디오(Around Video)’를 창립한 이들의 행보는 컬렉팅이 어떻게 개인의 취향을 넘어 사회적 연대와 문화적 공공성으로 확장될 수 있는지를 여실히 보여준다.

본 프로젝트의 첫 번째 전시의 제목 《Catherine & Renato CASCIANI: Somebody has to collect it》 은 지난 50년간 한국 현대미술의 터전을 닦아온 토탈미술관의 역사 위에서, 국경을 넘어 예술의 생태계를 지탱해 온 한 컬렉터의 진지한 시선을 조명한다. 카시아니 컬렉션은 인간의 자아와 취약함(Fragility), 그리고 그 이면에 숨겨진 역설적인 힘에 질문을 던지며, “누군가는 반드시 이 시대의 목소리를 수집하고 기록해야 한다”는 수집가로서의 소명 의식을 증명한다.

한불수교 140주년과 토탈미술관의 50년 역사가 교차하는 이 지점에서, 이제 여러분을 한 컬렉터의 내밀한 세계로 초대한다. 국경을 허물고 우리를 연결하는 예술의 힘을 마주하며, 우리 시대에 예술을 수집하고 간직한다는 것이 각자에게 어떤 의미로 다가오는지 함께 탐색해 보길 제안한다.

일시 | 2026.4.30 (목) – 5.31 (일)
장소 | 토탈미술관 전관
초청일 | 2026.4.30 (목) 15:00

컬렉터 | Catherine & Renato CASCIANI

참여 작가 | 22명/팀
Adrián Melis, ANONYME, Anthony Peskine, Ariane Loze, Audrey Martin, Bertille Bak, Caroline Déodat, Célin Jiang, Christian Lebrat, Christina Garrido, Claude Cattelain, Clement Cogitore, Daniel Dewar & Grégory Gicquel, Edith Dekyndt, Émilie Brout & Maxime Marion, Enrique Ramirez, Iván Argote, Lina Laraki, Melanie Bonajo, Nøne Futbol Club, Regina Galindo, Sarah Trouche

공동 기획 | 토탈미술관, Collection Catherine & Renato Casciani, Around Video
주최·주관 | 토탈미술관

토탈미술관
관장 | 노준의
책임큐레이터 | 신보슬
행정실장 | 원윤희
큐레이터, 에듀케이터 | 윤현민
큐레이터 | 김민선
코디네이터 | 김반석 김서연 이채령

2026년 한불 수교 140주년 기념 사업 | 주한 프랑스 대사관 및 문화과

In 2026, a meaningful year marking the 140th anniversary of diplomatic relations between Korea and France, Total Museum of Contemporary Art launches a new project titled Collector/tion in celebration of its 50th anniversary. The first exhibition features the renowned French collectors Catherine & Renato CASCIANI. Their participation carries special significance, reaffirming the long-standing cultural ties between the two countries while offering a shared perspective on the future of contemporary art.

Based in Lille, in northern France, Catherine and Renato Casciani have spent over 30 years engaging with the world through art. For them, art is not merely something to be owned, but a medium of “sharing” and “connection.” Their initiatives—such as Cadre blanc, a project in which 16 couples collectively acquire and circulate artworks, and the founding of the video art fair Around Video—demonstrate how collecting can extend beyond individual taste to foster social solidarity and cultural publicness.

Titled Catherine & Renato CASCIANI: Somebody Has to Collect It, the first exhibition of this project sheds light on the thoughtful vision of collectors who have supported the ecosystem of art beyond national borders, set against the 50-year history of Total Museum of Contemporary Art, which has played a foundational role in Korean contemporary art. The Casciani Collection raises questions about the human self and fragility, as well as the paradoxical strength that lies beneath, affirming the collector’s sense of calling: “Someone must collect and preserve the voices of our time.”

At this intersection of the 140th anniversary of France–Korea diplomatic relations and the museum’s 50-year history, we invite you into the intimate world of these collectors. Encounter the power of art that transcends borders and connects us, and consider what it means, for each of us, to collect and preserve art in our time.

Dates | April 30 (Thu) – May 31 (Sun), 2026
Venue | Total Museum of Contemporary Art (all galleries)
Opening | April 30 (Thu), 2026, 15:00

Collectors | Catherine & Renato CASCIANI

Participating Artists | 22 artists/teams
Adrián Melis, ANONYME, Anthony Peskine, Ariane Loze, Audrey Martin, Bertille Bak, Caroline Déodat, Célin Jiang, Christian Lebrat, Christina Garrido, Claude Cattelain, Clément Cogitore, Daniel Dewar & Grégory Gicquel, Edith Dekyndt, Émilie Brout & Maxime Marion, Enrique Ramirez, Iván Argote, Lina Laraki, Melanie Bonajo, Nøne Futbol Club, Regina Galindo, Sarah Trouche

Co-curator | Total Museum of Contemporary Art, Collection Catherine & Renato Casciani, Around Video
Host/Organizer | Total Museum of Contemporary Art (TMCA)

Total Museum of Contemporary Art (TMCA)
Director | Jun Eui NOH
Chief Curator | Nathalie Bo Seul SHIN
Museum Administrator | Yoon Hee WEON
Curator, Educator | Hyun Min YUN
Curator | Min Seon KIM
Coordinator | Bansuk KIM Seo Yeon KIM Chae Ryung LEE

Official Event of the 140th Anniversary of France–Korea Diplomatic Relations (2026) | Service culturel de l’Ambassade de France en République de Corée

김태협 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》

낙원은 어떤 곳일까?
모든 감정으로부터 해탈해 요동치지 않는 고요함과 충만함에 머무는 곳일까, 아니면 기쁨과 환희, 슬픔과 질투, 우울과 감격, 분노와 사랑이 한꺼번에 휘몰아치며 감정의 소용돌이를 에너지 삼아 움직이는 곳일까.

김태협의 작업은 우리가 일상에서 마주하는 감정의 복잡성에 대한 관찰에서 출발한다. 그의 작품에는 서로 다른 감정이 존재하고, 충돌했던 흔적들이 상징적인 이미지로 등장하며 하나의 장면 안에서 시간의 흐름을 어긴 채 공존한다. 강렬한 색채와 만화적인 윤곽선, 반복되는 패턴으로 구성된 화면은 감정의 뒤엉킴을 하나의 질서 속에 배치하며, 복잡성을 만들어내면서 동시에 그것을 정제하고 단순화하는 구조적 아이러니를 드러낸다.

김태협의 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》는 2014년 작품부터 2025년 최근작까지를 아우른다. 작가가 다층적으로 그려온 감정의 장면들을 하나의 세계로 엮어내며, 김태협의 ‘월드(world)’가 어떤 방식으로 생성되고 실행(exe)되어 왔는지를 따라가 본다.

What kind of place is Eden?
Is it a realm of stillness and plenitude, liberated from all emotion and untouched by disturbance? Or is it a place where joy and ecstasy, sorrow and jealousy, melancholy and elation, anger and love surge all at once—propelled by a vortex of emotions as its driving force?

The work of Kim Taehyup begins with an observation of the complexity of emotions encountered in everyday life. Within his compositions, disparate emotions coexist, and the traces of their collisions emerge as symbolic imagery, inhabiting a single scene while defying the linear flow of time. Constructed through vivid colors, cartoon-like outlines, and repetitive patterns, his pictorial surfaces arrange emotional entanglement into a form of order. In doing so, they reveal a structural irony: while generating complexity, they simultaneously refine and simplify it.

