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50년의 역사를 넘어, 다시 ‘0년’에 서다

토탈미술관은 개관 50주년을 맞아 특별전 《한국미술 0년: 42개의 이야기》를 개최한다.

1976년 서울 동숭동 토탈갤러리에서 출발해 장흥을 거쳐 평창동에 자리 잡은 토탈미술관은 지난 반세기 동안 한국현대미술의 다양한 실험과 함께해 왔다. 이번 전시는 그 역사를 기념하는 회고전이 아니라, 한국미술이 어디에서 다시 시작될 수 있는가라는 질문에서 출발한다.

전시 제목의 ‘0’은 아무것도 없는 상태를 의미하지 않는다. 끝과 시작이 맞닿는 지점이자, 익숙한 기준과 질서가 흔들리면서 새로운 질문이 발생하는 자리다.

《한국미술 0년: 42개의 이야기》는 1903년 하와이 이주에서 오늘에 이르기까지 120여 년의 시간을 가로지르며, 서로 다른 시대와 문맥에서 탄생한 작품과 이미지, 개인의 기억과 사회적 사건을 새롭게 연결한다.

전시는 미술관 전관을 비롯해 지하와 별관, 정원과 옥상, 건물 외부의 허공까지 아우르며 펼쳐진다. 전시실과 복도, 계단 등 건축물 내부뿐 아니라 미술관을 둘러싼 외부 환경까지 전시의 영역으로 끌어들인다.

42개의 스토어프런트(storefront)는 각각 독립적인 이야기이면서도 서로 느슨하게 연결된다. 하나의 연대기나 미술사적 계보를 따라가는 대신, 이질적인 작품들이 만날 때 발생하는 질문과 긴장에 주목한다. 관람객은 미술관의 안과 밖을 이동하며 서로 다른 시간과 작품, 사건과 기억 사이에서 자신만의 연결과 해석을 만들어갈 수 있다.

이번 전시를 관통하는 중요한 질문은 ‘난세 속에서 예술은 무엇을 할 수 있는가’이다. 지난 100여 년 동안 한국 사회와 세계는 식민과 전쟁, 분단과 이주, 산업화와 민주화, 급격한 기술 발전과 사회적 변화를 겪어왔다. 예술가들은 이러한 현실 속에서 저마다의 방식으로 세계를 인식하고 대응해 왔다.

전시는 이러한 예술적 실천을 근원적인 ‘애도’의 문제와 연결한다. 여기에서 애도는 개인적인 상실에 대한 슬픔에 머무르지 않는다. 사라져가는 것들을 기억하고, 시대의 상처를 마주하며, 그럼에도 다시 살아갈 가능성을 발견하는 예술의 태도와 맞닿아 있다.

곽덕준의 저울 작업은 이번 전시의 제목을 상징적으로 보여준다. 저울 위에 돌 하나가 놓여 있지만 바늘은 ‘0’을 가리킨다. 돌의 무게가 사라진 것일까, 아니면 무게를 측정하는 시스템이 제대로 작동하지 않는 것일까. 이 역설적인 장면에서 ‘0’은 무(無)가 아니라, 기존의 척도가 더 이상 세계를 온전히 설명하지 못하는 순간을 드러내는 기호가 된다.

미술관 정원에서는 홍명섭이 스테인리스 선과 다채로운 색의 줄을 이용해 건축물과 외부 공간을 가로지르는 작업을 선보인다. 선들은 땅과 건물, 허공을 연결하며 미술관의 외부 공간 전체를 하나의 거대한 공간 드로잉으로 확장한다. 그 곁에서 김구림은 “Art냐, Mart냐, Arty냐”라는 질문을 통해 예술과 시장, 예술적인 것과 상품적인 것의 경계를 흔든다.

전시의 첫 번째 이야기에서는 문형민의 ‘비키니 버진(Bikini Virgin)’과 이용백의 ‘피에타(Pietà)’가 마주한다. 대량소비문화의 이미지와 태평양 비키니 환초에서 이루어진 핵실험의 역사, 자식을 잃은 어머니의 애도가 한 공간에서 교차한다. 서로 무관해 보이는 이미지와 사건의 충돌은 이번 전시가 이야기를 구성하는 방식을 보여준다.

한편, 문형민이 초로 제작한 미키마우스는 소비문화와 자본주의의 상징을 소멸하는 형상으로 바꾸어 놓는다. 미술관 지하의 검은 쥐와 별관의 붉은 쥐는 전시 공간을 가로지르며 반복적으로 등장하고, 관람객은 그 이미지가 변주되는 과정을 경험한다.

전시의 마지막 이야기는 김범의 영상 회화 작품 〈노란 비명〉이다. 작가는 노란색 물감을 칠하는 행위와 다양한 높낮이의 비명을 결합해 색채와 목소리, 붓질과 감정을 하나의 행위로 연결한다.

50주년을 상징하는 황금빛 기념비 대신, 끊임없이 변화하는 목소리와 감정이 뒤섞인 노란 비명이 전시의 마지막을 장식한다. 그 곁에는 신미경의 〈코레(Kore)〉와 주재환의 〈계단을 내려오는 봄비(오줌을 누는 소년)〉 등 신화와 일상, 죽음과 재생을 환기하는 작품들이 함께 놓인다.

그렇게 전시는 다시 처음의 ‘0’으로 돌아간다.

《한국미술 0년: 42개의 이야기》는 하나의 한국미술사를 제시하거나 지난 역사를 완결된 이야기로 정리하지 않는다. 서로 다른 시대의 작품과 이미지, 개인의 기억과 사회적 사건을 연결하며 아직 발견되지 않은 관계와 새로운 해석의 가능성을 열어둔다.

미술관의 안과 밖, 땅과 허공까지 전시의 공간이 되는 이번 특별전은 토탈미술관의 50년을 돌아보는 동시에, 예술이 난세를 통과하면서 무엇을 기억하고 애도하며 새롭게 상상할 수 있는지를 묻는다.

전시명 | 한국미술 0년: 42개의 이야기

참여작가 | 곽덕준, 곽인식, 공성훈, 그레고리 마스, 금누리, 김구림, 김두진, 김범, 김보라, 김봉준, 김석환, 김승연, 김양동, 김욱규, 김윤신, 김주영A, 김주영B, 김태협, 김효연, 남궁환, 노순택, 듀킴, 루킴, 문서진, 문형민, 박경/스토어프론트, 박기일, 박서보, 박이소, 방앤리, 백남준, 빠키, 서용선, 서효정, 성능경, 성완경, 성찬경, 손상기, 송성진, 송호준, 신미경, 심문섭, 심정수, 야요, 얄루, 오묘초, 오민, 우보경, 유현미, 이강소, 이건용, 이도영, 이순종, 이승택, 이용백, 이웅철, 이윰, 이은정, 이상현, 장지아, 정다운, 정민수, 주재환, 차학경, 최성호, 필승, 홍명섭

프리뷰 기간 | 2026. 10. 16(금) – 2026. 10. 24(토)
전시 기간 | 2026. 10. 25(일) – 2027. 2. 28(일)

관람시간 | 17:30 입장 마감

관람은 오후 1시부터 30분 간격으로, 오후 5시 30분까지 총 10회차로 운영됩니다.

13:00 / 13:30 / 14:00 / 14:30 / 15:00/ 15:30 / 16:00 / 16:30 / 17:00 / 17:30

행정실장 | 원윤희

후원 | 한국문화예술위원회, 시각예술 창작주체

** 한국문화예술위원회 시각예술 창작주체 선정사업

Beyond 50 Years of History: Standing at Year Zero Once Again

To mark its 50th anniversary, the Total Museum of Contemporary Art presents the special exhibition Korean Art Year Zero: 42 Stories.

Founded in 1976 as Total Gallery in Dongseung-dong, Seoul, and later moving to Jangheung before establishing its current home in Pyeongchang-dong, Total Museum has been a vital part of experimental practices in Korean contemporary art for the past half-century. Rather than presenting a retrospective celebrating its own history, this exhibition begins with a question: Where might Korean art begin again?

The “zero” in the exhibition’s title does not signify emptiness or absence. It marks a point where endings and beginnings converge—a moment when familiar standards and established orders are unsettled, giving rise to new questions.

Spanning more than 120 years, from Korean migration to Hawaii in 1903 to the present day, Korean Art Year Zero: 42 Stories brings together artworks and images created across different periods and contexts, reconnecting them with personal memories and historical and social events.

The exhibition unfolds throughout the museum, extending beyond its galleries into the basement, annex, garden, rooftop, and even the open air surrounding the building. Corridors, stairways, and other interior architectural spaces become part of the exhibition, while the museum’s outdoor environment is also brought into its expanded spatial framework.

The 42 storefronts are conceived as distinct yet loosely interconnected stories. Rather than following a single chronology or established art-historical lineage, the exhibition focuses on the questions and tensions that emerge when seemingly unrelated works encounter one another. As visitors move between the museum’s interior and exterior spaces, they are invited to discover their own connections and interpretations among different times, artworks, events, and memories.

A central question runs throughout the exhibition: What can art do in times of turmoil? Over the past century and more, Korean society and the wider world have experienced colonialism, war, national division, migration, industrialization, democratization, rapid technological development, and profound social transformation. Artists have responded to these realities in their own distinct ways, seeking to understand and engage with the world around them.

The exhibition connects these artistic practices to the fundamental question of mourning. Here, mourning extends beyond grief over personal loss. It is understood as an artistic attitude: remembering what is disappearing, confronting the wounds of history, and discovering the possibility of continuing to live despite them.

One work that symbolically embodies the exhibition’s title is Kwak Duck-jun’s scale piece. A stone rests on a scale, yet its needle points to zero. Has the stone lost its weight, or has the system intended to measure it ceased to function properly? In this paradoxical image, zero signifies not nothingness, but the moment when established systems of measurement and judgment can no longer adequately explain the world.

In the museum garden, Hong Myung-seop presents an installation using stainless-steel lines and multicolored cords that traverse the architecture and surrounding outdoor space. Connecting the ground, the building, and the open air, these lines transform the museum’s exterior into an expansive spatial drawing. Nearby, Kim Kulim poses the question, “Art? Mart? Arty?” challenging the boundaries between art and the marketplace, and between artistic expression and commercial value.

The exhibition’s first story brings together Moon Hyeong-min’s Bikini Virgin and Lee Yongbaek’s Pietà. Images associated with mass consumer culture intersect with the history of nuclear testing at Bikini Atoll in the Pacific and the mourning of a mother who has lost her child. The encounter between seemingly unrelated images and historical events exemplifies the exhibition’s approach to constructing relationships between works.

Elsewhere, Moon Hyeong-min’s Mickey Mouse, made from candle wax, transforms an icon of consumer culture and capitalism into a figure destined to melt and disappear. A large black mouse in the basement and a small red mouse in the annex reappear in different forms as visitors move through the exhibition, allowing them to experience the recurring image and its transformations.

The exhibition’s final story centers on Kim Beom’s video painting Yellow Scream. The artist combines the act of applying yellow paint to a canvas with screams of varying pitches, bringing together color, voice, brushwork, and emotion in a single artistic act.

Instead of a golden monument commemorating the museum’s 50th anniversary, the exhibition concludes with a yellow scream—a color charged with shifting voices and emotions. This final space also features Shin Meekyoung’s Kore and Joo Jae-hwan’s Spring Rain Descending a Staircase (Boy Urinating), among other works that evoke mythology and everyday life, death and regeneration.

In this way, the exhibition returns to its point of departure: zero.

Korean Art Year Zero: 42 Stories does not seek to present a definitive history of Korean art or organize the past into a completed narrative. Instead, it reconnects artworks and images from different periods with individual memories and social events, opening up possibilities for new relationships and interpretations yet to be discovered.

Extending beyond the museum’s physical boundaries—encompassing its interior and exterior, the ground and the open air—this special exhibition looks back on Total Museum’s 50-year history while asking what art can remember, mourn, and imagine anew as it moves through times of turmoil.