Kim Taehyup’s solo exhibition World.exe: Eden and Its Shadow spans works from 2014 to 2025. Bringing together the multilayered emotional scenes the artist has developed over time, the exhibition weaves them into a singular world, tracing how Kim’s “world” has been generated and executed over time.

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》
AI ART × Ayako Rokkaku

어떤 전시는 끝난 뒤에도 사라지지 않고, 다른 장소에서 다른 방식으로 다시 호흡한다.
《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》은 그러한 호흡이 서울 토탈미술관에서 베를린으로 이어지며, 아야코 록카쿠의 감각이 새로운 이미지와 리듬으로 확장되는 자리다.
록카쿠의 회화는 손에서 출발한다.
붓보다 먼저 닿는 손가락, 계획보다 앞서는 몸의 충동, 형상보다 먼저 번져가는 색의 흐름은 그의 작업을 단순한 그림이 아니라 감각의 움직임으로 만든다.
토탈미술관에서 펼쳐졌던 그 감각은 창과 스크린, 회화와 조각, 현실의 풍경과 미래를 향한 영상 사이를 오가며 확장되었고, 이제 디지털 공간 안에서 또 다른 방식으로 이어진다.

손에서 번져 나온 감각
이번 전시에는 초대작가 외에 오픈콜과 해커톤을 통해 모인 작가들이 함께했다. 이들은 록카쿠의 작업을 그대로 반복하거나 재현하지 않았다. 대신 색의 결, 손의 속도, 공간의 인상, 그리고 전시가 남긴 정서의 파편들을 각자의 언어로 다시 읽어 새로운 디지털 작업으로 풀어냈다. 그렇게 한 사람의 손에서 출발한 감각은 여러 창작자의 해석을 거치며 보다 넓은 이미지의 군집으로 확장되었다.
이 과정에서 AI는 차가운 손(기술)이라기보다 감각을 번역하는 매개에 가까웠다. 인간의 손에서 시작된 회화적 충동은 알고리즘을 통과하며 낯선 빛과 새로운 리듬을 얻게 되었고, 원본은 복제되는 대신 증식했다. 하나의 전시는 끝나는 것이 아니라 파생되고, 흔들리며, 다시 생성되었다.

혼돈이 머무는 방식
이러한 구조는 전시를 완결된 결과물이 아니라 끊임없이 열려 있는 과정으로 바라보게 했다. 지난 《uni form: Broken Twill in Berlin》이 그러했듯, 이번 전시 역시 전시 이후의 전시, 이미지 이후의 이미지를 향해 나아간다.
특히 여기서 혼돈은 지워야 할 대상이 아니라, 오히려 함께 호흡해야 할 조건에 가까우며, 록카쿠의 손에서 시작된 색과 감각은 베를린의 디지털 화면 속에서 다시 흩어지고 연결되며 또 다른 생명력을 만들어낸다.

끝나지 않는 호흡
이곳에서 관객이 마주하게 되는 것은 단지 원작의 그림자가 아니다. 그것은 하나의 전시가 끝난 뒤에도 계속 살아 움직이며, 다른 형식과 감각으로 스스로를 확장해 나가는 방식 그 자체로 여기기를 바란다.

참여 작가
초대작가 | 김진영, 박승준
해커톤 | 강시라, 김명규, 김무진, 김수영, 김정훈, 김효재, 민예은, 박지원, 오유리, 임도원, 최건
오픈콜 | 김다하, 나은혜, 배준형, 변유열, 유어예, 육대근, 허사문

공동 기획 | 토탈미술관 / AT&D School
협력 | Aliceon / AAD / Ai Culture Lab / OKNP / Gallery Target
장소 | P61 Gallery(Potsdamer Str. 61 10785 Berlin-Schöneberg)

Some exhibitions do not disappear when they end; they breathe again elsewhere, in another form.
Breathing with the Chaos: Berlin Edition is a space where that breath continues from the Total Museum of Contemporary Art in Seoul to Berlin, expanding Ayako Rokkaku’s sensibility into new images and rhythms.
Rokkaku’s painting begins with the hand.
Fingers touch before the brush, bodily impulse comes before intention, and color spreads before form. Her work becomes not simply an image, but a movement of sensation.
At the Total Museum, that sensibility unfolded between windows and screens, paintings and sculptures, the landscape of the present and images reaching toward the future. Here, it continues once again within digital space.

Sensation Spreading from the Hand
Alongside the invited artists, this exhibition brings together participants from the open call and hackathon. They do not simply repeat or reproduce Rokkaku’s work. Instead, they reinterpret the textures of color, the movement of the hand, the impression of space, and the emotional traces left behind by the exhibition, transforming them into new digital works.
In this process, AI functions less as a cold technology than as a medium for translating sensation. What begins in the human hand passes through algorithms and takes on unfamiliar light and new rhythms. The original does not remain fixed; it multiplies, shifts, and emerges again.

The Way Chaos Lingers
This structure invites us to see the exhibition not as a finished result, but as an open and ongoing process. As with uni form: Broken Twill in Berlin, this exhibition also moves toward an exhibition after the exhibition, toward images after images.
Here, chaos is not something to be erased. It is a condition to breathe with. The colors and sensations that begin in Rokkaku’s hand scatter and reconnect across digital screens in Berlin, generating another kind of vitality.

Breathing Without End
What the viewer encounters here is not simply the shadow of an original work. It is the way an exhibition continues to live beyond its ending, extending itself through other forms and other sensibilities.

Aritsts
Invited Artists
Kim Jinyoung
Park Seungjun
Hackathon Session
Im Doone
Kim Hyojae
Park Jiwon
Kim Junghun
Kim Moojin
Kim Myeongkyu
Kang Sira
Kim Sooyoung
Oh Yuri
Min Ye-eun
Choe Gun
Open Call Session
Kim Daha
Deck
Na Eunhye
Bae Joonhyung
Heo Samoon
Yu.A.Ye
Byeon Yuyeol

Curatorial Team
Total Museum of Contemporary Art:
Chief Curator | Shin Nathalie Boseul
Curator | Kim Minseon, Yun Hyunmin
Coordinator | Kim Bansuk, Kim Seoyeon, Lee Chaeryeong

Hackathon Session
Curator | Heo Daechan
Workshop Mentor | Choi Seungjun

Co-organized by
Total Museum of Contemporary Art
AT&D School

In collaboration with
Aliceon
AAD
Ai Culture Lab
OKNP
Gallery Target

Venue
P61 Gallery
Potsdamer Str. 61
10785 Berlin-Schöneberg

2026 Total Seminar

1993년부터 〈토탈아카데미〉를 운영 중인 토탈미술관은 전문적이고 다양한 예술 장르를 넘나들며 문화예술 접근성을 확대하는 데 기여해 왔습니다. 30년 이상의 아카데미 경험을 바탕으로 〈토탈세미나〉를 새롭게 시작합니다.

〈토탈세미나〉는 연구자와의 협업으로 한국 동시대 작가들을 깊이 있게 탐구하는 프로그램입니다. 빠르게 변화하는 현대 미술의 흐름 속에서 작가들의 작품과 그들이 다루는 주제를 연구자의 관점에서 심층적으로 분석합니다.

다양한 매체와 주제로 작업하는 동시대 작가 한 명 한 명을 다루는 〈토탈세미나〉에서 그들의 작품이 반영하는 사회적, 문화적, 기술적 요소들을 학문적 시각에서 들여다보고, 이를 통해 수강자들은 미술 작품을 감상하는 것을 넘어, 그 안에 담긴 메시지와 개념을 비판적으로 분석하고 해석하는 능력을 기르게 될 것입니다.