Participating Artists | Kwak Duck-Jun, Quac Insik, Kong Sunghun, Gregory Maass, Geum Nuri, Kim Kulim, Kim Doo-jin, Kim Beom, Kim Bora, Kim Bong-jun, Kim Seok-hwan, Kim Seung-yeon, Kim Yang-dong, Kim Wook-kyu, Kim Yun-shin, Kim Joo-young A, Kim Joo-young B, Kim Tae-hyup, Kim Hyo-yeon, Namgoong Whan, Noh Suntag, Du Kim, Ru Kim, Moon Seo-jin, Moon Hyeong-min, Park Kyung / Storefront, Park Ki-il, Park Seo-bo, Bahc Yiso, Bang & Lee, Nam June Paik, VAKKI, Suh Yong-sun, Seo Hyo-jung, Sung Neung Kyung, Sung Wan-kyung, Sung Chan-kyung, Son Sang-ki, Song Sung-jin, Song Ho-jun, Shin Meekyoung, Shim Moon-seup, Shim Jeong-soo, Yayo, Yaloo, Omyocho, Oh Min, Woo Bokyung, Yoo Hyun-mi, Lee Kang-so, Lee Kun-Yong, Lee Do-young, Lee Soon-jong, Lee Seung-taek, Lee Yongbaek, Lee Woong-chul, Lee Yuum, Lee Eun-jung, Lee Sang-hyun, Jang Ji-a, Jung Da-woon, Jung Min-su, Joo Jae-hwan, Theresa Hak Kyung Cha, Choi Sung-ho, Pilseung, Hong Myung-seop

Dates | October 16, 2026 (Fri) – February 28, 2027 (Sun)

Closed on Mondays and public holidays

Admission Hours | Last Admission at 17:30

Admission is available in 10 sessions, every 30 minutes from 13:00 to 17:30.

13:00 / 13:30 / 14:00 / 14:30 / 15:00/ 15:30 / 16:00 / 16:30 / 17:00 / 17:30

Venue | Total Museum of Contemporary Art

Supported by | Arts Council Korea (ARKO), Visual Arts Creative Organizations Support Program

This exhibition is supported through the Arts Council Korea’s Visual Arts Creative Organizations Support Program.

SAI: 토탈미술관 큐레토리얼 스쿨 2026 [고급과정 : 기획심화]

사-이(SAI)에는 가능성이 있다.
‘사-이’는 토탈미술관이 운영하는 큐레토리얼 스쿨로서, 동시대 문화예술 현장에서 활동하는 기획자와 실무자들이 자신의 경험을 성찰하고 독자적인 방법론을 구축할 수 있도록 돕는 전문 교육 과정입니다.
오늘날 큐레이터에게 요구되는 역할은 전시 기획에만 머물지 않습니다. 리서치와 글쓰기, 협업과 운영, 기술 환경의 변화와 사회적 의제에 대한 이해까지, 동시대의 기획자는 다양한 영역을 가로지르며 새로운 연결을 만들어가야 합니다.
‘사-이’는 이러한 큐레토리얼 감각을 바탕으로 전시 기획의 전 과정을 배우고 실천으로 옮기고자 합니다. 현장의 경험을 공유하는 것을 넘어, 스스로 질문을 만들고 프로젝트를 기획하며 자신만의 큐레토리얼 언어와 실천 방식을 구축할 수 있기를 기대합니다.
<고급과정: 기획심화>는 기존 기획 경험을 바탕으로 ESG(사회적 가치·접근성), 디지털 전환(DX), AI 및 신기술 등 동시대 큐레토리얼 핵심 의제를 기획에 유기적으로 통합하는 교육 과정입니다. 현장 최전선의 중견 큐레이터들과 심층 라운드테이블·피드백을 통해 기획 역량을 강화하고, 동료들과 함께 알럼나이 네트워크를 형성하고 확장할 기회를 제공합니다.

모집 대상
연령 제한 없음 | 아래 조건을 충족하는 분
– 미술관·갤러리·공공기관 등에서 전시기획 경력 3~7년 내외의 기획자, 큐레이터 및 큐레토리얼 실천과 전시기획에 관심이 있는 작가
– ESG·DX·AI 등 동시대 큐레토리얼 확장을 기획에 통합하고자 하는 분
– 분야: 시각예술 전시 기획 / 미술 평론 / 문화예술 프로젝트 기획

교육 목표
– ESG·DX 요소를 통합한 확장형 전시기획 체계 구축
– 공공성·접근성·데이터 기반 기획 등 동시대 큐레토리얼 역량 강화
– 디지털 아카이빙·미디어 활용·관객 참여 구조 등 실무 적용 능력 확보
– 전문가 네트워크 연계를 통한 협업 기반 강화 및 기획안 고도화

특전
– 중급과정 1명, 고급과정 1명 총 2인의 우수 수료생을 선정하여 해외연수 기회를 제공합니다.

교육 일정 및 커리큘럼
일정: 2026년 8월 1일-10월 10일 매주 토요일, 일요일 오후1시-6시/ 총 15회, 45시간 (회당 3시간, 주 2회)
커리큘럼: 이론 50% : 토론 50%의 현장과 담론을 교차한 교육
– 동시대 큐레이팅의 확장: 큐레이팅 2.0/3.0 분석을 통한 디지털·탈중심적 패러다임 전환 고찰
– ESG와 전시기획 전략: 주요 사례 기반의 환경·사회적 책무 반영 전략 도출
– 접근성과 베리어프리: 장벽을 낮추는 포용적 전시 설계 및 다감각 콘텐츠 공간 연출 모색
– 국제교류 및 ODA 기반 글로벌 기획 구조: 공공외교 및 ODA 사업 매커니즘 분석과 재원 조달 구조 이해
– 디지털 아카이빙과 DX: 데이터 기반 디지털 전환 기획 방법론 및 타깃 분석 활용
– AI 및 신기술 기반 큐레이팅 확장: AI 활용의 윤리적·철학적 쟁점 검토 및 기획 범위 재정의
– 하이브리드 전시 모델: 물리적 전시장과 가상 플랫폼의 연계를 통한 복합 경험 설계
– 중장기 프로젝트 기획 설계: 지역 전시 활성화 사업 기반의 중장기 로드맵 수립