2024년 8월부터 〈토탈세미나〉는 ‘동시대 미술의 행간’이라는 제목으로 이문정 미술평론가(연구소 리포에틱)와 함께하고 있습니다. 토탈세미나는 미술 연구자와 학생, 그리고 동시대 미술에 관심을 가진 모든 이들에게 열려있습니다. 보다 깊이 이해하고자 하는 분들에게 귀중한 인사이트를 제공할 것입니다.

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▶ 강사 소개 | 이문정(미술평론가/연구소 리포에틱 대표)
이화여자대학교 조형예술학 박사. 2011년 미술평론가로 활동을 시작했다. 2018년부터 한국 작가들의 작품세계를 다룬 연구집 『리포에틱 평론과 대화』를 출간하고 있으며, 연구소 웹사이트에 평론 및 인터뷰 아카이빙을 진행 중이다. 저서로는 『혐오와 매혹 사이: 왜 현대미술은 불편함에 끌리는가』(2018), 『세상 모든 곳이 미술관이다』(2022), 『너의 눈과 거대한 찰나: 권혜원의 작품에 관한 평론과 대화』(2024, 기획/엮음+공저), 『진행형의 세계: 한국 동시대 미술을 그리다』(2024)가 있다.

▶ Leepoetique [리포에틱]
리포에틱은 한국 동시대 미술을 연구하기 위해 2016년 문을 열었습니다. 연구소의 궁극적인 목표는 21세기, 현재 진행형의 미술을 적극적으로 분석, 비평하여 오늘의 예술을 관통하는 주요 담론들을 논의하고 이끌어가는 것입니다.

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▶ 4월의 세미나 일정
태어나서 살다 죽고 기억되길 : “몸은 실존의 자리다.*”
* 장–뤽 낭시, 『코르푸스–몸, 가장 멀리서 오는 지금 여기』, 김예령(역), ㈜문학과지성사, 2024, p. 18.
4.9. 찬란하고 처절하게 : 박미례, 유아연
4.16. 흘러넘치는 감각, 흘러내리는 욕망 : 이미래
4.23. 축적되는 육체, 침잠하는 감정 : 김찬송, 이은실

▶ 일시 | 2026년 4월 9일, 16일 23일(매주 목요일) 오후 2시 30분 ~ 4시
▶ 장소 | 토탈미술관 아카데미실
▶ 참가비용 | 무료
▶ 문의 | 토탈미술관 학예실(02.379.7037/399

Since 1993, Total Museum of Contemporary Art has operated the Total Academy, contributing to the expansion of public access to culture and the arts through its engagement with a broad spectrum of artistic disciplines. Drawing on more than three decades of experience in arts education, the Museum is pleased to newly launch the Total Seminar.

The Total Seminar is a program developed in collaboration with researchers to undertake in-depth explorations of contemporary Korean artists. Within the rapidly evolving landscape of contemporary art, the seminar provides close, critical analyses of artists’ works and the themes they engage, examined through scholarly perspectives.

By focusing on individual contemporary artists working across diverse media and subjects, the Total Seminar examines the social, cultural, and technological dimensions reflected in their practices from an academic standpoint. Through this process, participants move beyond appreciation, cultivating the ability to critically analyze and interpret the ideas and concepts embedded in contemporary artworks.

Since August 2024, the Total Seminar has been presented under the title Between the Lines of Contemporary Art, in collaboration with art critic Lee Moonjung of Leepoetique. The program is open to art researchers, students, and all those interested in contemporary art, offering valuable insights to anyone seeking a deeper understanding of the field.

Instructor
Lee Moonjung (Art Critic / Director, Leepoetique)
Ph.D. in Plastic Arts, Ewha Womans University. She began her career as an art critic in 2011. Since 2018, she has published the research series Leepoetique: Criticism and Dialogue, which examines the practices of Korean artists, and continues to archive criticism and interviews through the Institute’s website.
Her publications include Between Hatred and Fascination: Why Does Contemporary Art Attract Us Through Discomfort? (2018); Everywhere Is a Museum (2022); Your Eyes and the Monumental Moment: Criticism and Dialogue on the Work of Kwon Hyewon (2024, editor and co-author); and The World in Progress: Drawing Contemporary Korean Art (2024).

Leepoetique
Founded in 2016, Leepoetique is dedicated to the study of contemporary Korean art. Its mission is to actively analyze and critique twenty-first-century art as an ongoing practice, engaging with and advancing the key discourses that shape and define the art of our time.

April Seminar Schedule

To Be Born, To Live, To Die, and To Be Remembered: “The Body Is the Site of Existence.”
Jean-Luc Nancy, Corpus: On Body, from the Furthest Near, trans. Kim Yeryeong (Seoul: Munhakgwa Jisungsa, 2024), p. 18.

April 9 | Radiant and Ruthless: Park Mirye, Yoo Ayeon
April 16 | Overflowing Senses, Dripping Desire: Lee Mirae
April 23 | Accumulating Bodies, Sinking Emotions: Kim Chansong, Lee Eunsil

Date | April 9, 16, and 23, 2026 (Thursdays), 2:30–4:00 PM
Venue | Academy Room, Total Museum of Contemporary Art
Admission | Free
Inquiries | Curatorial Department, Total Museum of Contemporary Art
Tel. +82-2-379-7037 / 3994

2026 Total Academy

모집요강

장 소: 토탈미술관
개강일시: 2026년 3월 4일(수), 5일(목) 오전 10시
수강기간: 2026년 3월-6월 / 9월-11월 오전 10-12시
수강신청: 2026년 2월 28일(토) 까지

수 강 료: 각 강좌 – 연 200만원
2강좌 수강 시 – 평생회원 연 250만원 / 일반회원 연 300만원

접 수 처
02-379 3994, 7037 / totalmuseum.academy@gmail.com

계좌번호: 하나은행 283-890014-90904 / 노준의
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수요 강좌 | 예술과 인문학의 상호적 거리/이탈리아 기행

3월
04일_세계화 이주 현상이 낳은 조건
11일_존 윌리엄스와 그의 영화음악
18일_격정적인 인간 조건의 색채
25일_절제와 표현 사이의 물리적 현존

4월
01일_메디치 Ⅰ
08일_답사
15일_메디치 Ⅱ
22일_4차원 개념이 확장한 공간 전개
29일_미래 예시적 비전이 창조한 인간

5월
06일_파편화된 제국주의 Dreamtime
13일_고뇌와 환희 Ⅰ
20일_고뇌와 환희 Ⅱ
27일_이질적 토양에서 움트는 근본

6월
03일_선거일
10일_서머타임

방 학 기 간

9월
02일_시대의 부조리를 풍자하는 만화적 도덕성
09일_로마의 휴일
16일_브라이트 스타
23일_현대 사회가 생산한 차용과 중첩의 산물
30일_페미니즘 진동이 와해한 젠더의 성

10월
07일_말괄량이 길들이기 Ⅰ
14일_말괄량이 길들이기 Ⅱ
21일_말괄량이 길들이기 Ⅲ
28일_평면성에 도전하는 이성적 추상

11월
04일_예술적 경계를 해체한 유기적 물질성
11일_디도와 에네아스

일반회원
• 입회비 10만원 별도
• 미술관 무료 입장 및 각종 행사 초대
• 국내외 미술관, 건축 및 문화유적 답사 (비용별도)
• 작가 스튜디오 탐방

평생회원
• 평생회비 100만원 별도
• 일반회원 혜택 +
• 주택설계, 리모델링 상담 및 건축가 소개
• 오디오 관련 무료 상담

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목요 강좌 | 현대건축을 보는 눈/특강

3월
05일_베니스 문화예술의 보고: 팔라초 건축의 심연
12일_건축, 시간을 연주하다
19일_북유럽의 도시와 건축 2
26일_시누헤 이야기와 함께하는 이집트 문명

4월
02일_프로젝트와 프로세스: 아이디어가 공간이 되기까지
09일_답사
16일_(우리) 땅, (우리) 건축
23일_정원에 매혹된 도시
30일_러시아 문학의 양대산맥 톨스토이와 도스토예프스키

5월
07일_Timbercraft: 전통목조건축의 새로운 탄생
14일_건축가: 내가 아는 최고의 직업
21일_변화를 준비하는 디자인 집단의 전략
28일_청구하는 시간, 청구않는 시간

6월

04일_세상은 무대, 우리는 배우: 셰익스피어와 만나는 연극인생
11일_파이아키아 후일담

방 학 기 간

9월
03일_건축과 음악, 문학의 상호텍스트성
10일_Time Machine
17일_발터 벤야민의 예술철학
24일_추석연휴

10월
01일_러시아와 코카커스의 건축
08일_세기 전환 시기의 건축과 새로운 도전
15일_탈성장 탈도시 경관탐구
22일_공간의 법칙: 실파 샤스트라에서 비앙카 센소리까지
29일_서사적 공간(앨리스의 비눗방울 놀이)

11월
05일_초지수적 성장과 도시건축
12일_제3기계시대의 건축과 예술: 인간 이후의 창작

《TOTAL SUPPORT 2025》

토탈미술관은 1976년 개관한 한국 최초의 사립 현대미술관으로, 예술의 다양한 장르를 수용하고 현대미술의 실험적 도전을 꾸준히 지원해 왔습니다. 이러한 전통과 정신을 바탕으로, 미술관의 지속 가능한 미래를 함께 만들어가고자 후원전 《Total Support 2025》를 오는 10월 15일부터 23일까지 개최합니다.

2025년, 토탈미술관은 《uni form: Broken Twill》로 한 해의 문을 열었습니다. 코어 그룹과 초대 작품을 통해 개인전의 새로운 형식을 실험한 이 전시는 다가오는 11월에는 독일로 이어져 국제 교류의 장을 확장할 예정입니다. 한국 현대미술을 해외와 연결하고 문화예술의 폭넓은 소통을 실현하려는 노력은 지난 4월 주캐나다 한국문화원에서 개최된 《The Show Must Go On: Canada》 전시로부터 그 흐름을 이어왔습니다. 한편 국내에서는 7월부터 천안과 파주에서 소장품 전시를 선보이고 있으며, 경상남도 거제시에서 픽셀 킴과 정민수의 개인전을 개최하며 지역 사회 속 현대미술의 접근성을 확대해 왔습니다.

토탈미술관의 교육 프로그램 또한 꾸준히 이어지고 있습니다. 30여년 동안 지속되어온 대표 프로그램 〈토탈아카데미〉는 현대미술뿐 아니라 건축, 음악, 무용 등 다양한 장르를 아우르며 문화예술의 폭넓은 접점을 확장해왔습니다. 그 경험을 바탕으로 2024년에 새롭게 출범한 〈토탈세미나〉는 지난 1년간 동시대 작가들의 작업을 깊이 탐구하며 새로운 담론을 열어가고 있고, 매주 월요일 열리는 〈월요살롱〉은 400회를 돌파하며 다양한 분야 전문가들과 예술 담론을 이어가고 있습니다. 더불어 일요독서모임 〈일(ㄱ)자회〉는 책을 매개로 예술적 교감을 나누는 공동체로 자리 잡았으며, 올해 새롭게 시작된 〈AT&D SCHOOL〉은 ‘학교’라는 형식 안에서 미디어아트를 향한 전문적이고도 창의적인 탐구를 열어가고 있습니다.

아울러, 미술관의 사회적 책임에 대한 고민 속에서 시작된 〈바틱 스토리〉는 올해도 홍익대학교 섬유미술패션디자인과와 협력하여 진행되고 있습니다. 한국의 학생들과 인도네시아 바틱 장인들이 함께하는 이 프로젝트는 예술의 지속 가능성과 사회적 가치를 실천하는 모범적인 사례로 자리매김하고 있습니다.

《Total Support 2025》는 토탈미술관의 비전에 동참하는 작가들과 함께합니다. 부디 참석하시어 따뜻한 관심과 후원을 보내주시기를 부탁드립니다. 앞으로도 토탈미술관은 귀한 성원에 보답할 수 있도록 더욱 풍성한 기획과 프로그램으로 찾아뵙겠습니다.

토탈미술관 관장

노 준 의 드림

일시 | 2025.10.15 (수) – 10.23 (목)

장소 | 토탈미술관 전관

오프닝 | 2025.10.15 (수) 13:00

참여작가 | 강석호 고영애 김구림 김기라 김도희 김동연 김승연 김윤신 김장희 김태협 노정란 리 경 민예은 박서보 박석원 방앤리 배지현 변승훈 안규철 양순열 양정화 우종택 원성원 유 희 윤명로 이강소 이상민 이상현 이순종 이승조 이예은 이용덕 이용백 정경선 정보원 정 현 정혜진 제유성 최명영 최병소 최철용 탁양지 픽셀김 함 섭 황규태 흑표범

Total Museum of Contemporary Art, which opened in 1976 as Korea’s first private contemporary art museum, has consistently embraced diverse art genres and supported experimental challenges in contemporary art. Building on this tradition and spirit, we are hosting the fundraising exhibition 《Total Support 2025》 from October 15 to 23 to collaboratively build a sustainable future for the museum.

In 2025, the Total Museum opened the year with the exhibition 《uni form: Broken Twill》. This exhibition, which experimented with new formats for solo shows through core group and invited works, is set to expand its international reach by traveling to Germany this November. This effort to connect Korean contemporary art with the world and realize broad communication in culture and arts follows the momentum from 《The Show Must Go On: Canada》 held at the Korean Cultural Centre in Canada this past April. Domestically, we have been showcasing collection exhibitions in Cheonan and Paju since July, and have expanded the accessibility of contemporary art within local communities by holding solo exhibitions for Pixel Kim and Minsoo Jeong in Geoje-si, Gyeongsangnam-do.

The Total Museum of Art’s educational programs are also continuing apace. The flagship program, 〈Total Academy〉, which has been running for over 30 years, embraces various genres including not only contemporary art but also architecture, music, and dance, expanding the broad contact points of culture and art. Based on this experience, the newly launched 〈Total Seminar〉 in 2024 has been deeply exploring the works of contemporary artists and opening new discourses over the past year. Furthermore, the weekly 〈Monday Salon〉 has surpassed its 400th session, continuing artistic discussions with experts from diverse fields. In addition, the Sunday book club 〈Sunday Book Club〉 has established itself as a community that shares artistic communion through books, and the newly launched 〈AT&D SCHOOL〉 this year is pioneering professional and creative explorations of media art within the format of a ‘school.’

Moreover, 〈Batik Story〉, which began out of a concern for the museum’s social responsibility, is being held this year in collaboration with the Department of Fiber Art and Fashion Design at Hongik University. This project, bringing together students from Korea and Batik artisans from Indonesia, serves as an exemplary case for practicing the sustainability and social value of art.