교육 일정 및 장소
– 일정: 2026년 8월 1일-10월 10일 매주 토요일, 일요일 오후 1시-6시/ 총 15회, 45시간 (회당 3시간, 주 2회)
– 장소: 토탈미술관(서울시 종로구 평창동), 아그네스파크

모집 일정
– 공고 기간: 7월 1일(수)~7월 18일(수)
– 1차 서류 접수: 7월 1일(수)~7월 18일(수) 18시 00분
– 서류 결과 발표: 7월 20일(월) *선정자 개별 연락
– 2차 심층 면접 & 워크숍 데이: 7월 26일(일)
– 최종 결과 발표: 7월 27일(월)

지원 방법
– 접수: 구글 폼 <(고급과정) 사-이 지원신청서> 작성 후 제출
고급과정) 사-이 지원신청서 질문-한눈에 보기

※ 중·고급 과정 온라인 설명회 접속 링크 안내
https://us06web.zoom.us/j/83430831803
회의 ID 834 3083 1803
암호 260711

일시 2026년 7월 11일(토) 오전 11시
진행 방식 온라인 비대면 화상회의 Zoom
주요 내용
공고 세부 내용 안내/중급·고급과정별 교육 일정 안내/FAQ/질의응답

SAI: 토탈미술관 큐레토리얼 스쿨 2026 [중급과정 : 기획체계]

사-이(SAI)에는 가능성이 있다.
‘사-이’는 토탈미술관이 운영하는 큐레토리얼 스쿨로서, 동시대 문화예술 현장에서 활동하는 기획자와 실무자들이 자신의 경험을 성찰하고 독자적인 방법론을 구축할 수 있도록 돕는 전문 교육 과정입니다.
오늘날 큐레이터에게 요구되는 역할은 전시 기획에만 머물지 않습니다. 리서치와 글쓰기, 협업과 운영, 기술 환경의 변화와 사회적 의제에 대한 이해까지, 동시대의 기획자는 다양한 영역을 가로지르며 새로운 연결을 만들어가야 합니다.
‘사-이’는 이러한 큐레토리얼 감각을 바탕으로 전시 기획의 전 과정을 배우고 실천으로 옮기고자 합니다. 현장의 경험을 공유하는 것을 넘어, 스스로 질문을 만들고 프로젝트를 기획하며 자신만의 큐레토리얼 언어와 실천 방식을 구축할 수 있기를 기대합니다.
<중급과정: 기획체계>는 기획–운영–실행으로 이어지는 전시기획의 전 과정을 실무 단위로 구조화하여, 현장에서 바로 작동하는 큐레토리얼 실무 체계의 체화를 목표로 합니다.

모집 대상
연령 제한 없음 | 아래 조건을 충족하는 분
– 독립 전시 기획, 어시스턴트 참여 등 초기 전시기획 경험(2회 이상, 경력 3년 이내) 을 보유한 실무자/큐레이터 및 큐레토리얼 실천과 전시 기획에 관심 있는 작가
(졸전 미포함)
– 분야: 시각예술 전시 기획 / 미술 평론 / 문화예술 프로젝트 기획

교육 목표
– 전시기획 전 과정의 체계적 이해 및 실무 프로세스 구조화
– 리서치–기획–운영으로 이어지는 기획 체계 설계 역량 강화
– 실행 가능한 기획안 도출 및 포트폴리오 구축
– 차년도 고급·심화 과정과 연계 가능한 단계형 기획 기반 마련

특전
– 중급과정 1명, 고급과정 1명 총 2인의 우수 수료생을 선정하여 해외연수 기회를 제공합니다.

교육 일정 및 커리큘럼
일정: 2026년 8월 1일-10월 10일 매주 토요일, 일요일 오전 10시/ 총 15회, 45시간 (회당 3시간, 주 2회)
커리큘럼: 이론 40% : 실습·워크숍 60%의 현장 중심 교육
– 전시 기획 프로세스의 이해: 기획부터 실행까지의 전 과정을 실무 단위로 분석 및 구조화
– 전시 기획 문서 구조: 전시 제안서, 실행 계획서 등 필수 문서의 프레임 설계 및 작성 실습
– 전시 리서치 방법론: 핵심 질문 설계, 아이디어 구체화 및 리서치 데이터의 전환
– 기획 구조 설계: 설득력 있는 주제 설정과 명확한 기획 논리 전개
– 전시 공간과 동선 설계: 설치 체계, 관람 흐름에 따른 동선 구축
– 전시 운영 실무: 작품 설치, 조명 연출, 운송·포장 등 전시 하드웨어 구성 요소 체득
– 전시 커뮤니케이션 전략: 작가, 기관, 관객을 매개하는 다각적 소통 구조 설계
– 전시 운영 매뉴얼: 현장 리스크 대응을 위한 표준화된 매뉴얼 및 체크리스트 작성

교육 일정 및 장소
– 일정: 2026년 8월 1일-10월 10일 매주 토요일, 일요일 오전 10시/ 총 15회, 45시간 (회당 3시간, 주 2회)
– 장소: 토탈미술관(서울시 종로구 평창동), 아트센터 M(서울시 성북구 성북동)

모집 일정
– 공고 기간: 7월 1일(수)~7월 18일(수)
– 1차 서류 접수: 7월 1일(수)~7월 18일(수) 18시 00분
– 서류 결과 발표: 7월 20일(월) *선정자 개별 연락
– 2차 심층 면접 & 워크숍 데이: 7월 25일(토)
– 최종 결과 발표: 7월 27일(월)

지원 방법
– 접수: 구글 폼 <(중급과정) 사-이 지원신청서> 작성 후 제출
중급과정) 사-이 지원신청서 질문-한눈에 보기

《The Show Must Go On_Busan》

여행하는 예술가의 포트폴리오, 어디서든 펼쳐볼 수 있는 전시

2012년 첫발을 뗀 ‘The Show Must Go On(TSMGO)’은 하나의 질문에서 출발했다. 국제 비엔날레와 대규모 전시가 늘어나는 가운데, 우리의 만남은 그만큼 더 긴밀해졌는가. 작품이 국경을 넘나드는 빈도는 증가했지만, 정작 만남의 밀도는 옅어졌다. 작가와 기획자, 작가와 관객이 깊이 있게 교류할 기회는 상대적으로 드물었다. TSMGO는 이러한 아쉬움 속에서 작지만 유연한 대안을 모색하며 시작한 프로젝트다.