《Total Support 2025》 is held with artists who share the TMCA’s vision. We earnestly request your warm interest and support by attending. The Total Museum of Art will continue to present richer planning and programs to reciprocate your valued encouragement.

Sincerely,

Noh Jun-Eui,
Director of Total Museum of Contemporary Art

Date | October 15 (Wed) – October 23 (Thu), 2025

Venue | Total Museum of Art, All Galleries

Opening | October 15 (Wed), 2025, 13:00

Artists | Sukho Kang, Young-yae Ko, Koolim Kim, Gira Kim, Dohee Kim, Dongyeon Kim, Seungyeon Kim, Yoonshin Kim, Janghee Kim, Taehyeop Kim, Jeongran Roh, Kyung Lee, Ye-eun Min, Seo-Bo Park, Seok-Won Park, Bang & Lee, Jihyun Bae, Seunghun Byun, Kyuchul Ahn, Soonyul Yang, Jeonghwa Yang, Jongtaek Woo, Sungwon Won, Hee Yoo, Myungro Yoon, Gangso Lee, Sangmin Lee, Sanghyun Lee, Soonjong Lee, Seungjoh Lee, Yeeun Lee, Yongdeok Lee, Yongbaek Lee, Kyeongseon Jung, Bowon Jung, Hyun Jung, Hyejin Jeong, Yoosung Je, Myoungyoung Choi, Byungso Choi, Chulyong Choi, Yangji Tak, Pixel Kim, Sub Ham, Kyu Tai Hwang, Black Jaguar

The Show Must Go On: Yang Yang

‘여행하는 예술가의 포트폴리오‘를 콘셉트로 시공간의 제약을 넘어 지속되어 온 TSMGO(The Show Must Go On) 프로젝트가 양양군 현남면의 복합문화공간 힐러스(Hillers)에서 새로운 전시를 선보인다. 2011년부터 이어져 온 TSMGO는 토탈미술관이 기획한 이동형 전시 프로젝트로, “쇼는 계속되어야 한다”라는 슬로건 아래 팬데믹과 같은
사회적 제약과 시공간의 한계를 넘어 예술적 실천을 지속해 왔다.

TSMGO 프로젝트는 작가에게 ‘포트폴리오 여행 가방‘을 의뢰하는 것에서 출발한다. 이 여행 가방은 작가의 세계관을 응축한 작은 전시장으로, 도록이나 포트폴리오보다 입체적이고 대형 작품보다 유연하다. 이는 마르셀 뒤샹의 <La Boîte-en-valise 여행용 가방>에서 착안한 것으로, TSMGO는 이를 오늘날의 맥락 속에서 재해석하고 확장한다.
여행 가방을 매개로 한 전시는 보편적으로 전시장이 갖추어야 할 물리적 조건에서 비교적 자유로우며, 어디서든 열릴 수 있는 새로운 전시 형식을 제안한다. 참여 작가는 작품, 전시, 포트폴리오, 작가 노트 등을 집약하거나, 작품 세계관의 주요 장면을 발췌해 가방을 제작한다. 이렇게 완성된 가방은 이동하며 관객과 만나는 새로운 전시 형식이 되며, 화이트 큐브에 한정되지 않고 협소한 공간, 도서산간 지역, 제한된 예산 속에서도 전시가 가능하도록 설계되었다.

이번 전시는 특히 전문 전시 공간이 전무한 양양군 현남면에서 개최된다는 점에서 주목할 만하다. TSMGO는 현대미술에 대한 지역 주민의 접근성을 높이고, 동시대 예술가의 지역 기반 활동을 활성화하는 기반을 마련하고자 한다. 전시는 복합문화공간 힐러스(전시실, 워크스페이스, 카페, 객실, 온실) 전반에 스며들며, 특정한 공간에 국한되지 않고 관객의 ‘머무름과 이동‘에 따라 자연스럽게 열린다. 가방은 책상 위, 소파 곁, 온실의 식물 사이 등 일상의 공간에 자리 잡으며, 관객은 여행 가방이라는 친숙한 매개체를 통해 일상의 순간이나 여행의 경로에서 우연히 작품과 마주하게 된다. 전시는 관객이 도록을 펼쳐 읽거나 작품을 꺼내어 직접 배치하는 과정을 통해 끊임없이 변주되면서, 관객이 예술과 일상이 맞닿는 지점을 스스로 발견하고 경험하도록 유도한다.

나아가 이 프로젝트는 특정 지역에 머무르지 않고 다른 지역으로 확장될 수 있는 잠재력을 지니며, 예술은 어디든 도달할 수 있다는 메시지를 전달한다. 전시는 관객이 삶 가까이에서 예술을 경험하는 계기를 마련하는 동시에, 아티스트 토크와 워크숍 등 연계 프로그램을 통해 작가와의 직접적인 만남을 경험하게 할 예정이다.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)

날짜 | 2025. 10. 15(수) – 11. 15(토)
장소 | 힐러스(강원도 양양군 현남면 북죽로 112-2)
참여작가 | 권오상, 김도균, 노순택, 민예은, 윤석남, 양정화, 이순종, 이예은, 장파, 조영주, 홍이현숙, 흑표범
주최/주관 | 힐러스
기획 | 토탈미술관
총괄기획 | 신보슬
디자인 | 정진열
후원 | (주)예술경영지원센터/문화체육관광부/지역전시활성화사업

Building on the concept of the “Portfolio of a Traveling Artist,” the long-running project TSMGO (The Show Must Go On) presents a new exhibition at Hillers, a multi-purpose cultural complex located in Hyeonnam-myeon, Yangyang-gun. Initiated in 2011, TSMGO is a mobile exhibition project organized by Total Museum of Contemporary Art. Under the slogan “The Show Must Go On,” the project has continued artistic practice beyond the constraints of time, place, and social circumstances—including the pandemic.

TSMGO begins by commissioning each artist to create a “portfolio suitcase.” This suitcase functions as a compact exhibition space encapsulating the artist’s worldview—more spatial than a catalogue or portfolio, yet more flexible than a large-scale work. Inspired by Marcel Duchamp’s La Boîte-en-valise, the project reinterprets and expands this historical reference within a contemporary context.
Exhibitions mediated through the suitcase are relatively free from the physical conditions typically required by conventional exhibition venues, proposing a new form of display that can unfold anywhere. Participating artists compile works, documentation, portfolios, or extracts of key scenes from their artistic universe to build their own suitcase. Once completed, each suitcase becomes a mobile exhibition that travels to meet audiences, enabling presentations outside the confines of the white cube—even within small spaces, remote regions, or under limited budgets.

This exhibition is particularly notable in that it is held in Hyeonnam-myeon, Yangyang-gun, where no dedicated contemporary art venue currently exists. TSMGO seeks to broaden local access to contemporary art and to support the development of regionally grounded artistic practice. The exhibition permeates the various facilities of Hillers (gallery, workspace, café, guestrooms, and greenhouse) and unfolds organically according to the visitors’ own “stay and movement,” rather than being confined to a single location. The suitcases are placed on desks, beside sofas, or among plants in the greenhouse—spaces embedded in everyday life—allowing audiences to encounter artworks through the familiar medium of a travel bag, whether in the midst of daily routines or along their personal itineraries.
The exhibition continually shifts as visitors open the suitcases, read accompanying materials, or take out and arrange works themselves, encouraging them to discover and experience the point at which art and everyday life converge.