프로젝트는 참여 작가에게 ‘포트폴리오 여행 가방’을 의뢰하며 첫 단추를 끼운다. 소형 작품과 드로잉, 작가 노트, 아카이브 자료가 담긴 가방은 작가의 세계를 응축한 작은 전시가 된다. 인쇄된 도록보다 입체적이고, 큰 부피의 작품보다 가벼운 가방은 국경을 넘나들며 새로운 만남을 이끌어냈다. 해외의 기획자들은 각자의 공간에서 가방을 열어보고, 감상과 기록을 다시 한국으로 보내왔다. 이동이 제한되었던 팬데믹 시기에도 가방의 여행은 멈추지 않았다. 때로는 화이트 큐브 전시장이 아닌 사무실, 카페 테이블, 창고 한편에서 전시가 펼쳐졌다. 이처럼 “쇼는 계속되어야 한다(The Show Must Go On)”라는 프로젝트의 제목은 단순한 구호를 넘어, 유연한 이동성과 지속성을 토대로 대화와 담론을 생산하는 새로운 전시 형태로 자리 잡았다.

지난 10여 년 동안 TSMGO는 런던, 싱가포르, 코타키나발루, 베네치아, 파리, 로스앤젤레스, 바르샤바 등 국제 도시를 비롯해 양양, 거제 등 국내 여러 지역을 순회했다. 국제 교류 프로젝트로 출발했으나, 이제는 국내 곳곳으로 반경을 넓혀가는 중이다. 현대미술에 대한 심리적 문턱을 낮추고, 전문 전시 공간과 거리가 있는 지역에서는 일상의 장소로 찾아가며 ‘어디서든 펼쳐볼 수 있는 전시’로서의 여정을 이어가고 있다.

서로 다른 시기에 제작되어 각자의 궤적에 따라 여행을 다녀온 가방들의 표면에는 이동의 흔적이 남아 있다. 이번 전시는 그 긴 여정을 짚어보는 중간 기록이다. 국내외 프로젝트를 담은 아카이브 영상과 참여 작가의 100초 인터뷰를 통해 가방들이 축적해 온 만남과 교류의 시간을 돌아본다. 이를 바탕으로 가방과 함께 여행해 온 작가의 세계가 현장에서 어떤 반응을 이끌었을지 상상해 보길 바란다. 또한 가방 안의 작품을 직접 재배치해 보며 감상 이상의 긴밀한 시간을 보내고 이번 여행지에서도 새로운 맥락의 서사를 더해주길 기대한다.

해운대 해변을 마주한 오케이앤피 부산은 창밖으로 바다 풍경과 여행자들의 활기찬 움직임이 겹쳐지며, 동시에 국제 예술 교류가 활발히 이루어지는 교차로 같은 공간이다. 이곳에서 TSMGO의 여행 가방이 품은 다채로운 기록을 살펴보고 아직 만나지 못한 현대미술과의 새로운 접점을 떠올려 본다면, 그 순간이 곧 TSMGO이 이어갈 다음 여정의 기점이 될 것이다.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)
2025 Geoje, S.Korea(exhibition version)
2026 Busan, S.Korea(exhibition version)

The Show Must Go On (TSMGO): A Traveling Artist’s Portfolio, An Exhibition That Unfolds Anywhere

The Show Must Go On (TSMGO) began in 2012 with a simple question: as international biennials and large-scale exhibitions continue to multiply, have our encounters become any more meaningful? While artworks travel across borders more frequently than ever, the depth of those encounters has often diminished. Opportunities for sustained dialogue between artists and curators, and between artists and audiences, have become increasingly rare. TSMGO emerged from this concern, seeking a modest yet flexible alternative.

The project begins by inviting participating artists to create a Portfolio Travel Case. Containing small-scale works, drawings, artist notes, and archival materials, each case functions as a compact exhibition that distills the artist’s practice. More tangible than a printed catalogue and considerably more portable than transporting large artworks, these travel cases have crossed borders to generate new encounters. Curators around the world opened the cases within their own spaces, responding with reflections and documentation that were then returned to Korea. Even during the COVID-19 pandemic, when physical mobility was severely restricted, the journey of the cases continued. Exhibitions unfolded not only in white-cube galleries but also in offices, on café tables, and in storage rooms. In this way, the title The Show Must Go On has evolved beyond a simple slogan, becoming a model for a new exhibition format that emphasizes mobility, continuity, dialogue, and the production of critical discourse.

Over the past decade, TSMGO has traveled through international cities including London, Singapore, Kota Kinabalu, Venice, Paris, Los Angeles, and Warsaw, while also expanding to regional destinations across Korea such as Yangyang and Geoje. What began as an international exchange project has gradually extended its reach throughout the country. By lowering the psychological barriers often associated with contemporary art and bringing exhibitions into everyday spaces beyond conventional art venues, TSMGO continues its journey as an exhibition that can unfold anywhere.

Each travel case bears visible traces of its journey. Created at different moments and traveling along distinct trajectories, the surfaces of the cases record years of movement and exchange. This exhibition serves as an interim archive of that ongoing journey. Through archival videos documenting projects in Korea and abroad, together with 100-second interviews featuring participating artists, visitors are invited to revisit the encounters and conversations accumulated over time. We hope these materials inspire visitors to imagine how each artist’s practice has been received in different contexts throughout its travels. Visitors are also encouraged to rearrange the works contained within the travel cases themselves, transforming the experience from passive viewing into active engagement and contributing yet another layer of narrative to the project’s continuing journey.

Facing Haeundae Beach, OKNP Busan overlooks the sea while sharing the vibrant energy of travelers passing by. As a crossroads for international artistic exchange, it provides an ideal setting for TSMGO. We invite visitors to explore the diverse histories contained within these traveling cases and to discover new points of connection with contemporary art. In doing so, this moment may become the very starting point for TSMGO’s next journey.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)
2025 Geoje, S.Korea(exhibition version)
2026 Busan, S.Korea(exhibition version)

Exhibition Information

Dates 30 June – 2 August 2026 *Closed on Mondays
Venue OKNP Busan (4F, Grand Josun Busan, 292 Haeundaehaebyeon-ro, Haeundae-gu, Busan, South Korea)
Participating Artists
Osang GWON, KDK, Suntak NOH, Ye-eun MIN, Yeonmi, Junghwa YANG, Soonjong LEE, Yeeun LEE, JangPa, Youngjoo CHO, Gun CHOI, Pixel KIM, Pil Seung, Hyunsook HONG LEE, Black Jaguar
Curated by Total Museum of Contemporary Art
Organized by OKNP Gallery Busan
Supported by
Ministry of Culture, Sports and Tourism
Korea Arts Management Service (KAMS) / Regional Exhibition Support Program

Credits

General Director Nathalie Boseul SHIN
Curators Minseon KIM, Hyunmin YUN
Coordinators Bansuk KIM, Seoyeon KIM, Chaeryung LEE
Exhibition Management OKNP Gallery Busan
Key Visual Design Jinyeol JEONG
Poster Design Damin RYU
Workshop Coordinators Boseong LEE, Seohee PARK
Photography & Video Rolling Studio
Media Equipment Kwangki LEE

우종택 개인전 《무시광겁(無始曠劫)의 묘유(妙有)》

우종택의 작업은 보이는 형상을 그리는 데서 출발하지 않는다. 그의 회화와 설치는 눈앞의 대상을 재현하기보다, 형상 너머를 흐르는 보이지 않는 기운을 감각하는 일에 가깝다. 그가 말하는 ‘기 추상’은 형상을 지워낸 추상이 아니라 형상이 태어나기 이전과 사라진 이후에도 남아 있는 생명의 결을 화면 위에 머물게 하는 수행의 방식이다. 그의 화면은 하나의 이미지가 완성되는 장소가 아니라, 몸과 자연, 물질과 정신이 서로를 통과하며 시간의 흔적을 남기는 장이 된다.

《무시광겁의 묘유》는 이러한 작업 세계를 회화의 평면에서 공간으로 확장한다. ‘무시광겁’은 시작과 끝을 가늠할 수 없는 우주적 시간을, ‘묘유’는 비어 있으면서도 분명히 존재하는 생명의 현존을 뜻한다. 전시는 눈앞의 형상을 바라보게 하기보다 그 사이를 흐르는 시간과 기운 그리고 존재의 깊이를 체험하도록 이끈다.

이번 전시의 중심에는 거대한 자연석이 놓여 있다. 돌은 지층의 침묵과 대지의 기억, 헤아릴 수 없는 시간을 품은 존재로서 공간의 중심을 이룬다. 관람자는 그 둘레를 천천히 걸으며 거리와 무게, 표면의 결 그리고 말없는 침묵을 몸으로 감각한다. 작품은 더 이상 시선 앞에 놓인 대상이 아니라, 걸음과 호흡 속에서 서서히 열리는 경험의 장소가 된다.

이러한 공간은 작가가 말하는 ‘심원의 사유’를 현실의 감각으로 전환한다. 동양회화의 심원법이 화면 안에서 깊이를 만들어냈다면, 여기서의 심원은 관람자의 몸이 공간을 이동하며 스스로 만들어가는 깊이이다. 깊이는 원근의 환영이 아니라, 시간이 몸을 통과하며 축적되는 감각이며, 사유가 머무는 거리이다.

우종택에게 자연은 재현하거나 정복해야 할 대상이 아니다. 자연은 인간과 분리된 외부가 아니라 몸과 정신, 물질과 기운이 서로 스며드는 하나의 장이다. 화면의 획과 여백, 먹을 머금은 나무, 오래된 자연석, 공간을 채우는 침묵은 모두 기운이 머물고 지나가는 통로가 된다. 그의 작업에서 물질은 침묵하지만, 그 침묵은 비어 있지 않다. 그것은 오랜 시간이 응축된 자리이며, 보이지 않는 존재가 잠시 모습을 드러내는 현현의 순간이다.

《무시광겁의 묘유》는 회화와 설치, 자연과 공간 그리고 관람자의 몸이 하나의 사유를 완성하는 전시이다. 돌의 둘레를 걷는 시간은 곧 시간의 깊이를 통과하는 경험이 되고, 물질과 침묵을 마주하는 일은 존재를 감싸고 있는 보이지 않는 기운을 감각하는 일이 된다. 정지해 있으나 끊임없이 흐르는 시간, 비어 있으나 충만한 존재의 세계는 전시 공간에서 다시 현재의 감각으로 살아난다.

전시명 | 무시광겁(無始曠劫)의 묘유(妙有)
참여작가 | 우종택
날짜 | 2026. 6. 26(금) – 2026. 8. 2(일) (* 관람시간 10:00 – 17:30 / 월요일 및 공휴일 휴관, 브레이크 타임 12:00 – 13:00)
장소 | 갤러리끼 (경기도 파주시 회동길 521-2)

기획 | 토탈미술관
주최/주관 | 갤러리끼
후원 | 문화체육관광부, 예술경영지원센터

Woo Jong-taek’s work does not begin with the representation of visible forms. Rather than depicting what lies before the eye, his paintings and installations seek to attune themselves to the invisible currents that flow beyond appearance. What he calls Qi Abstraction is not an abstraction achieved by eliminating form, but a contemplative practice that reveals the vital energies that exist before form emerges and after it dissolves. His pictorial field is not a surface upon which an image is completed, but a site where body and nature, matter and spirit, intersect, leaving traces of time in their passage.

Wondrous Existence Through Beginningless Eternity extends this artistic vision from the plane of painting into the realm of space. The Buddhist term Beginningless Eternity (無始曠劫) evokes an immeasurable expanse of cosmic time without origin or end, while Wondrous Presence (妙有) refers to a mode of existence that is empty yet unmistakably present. Rather than directing our attention toward visible objects, the exhibition invites us to encounter the invisible flow of time, vital energy, and the profound depth of being that lies between them.