Furthermore, the project holds the potential to expand beyond its current site to other regions, underscoring the message that art can reach anywhere. In addition to the exhibition, public programs such as artist talks and workshops will offer opportunities for direct engagement with participating artists, bringing art even closer to everyday life.

The Short History of TSMGO

2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, South Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 Los Angeles, USA|
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, South Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yangyang, South Korea (exhibition version)

Dates 15 October (Wed) – 15 November (Sat), 2025

Venue Hillers(112-2 Bukjuk-ro, Hyeonnam-myeon, Yangyang-gun, Gangwon-do, South Korea)

Participating Artists Kwon O-sang, Kim Do-kyun, Noh Suntag, Min Yeeun, Yun Suknam, Yang Junghwa, Lee Soonjong, Lee Yeeun, Jang Pa, Cho Youngjoo, Hong Yi-hyun-sook, Black Panther

Hosted and Organized by Hillers

Curated by Total Museum of Contemporary Art

Chief Curator Nathalie Boseul SHIN

Design Jung Jinyul

Supported by
Arts Management Support Center / Ministry of Culture, Sports and Tourism / Regional Exhibition Revitalization Program

일(ㄱ)자회 TMCA Sunday Book Club

일(ㄱ)자회는 2022년 토탈미술관 기획전시 《비커밍의 기술(Techniques of Becoming)》 연계 워크숍에서 시작되어, 정기 모임으로 자리 잡은 토탈미술관의 예술 독서 커뮤니티입니다.

매주 일요일에 진행되는 일(ㄱ)자회는 매달 한 권의 도서를 선정해 미술관에 모여 함께 읽고, 각자의 생각을 자유롭게 나누는 방식으로 운영됩니다. 책을 미리 완독한 뒤 정밀한 해석을 공유하기보다, 느슨하고 유연한 대화 속에서 감상과 질문을 함께 확장해가는 모임입니다.

예술가의 창작과 삶에 깊은 영향을 준 책부터, 예술가가 직접 집필한 도서까지, 다양한 도서가 일(ㄱ)자회의 추천 도서가 됩니다. 또한 매달 마지막 일요일에는 ‘야외 읽기’ 프로그램을 통해 여행, 공연, 비엔날레, 사찰 투어 등 다채로운 장소에서 모임을 확장하며, 책과 예술을 매개로 한 공동의 경험을 함께 만들어갑니다.

참석 인원과 읽을 분량, 해석의 방향은 아무것도 정해지지 않습니다. 일(ㄱ)자회는 자유로운 함께 읽기를 지향합니다.

참여신청 | 구글폼 작성(클릭)

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2026년 3월의 일(ㄱ)자회

추천도서 | 예술단체마리모 레지던시 입주 작가들의 협업 과정을 담은 공동 창작 아카이브 출판물 『마지막 책: 우리는 올해도 손을 잡습니다』와, 마르그리트 뒤라스와 장-뤽 고다르의 『뒤라스고다르 대화』를 읽습니다.

일정 | 자유읽기 4월 5일, 12일, 19일(토탈미술관) / 야외읽기 4월 26일(서울책보고)
*야외읽기 경비는 별도입니다.

도서 추천 작가 | 최건 (b.1973)
1999년 그래피티를 시작한 최건은 ‘그래피티란 무엇인가’라는 근원적 질문을 끊임없이 다시 돌아보게 만드는 다양한 방식의 그래피티(라고 부를 수 있을지조차 애매한)를 실험하고 있다. 거리에서 이뤄지는 작업을 소재, 대상의 구분 없이 끌어들여 오거나 택배, 방, 흙, 가구, 액션캠, 건물, 천, 지도 앱 등으로 이것저것 발명한다.
유전적 병증을 계기로 나를 벗어난 시각은 어떻게 가능할까 고민하던 중 사물이 보는 것을 ‘물경(thingscape)’으로 이름 붙이고, ‘물경’에 접근하는 여러가지 방법을 궁리하고 있다.

추천사 |
“우리 4월에는 대화를 하시지요.

그런 대화가 있습니다.
마주보고 서너 시간인데 오해에서 한 뼘 정도 밖에 나아가지 못하는 그런.
구글캘린더에 적고 나에게 내가 카톡을 보내고도 하고 싶은 말, 해야 할 말은 정작 한 마디도 할 수 없던.

지난여름 ‘공감은 어떻게 가능할까요?’라는 물음으로 지원한 레지던시에서 그림을 그리고 이야기를 나눴습니다. 시를 쓰고 서로 주고받은 편지를 모아 이정식 작가님이 책으로 만들어주셨어요.
잠을 자고 해가 바뀌고 지하철을 타고 가다 그런 생각이 들었습니다.
거창하게 말하자면 결국 그건 ‘대화란 무엇일까’였나 싶어요.

느릿느릿 에둘러 가지만 끊이지 않는 『마지막 책』이 있다면
간주 점프에 이은 취소 버튼 누르기 『뒤라스x고다르 대화』도 있습니다.

고다르: 네, 하지만 워낙 말씀을 잘하시잖아요. 프로이트는 말을 매우 잘했는데, 의사가 이런 재능이 있으면…
뒤라스: 재능이 있든 말든, 나는 얘기하길 시도하고 자네는 내 얘기를 죄다 알아듣지 않나!
– 마르그리트 뒤라스, 장-뤽 고다르, 『뒤라스x고다르 대화』, 신은실 옮김, (주)문학과지성사, 2024.

4월에는 우리 이야기를 하시죠.”

역대 일(ㄱ)자회 기록 보러 가기

TMCA Sunday Book Club began as a reading workshop held in conjunction with the Total Museum’s 2022 exhibition 《Techniques of Becoming》, and has since evolved into a regular, ongoing reading community hosted by the museum.

Held every Sunday, TMCA Sunday Book Club selects one book each month and gathers at the museum to read and exchange thoughts. Rather than requiring participants to complete the book in advance or offer thorough analyses, the group fosters open-ended and flexible discussions that allow personal impressions and questions to naturally unfold.

Reading selections range from books that have profoundly influenced the lives and practices of artists, to works authored by artists themselves. On the last Sunday of each month, the group expands its scope through an “Outdoor Reading” program, which explores diverse locations such as travel destinations, performances, biennales, and temple tours—creating shared experiences centered around books and art.

There are no fixed rules about attendance, reading pace, or interpretive direction. TMCA Sunday Book Club values the freedom of reading together.

How to Join: Submit your registration via the Google Form(Click here)

TMCA Sunday Book Club in April 2026

Book of the Month | A collaboratively produced archival publication documenting the working process of resident artists at the Marimo Art Collective Residency, The Last Book: We Hold Hands Again This Year,
and Duras/Godard: Dialogues by Marguerite Duras and Jean-Luc Godard.

Schedule | Free Reading: April 5, 12, 19(at Total Museum) / Outdoor Reading: April 26 (at Seoul Chaekbogo)
*Please note: additional costs apply for Outdoor Reading.

Book Recommended by | Gun CHOE (b. 1973)

Since beginning graffiti in 1999, Choi Geon has been experimenting with various forms of what might—or might not—be called graffiti, constantly revisiting the fundamental question: What is graffiti? His practice draws from and intervenes in street-based work, unconstrained by materials or subject matter. From delivery boxes, rooms, soil, furniture, and action cameras to buildings, fabric, and map apps, he invents through an eclectic range of mediums and situations.

Prompted by a genetic illness, he began to question the possibility of seeing beyond the self. This led him to coin the term “thingscape”, referring to what is seen by objects rather than by humans. He continues to explore and devise multiple approaches to access this nonhuman perspective.