At the heart of the exhibition stands a monumental natural stone. Bearing within it the silence of geological strata, the memory of the earth, and the weight of immeasurable time, the stone becomes the gravitational center of the space. As visitors slowly walk around it, they experience its distance, mass, surface, and silence through the movement of their own bodies. The work is no longer an object to be viewed from a distance, but a place of contemplation that gradually unfolds through walking, breathing, and dwelling.

This spatial experience gives physical form to what the artist describes as “deep perspective.” If the traditional East Asian concept of Shenyuan (深遠) created depth within the pictorial space, here that depth is generated through the viewer’s movement in real space. Depth is no longer an illusion of perspective but an accumulation of time experienced through the body—a distance in which contemplation takes root.

For Woo Jong-taek, nature is neither an object to be represented nor something to be mastered. It is not an external world separated from humanity, but a field in which body and spirit, matter and vital energy continually permeate one another. The brushstroke and the empty space, wood saturated with ink, ancient stones, the surrounding architecture, and silence itself all become channels through which energy gathers and passes. Matter may appear silent, yet its silence is never empty. It is a place where immense stretches of time have settled, and where the invisible briefly reveals its presence.

Wondrous Existence Through Beginningless Eternity is an exhibition in which painting, installation, nature, space, and the visitor’s own body converge to complete a single act of contemplation. Walking around the stone becomes an experience of moving through layers of time, while encountering matter and silence becomes a way of sensing the invisible vitality that permeates existence. Here, time appears still yet endlessly unfolds; presence remains empty yet profoundly full. Within this space, the subtle reality of Myo-yu comes alive once again as a living experience of the present.

Exhibition Title | Wondrous Existence Through Beginningless Eternity
Artist | Woo Jong-taek
Exhibition Period | Jun 26, 2026 – Aug 2, 2026 (Opening Hours. 10:00 – 17:30 / Closed on Monday, holiday / 12:00 – 13:00 Break time)
Venue | Gallery KKI (521-2, Hoedong-gil, Paju-si, Gyeonggi-do)

Curated by | Total Museum of Contemporary Art
Host/Organizer | Gallery KKI
Sponsor | Ministry of Culture, Sports and Tourism / Arts Management Support Center

노순천 개인전 《먼 곳의 크기》

멀어질수록 작아지지 않는 것들이 있다.
가까이에 있는 것 또한 언제든 배경으로 물러나 하나의 풍경이 되고, 창밖의 바다와 산은 실내의 벽과 계단, 유리의 표면 위로 조용히 번져온다. 먼 곳의 크기란 물리적 거리의 문제가 아니라, 사물이 우리에게서 얼마나 물러나 있는지, 또 얼마나 깊이 스며드는지에 따라 달라지는 감각의 반응이다.

노순천의 조각은 바로 그 물러남과 스며듦의 자리에 놓인다.
선처럼 가늘고, 윤곽처럼 얇고, 종이를 오린 그림자처럼 서 있는 형상들은 아그네스 파크의 건축 사이를 조용히 건넌다. 그것들은 독립된 조각으로 서 있기도 하고, 벽에 기대고, 모퉁이를 감싸고, 선반과 보이드(Void) 곁에 머물며 주변의 빛과 공기, 그리고 바다의 거리와 함께 어디서든 하나의 장면을 이룬다.

그의 조각은 공간 속에서 불현듯 작아졌다가 다시 커지고, 가까이에 있으면서도 아득히 먼 곳의 존재처럼 물러난다. 어떤 형상은 깊숙한 건물의 벽체와 포개지고, 어떤 형상은 창밖의 산과 바다, 수평선의 한 줄과 겹쳐지며 그 경계를 흐린다.

《먼 곳의 크기》는 단지 먼 풍경의 크기를 말하는 것이 아니다.
한자리에 모인 여러 형상은 작은 조각이라기보다 멀리 보이는 존재들의 군집처럼 다가오고, 창가에 놓인 작품은 실내의 벽과 바깥의 풍경을 한순간에 같은 장면 안으로 끌어들인다. 조각은 그 자리에 서 있으면서도 끊임없이 멀어지고, 풍경은 배경에 머물지 않고 형상 안으로 스며든다. 그 사이에서 조용히 흔들리는 거리의 감각, 보이는 것과 느껴지는 것의 크기가 서로 어긋나는 순간을 오래 바라보게 한다.

There are things that do not diminish in scale simply because they are far away.

Likewise, what is close at hand can quietly recede into the background to become part of the landscape, while the sea and mountains beyond the window gently extend across the interior—settling onto walls, staircases, and glass surfaces. The perceived scale of distant things is not determined by physical distance alone, but by the extent to which they withdraw from us or permeate our awareness.

No Sooncheon’s sculptures occupy precisely this threshold between withdrawal and presence.

Delicate as lines, thin as contours, and standing like silhouettes cut from paper, the figures move quietly through the architecture of Agnes Park. At times they stand independently as sculptures; at others they lean against walls, embrace corners, or rest beside shelves and voids. In every setting, they form subtle relationships with the surrounding light, air, and the distant sea, becoming integral to the space they inhabit.

Within the exhibition, the sculptures seem to contract and expand with each shift in perspective. Though physically near, they often recede as if belonging to a place far beyond immediate reach. Some merge visually with the building’s interior walls, while others align with the mountains, the sea, and the horizon beyond the windows, dissolving the boundaries between sculpture, architecture, and landscape.

The Measure of a Distant Place is not simply about the size of a distant landscape.

Gathered together, the figures appear less as individual sculptures than as a constellation of presences seen from afar. Works placed by the windows draw the interior and the landscape outside into a single visual field. The sculptures remain where they are, yet continually seem to drift farther away, while the landscape no longer serves merely as a backdrop but gradually enters into the forms themselves. Between the two emerges a quiet shift in perception—one in which what is seen and what is felt no longer correspond in scale.