Endorsement |
“Let Us Talk in April.

There are conversations like this:
you sit face to face for three or four hours, yet move no more than an inch beyond misunderstanding.
You write it down in your Google Calendar, even send yourself a message on KakaoTalk,
and still, not a single word of what you wanted—or needed—to say is ever spoken.

Last summer, at a residency I applied to with the question,
“How is empathy possible?”
I painted, and we talked.
We wrote poems, exchanged letters, and later, Lee Jungsik compiled them into a book.

Falling asleep, the year turning, riding the subway—
I found myself thinking:
perhaps, in the end, it was all about a larger question—
what is conversation?

There could be The Last Book—
a conversation that moves slowly, circuitously, yet never ceases.
And then there is Duras/Godard: Dialogues—
jumping across interludes, only to press cancel.

“Godard: Yes, but you speak so well. Freud spoke very well, and when a doctor has such a gift…
Duras: Gift or no gift—I try to speak, and you understand everything I say!”
— Marguerite Duras and Jean-Luc Godard, Duras/Godard: Dialogues,
trans. Shin Eunsil (Seoul: Munhakgwa Jisungsa, 2024).

In April, let us speak—of our own stories.”

픽셀 김 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》

토탈미술관은 예술을 매개로 지역의 예술 커뮤니티를 개발하고 문화예술 플랫폼을 구축하는 다양한 프로젝트를 진행해왔다. 거제의 아그네스 파크와 협업하여 개최한 연례전시는 지역의 문화예술에 대한 접근성을 높이고, 동시대 예술가의 지역 기반 활동을 활성화하고자 기획되었다. 토탈미술관은 실험적이고 도전적인 작품으로 주목받는 신진 작가부터 한국 미술을 대표하는 국제적인 작가까지 아우르며 동시대 한국미술의 동향을 볼 수 있는 기회를 제공한다.

본 전시에서 소개하는 픽셀 김은 일상의 경험과 사회적 사건을 자신만의 조형 언어인 ‘픽셀’로 조각내어 재구성하는 작업을 통해 독자적인 작품 세계를 구축한 작가이다. 그의 작품은 선율이 느껴지는 드로잉과 과감한 색채의 변주를 통해 많은 이들에게 순수한 시각적 즐거움을 선사해왔다.

《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》은 2015년 작가의 첫 개인전 이후 10년이 흐른 시점에서, 작가와 작품에 대한 비평적 해석을 잠시 유보한 채 그의 예술 세계가 어떻게 성장하고 확장되었는지를 살펴본다. 이를 위해 전시는 예술가가 구축한 세계와 그 안의 감각을 공유하는 자리를 마련하며, 작가의 가장 내밀한 장소이자 작품과 일상이 맞닿아 있는 작업실과 긴밀한 연결을 맺는다.

픽셀 김이 작업실을 떠올리며 직접 지은 전시 제목, “꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간”은 수많은 꿈과 기억을 기록하며, 자신만의 규칙과 리듬을 따라 살아가는 삶과 작업 방식을 반영한다. 또한 그의 작업실이 지닌 시공간적 특성은 전시 구조의 토대를 이루며, 작가가 세상을 감각하는 층위를 다층적으로 시각화한다.

일시: 2025년 6월 3일(화) ~ 12월 28일(일) 매주 월요일 휴관
장소: 아그네스 파크 아트 스페이스
기획: 토탈미술관
큐레이터: 김민선
코디네이터: 김서연
주최: 아그네스 파크
사운드 디자인: 장혜민
도움: 김성원

*아래 내용을 클릭하시면 링크로 연결됩니다.

아그네스 파크 홈페이지
작가의 작업실 방문하기(영상)

Total Museum of Contemporary Art has been working on various projects to develop local art communities and build cultural platforms through art. The annual exhibition, organized in collaboration with Agnes Park in Geoje, aims to increase accessibility to local culture and art and to revitalize the community-based activities of contemporary artists. From emerging artists whose experimental and challenging works have garnered attention to international artists representing Korean art, Total Museum of Contemporary Art provides an opportunity to see the trends in contemporary Korean art.

Pixel Kim, who is featured in this exhibition, has established a unique body of work by fragmenting and reconstructing everyday experiences and social events into his own sculptural language of ‘pixels’. Through his melodious drawings and bold color variations, Kim’s work has provided many people with pure visual pleasure.

Ten years after the artist’s first solo exhibition in 2015, “Dream Space and the Temporal Space of Alarms“ examines how his artistic world has grown and expanded, putting critical interpretations of the artist and his work on hold. To this end, the exhibition creates a space to share the world the artist has constructed and the sense of being in it, and establishes a close connection with the artist’s most intimate place, his studio, where his work and daily life intersect.

The exhibition’s title, “The Dream Space and the Time Space of the Alarm,” which Pixel Kim chose himself while recalling his studio, reflects the way he lives and works, recording countless dreams and memories, and following his own rules and rhythms. The spatial and temporal characteristics of his studio also form the basis of the exhibition’s structure, visualizing the layers through which the artist perceives the world.

Dates: June 3 (Tue) – December 28 (Sun), 2025 (closed every Monday)
Venue: Agnes Park Art Space
Organized by Total Museum of Contemporary Art
Curator: Minseon Kim
Coordinator: Seoyeon Kim
Host: Agnes Park
Sound Design: Hye Min Chang
Thanks to Sungwon Kim

월요살롱 Monday Salon

작업과 생각이 만나는 작은 살롱

토탈미술관의 ‘월요살롱’은 매주 월요일 오후 3시, 미술관에서 열리는 비공식 예술 대화 프로그램입니다. 이 프로젝트는 프랑스 출신 조각가 루이스 부르주아(Louise Bourgeois)가 뉴욕 자택에서 열었던 ‘Sunday Salon’에서 영감을 받아 시작되었습니다. 부르주아의 살롱처럼, 월요살롱 또한 작품을 중심으로 작가와 다양한 배경의 사람들이 모여 느슨하지만 진지한 대화를 나누는 자리입니다.

월요살롱은 완성된 작품이나 발표뿐 아니라, 진행 중인 아이디어와 고민, 스케치 단계의 생각, 말로 다듬어지지 않은 감각까지도 자유롭게 나눌 수 있는 자리입니다. 시각예술뿐만 아니라 문학, 디자인, 건축, 기술, 환경 등 다양한 분야의 크리에이터들이 함께하며, 각자의 질문과 경험이 다른 이의 관점과 만나며 새로운 연결과 가능성을 만들어내고자 합니다.

미술관이 휴관인 월요일 오후, 전시의 조명이 꺼진 공간에서 열리는 이 작은 모임은, 오히려 예술의 본질에 더 가까이 다가가는 실험의 장이 됩니다.

일시: 매주 월요일 오후 3시
장소: 토탈미술관 (서울 종로구 평창동)
참가 방법: 비공개 또는 회차별 신청제 (공지사항 참고)
문의: info@totalmuseum.org

“3시 정각에 다시 오세요!”
뉴욕 첼시, 루이스 부르주아의 집 앞에서 시작된 작은 문장처럼, 토탈미술관의 월요살롱도 매주 정각에 조용히 문을 엽니다.

An intimate gathering of works in progress and shared thoughts

Monday Salon is a weekly informal gathering held every Monday at 3 PM at Total Museum of Contemporary Art. Inspired by Louise Bourgeois’s legendary Sunday Salons in her Chelsea home, this program invites creators from various fields to engage in open-ended, thoughtful conversations around art, ideas, and process.

Rather than focusing solely on completed works or formal presentations, Monday Salon welcomes works in progress, unpolished thoughts, sketches, and lingering questions. It is a space for sharing artistic and intellectual processes as they unfold — not as outcomes, but as beginnings.

The salon brings together creators from diverse disciplines — including visual art, literature, design, architecture, technology, and ecology — encouraging cross-disciplinary exchange and unexpected encounters. Each session offers an opportunity to listen, speak, and reflect in a relaxed but attentive setting.

On Monday afternoons, when the museum is officially closed and the lights in the exhibition halls are dimmed, this quiet gathering becomes a space where art might come closest to its essence.

Time: Every Monday at 3 PM
Location: Total Museum of Contemporary Art, Pyeongchang-dong, Seoul
Participation: By invitation or session-based registration (see announcements)
Contact: info@totalmuseum.org

“Come back exactly at 3 PM.”
As Louise Bourgeois once said through the glass door of her home, Monday Salon opens quietly, every week, right on time.

뉴욕 첼시에 있는 팥 앙금 같은 빛깔의 집에 도착했다. 7개의 가파른 계단을 올라가 벨을 눌렀다. 경계심을 잔뜩 얼굴에 담은 한 중년 여자가 이중 유리문 너머에서 소리쳤다.
“ 3시 정각에 다시 오세요!”
일요일 오후 3시 정각. 루이스 부르주아의 집에서 ‘선데이 살롱’이 열리는 날이다. 미대생, 화가, 시인들이 집 앞에 모여들었다. 23명이 각자의 작품을 들고 부르주아의 집에 한 줄로 서서 들어갔다. 좁고 낡은 현관 복도를 지나자 더 낡은 거실이 나왔다. 조그만 의자가 네모꼴로 놓여 있었고, 실내는 저녁처럼 어두웠다. 거실은 마치 두 개의 뇌가 마주 보고 있는 모습 같다. 오른쪽엔 책장이 벽 한가득, 왼쪽 베니어 판에는 부르주아의 전시 스크랩이 다닥다닥 붙어 있다. 마티스의 말년 작업인 오려진 색종이가 유일한 다른 작가의 작품인 듯했다. 부르주아의 조그만 작업 책상엔 손님들을 위한 음료와 술, 초콜릿이 준비되어 있었고 한편엔 수북이 쌓인 미술 도구들과 서류 더미들이 있었다. 4개의 고물 램프들이 각자의 빛을 밝히고 있었고 오래된 철제 캐비닛 더미들은 책상을 지지했다. 책상 뒤 편엔 바나나 우윳빛 페인트 칠이 바랜 개선문같이 생긴 입구가 있었는데 그곳의 간유리 문은 거실과 부엌을 구분 짓고 있었다. 부르주아 같은 대가가 이런 곳에서 산다니 믿어지지 않을 정도로 검소한 집이었다. 그는 평생을 아주 부유하게 산 사람인데, 작업을 제외한 다른 곳에는 일절 에너지를 낭비하지 않는 작가다운 열정이 전해졌다(그는 고령임에도 작업량이 상당하다). 세련된 내면에 더 마음이 끌리는 이곳이 나는 차츰 좋아졌다.

3시 45분, 모마(MoMA)의 전 큐레이터이자, 상파울루 비엔날레 디렉터였던 파울로 헐켄호프(현 리우데자네이루 MNBA미술관 디렉터)의 도움을 받으며 부르주아가 워커에 의지해 천천히 거실로 들어왔다. 130cm 정도의 키에 바짝 마른 몸, 가느다란 발목엔 검정 양말과 고동색 운동화를 신었다. 은회색 카디건, 흰 티셔츠, 금빛 귀고리, 흰 모자…. 그가 빨간 모직 담요를 무릎에 덮으며 책상 옆 파란 소파에 앉았다. 그 모습은 마치 17세기 네덜란드 초상화에서 튀어나온 것 같았다. 사람들을 쳐다보는 눈빛이 반짝거렸다. 마음씨 좋은 할머니같다가도 얼핏 스치는 인상은 날카롭고 다부졌다.

시계 반대 방향으로 23명의 사람들의 자신의 작품에 대한 설명이 시작되었고 파울로는 의견을 이야기했다. 방 안의 열기는 대단했다. 부르주아는 딱 한 번, 친구인 필리스가 시를 낭송할 때 박수를 쳤고 그 외의 작품에는 연신 고개를 끄덕이며,“ 오케이, 오케이”,“ 화인!”,“베리 나이스!”,“ 댓스 굿!”같은 짧은 말들을 성의있게 소리냈다. 저녁 6시 30분, 인사를 하고 손때 묻은 가죽 책 같은 그 집을 나섰다.”

(루이스 브루주아와의 인터뷰, 2008.10.28. GQ에서 발췌)

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Arriving at a House the Color of Red Bean Paste in Chelsea, New York

I arrived at a house in Chelsea, New York, its color reminiscent of red bean paste. Climbing the seven steep steps, I rang the doorbell. A middle-aged woman, her face filled with caution, shouted from behind the double-glass door,
“Come back exactly at 3 PM!”

It was Sunday afternoon, precisely 3 PM — the time for Sunday Salon at Louise Bourgeois’s home. Art students, painters, and poets had gathered outside, each holding their own works. One by one, the 23 visitors entered the house, forming a line. Passing through a narrow, aged hallway, we stepped into an even more worn living room. Small chairs were arranged in a square. The dimly lit room felt like dusk had already fallen.

The space felt like two brains facing each other — one wall lined with bookshelves, the other paneled with plywood covered in clippings from Bourgeois’s past exhibitions. The only artwork by another artist seemed to be a paper cutout from Matisse’s late period. On Bourgeois’s small work desk were drinks, alcohol, and chocolates for the guests, alongside heaps of art materials and stacks of documents. Four antique lamps cast their individual glows, and a pile of old steel cabinets supported the desk. Behind it stood an archway painted in faded banana milk color, resembling a miniature triumphal arch. Its frosted glass door separated the living room from the kitchen.

It was hard to believe that a great figure like Louise Bourgeois lived in such modest surroundings. She had lived a life of wealth, yet you could feel her artist’s passion in how she spared no energy outside her work. Despite her age, her artistic output was still formidable. The more time I spent in this house, the more I grew to love its quiet elegance and inner sophistication.

At 3:45 PM, with the help of Paulo Herkenhoff — former curator at MoMA and director of the São Paulo Biennale, now director of MNBA in Rio de Janeiro — Bourgeois entered the living room with the aid of a walker. She stood about 130 cm tall, with a slender frame. On her thin ankles were black socks and brown sneakers. She wore a silver-gray cardigan, a white T-shirt, golden earrings, and a white hat. She settled into a blue sofa next to her desk, a red wool blanket draped over her knees. She looked like a figure straight out of a 17th-century Dutch portrait. Her eyes sparkled as she scanned the room. At times, she seemed like a kindly grandmother; at others, there was a flash of sharp intensity and quiet strength.

Going counterclockwise, each of the 23 visitors introduced their work. Paulo offered his insights. The energy in the room was palpable. Bourgeois clapped only once — when her friend Phyllis recited a poem. For the rest, she nodded earnestly and responded with short, sincere phrases:
“Okay, okay.”
“Fine!”
“Very nice!”
“That’s good!”

At 6:30 PM, we said our goodbyes and stepped out of that house — worn like a well-loved leather book.

(Excerpt from an interview with Louise Bourgeois, GQ Korea, October 28, 2008)

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