픽셀 김 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》

2026년 6월, 푸른 여름 하늘을 향해 솟아 있는 두 지붕 아래에서 픽셀 김의 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》이 펼쳐집니다.

작은 점의 행과 열로 이루어진 화면의 단위, ‘픽셀’.
셀 김에게 픽셀은 단순한 단위를 넘어 일상적인 언어 소통의 한계를 뛰어넘기 위한 그만의 특별한 조형 언어입니다. 작가는 기존의 규격화된 틀에서 벗어나 자신만의 시선과 감각으로 픽셀을 새롭게 창조하고, 일상의 경험과 감정을 소화하여 시각적으로 재구성합니다.

강원도 홍천에서 열리는 이번 전시는 2015년 첫 개인전 이후 10여 년간 작가의 예술 세계가 어떻게 성장하고 확장됐는지 다각도에서 살펴볼 수 있는 자리입니다. 작가의 활발한 실험이 이루어지는 작업실에서 출발해 초기작부터 최근작까지 폭넓게 아우릅니다. 시기마다 다르게 나타나는 픽셀의 형태와 선율이 느껴지는 드로잉, 과감한 색채의 변주를 통해 작가가 느껴 온 순수한 시각적 즐거움을 관객과 함께 나눌 수 있기를 기대합니다.

작가가 자신의 작업실을 떠올리며 직접 지은 전시 제목 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》에는 수많은 꿈과 기억을 기록하며, 자신만의 규칙과 리듬을 따라 살아가는 삶과 작업 방식이 오롯이 담겨 있습니다.

문화공간 손탁과 홍천미술관에서 동시에 진행되는 본 전시에서 픽셀 김이 만들어 온 특별한 시공간으로 여러분을 초대합니다.

전시명 | 꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간
참여작가 | 픽셀 김

In June 2026, Pixel Kim’s solo exhibition, “The Space of Dreams, and the Spacetime of Alarms”, will take place beneath two roofs soaring toward the blue summer sky.

A “pixel” is a unit on a screen composed of rows and columns of tiny dots.
For Pixel Kim, the pixel transcends a mere unit; it is his unique visual language designed to break through the limitations of everyday verbal communication. Breaking free from conventional, standardized frameworks, the artist reimagines the pixel through his own perspective and sensibilities, digesting everyday experiences and emotions to visually reconstruct them.

Held in Hongcheon, Gangwon Province, this exhibition offers a multifaceted look at how the artist’s artistic world has grown and expanded over the past decade since his first solo exhibition in 2015. Beginning in the artist’s studio—a hub of active experimentation—the exhibition broadly encompasses works ranging from his early pieces to his most recent creations. We hope to share with the audience the pure visual joy the artist has experienced through drawings that evoke the ever-changing forms and rhythms of pixels across different periods, as well as through bold variations in color.

The exhibition title, “The Space of Dreams, and the Spacetime of Alarms”, which the artist coined while reflecting on her studio, fully encapsulates her way of life and artistic practice—one that records countless dreams and memories while following her own rules and rhythms.

Held simultaneously at Sontag Cultural Space and the Hongcheon Art Museum, this exhibition invites you into the unique spacetime created by Pixel Kim.

Exhibition Title | Space of Dreams and the Spacetime of Alarms
Artist | Pixel Kim

Dates | Tuesday, June 30, 2026 – Monday, August 17, 2026
(* Viewing hours: 10:00 AM – 5:30 PM / Closed every Monday; open on public holidays)
Venue | Sontag Cultural Space (2nd Floor, Gahong, 1065 Hongcheon-ro, Hwacheon-myeon, Hongcheon-gun, Gangwon)
Hongcheon Art Museum (1st Floor, Main Building, 55 Hope-ro, Hongcheon-eup, Hongcheon-gun, Gangwon Special Self-Governing Province)

Curated by | Total Museum of Contemporary Art
Host/Organizer | Sontag Cultural Space
Sponsor | Ministry of Culture, Sports and Tourism; Arts Management Support Center; Hongcheon-gun

김태협 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》

낙원은 어떤 곳일까?
모든 감정으로부터 해탈해 요동치지 않는 고요함과 충만함에 머무는 곳일까, 아니면 기쁨과 환희, 슬픔과 질투, 우울과 감격, 분노와 사랑이 한꺼번에 휘몰아치며 감정의 소용돌이를 에너지 삼아 움직이는 곳일까.

김태협의 작업은 우리가 일상에서 마주하는 감정의 복잡성에 대한 관찰에서 출발한다. 그의 작품에는 서로 다른 감정이 존재하고, 충돌했던 흔적들이 상징적인 이미지로 등장하며 하나의 장면 안에서 시간의 흐름을 어긴 채 공존한다. 강렬한 색채와 만화적인 윤곽선, 반복되는 패턴으로 구성된 화면은 감정의 뒤엉킴을 하나의 질서 속에 배치하며, 복잡성을 만들어내면서 동시에 그것을 정제하고 단순화하는 구조적 아이러니를 드러낸다.

김태협의 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》는 2014년 작품부터 2025년 최근작까지를 아우른다. 작가가 다층적으로 그려온 감정의 장면들을 하나의 세계로 엮어내며, 김태협의 ‘월드(world)’가 어떤 방식으로 생성되고 실행(exe)되어 왔는지를 따라가 본다.

What kind of place is Eden?
Is it a realm of stillness and plenitude, liberated from all emotion and untouched by disturbance? Or is it a place where joy and ecstasy, sorrow and jealousy, melancholy and elation, anger and love surge all at once—propelled by a vortex of emotions as its driving force?

The work of Kim Taehyup begins with an observation of the complexity of emotions encountered in everyday life. Within his compositions, disparate emotions coexist, and the traces of their collisions emerge as symbolic imagery, inhabiting a single scene while defying the linear flow of time. Constructed through vivid colors, cartoon-like outlines, and repetitive patterns, his pictorial surfaces arrange emotional entanglement into a form of order. In doing so, they reveal a structural irony: while generating complexity, they simultaneously refine and simplify it.

Kim Taehyup’s solo exhibition World.exe: Eden and Its Shadow spans works from 2014 to 2025. Bringing together the multilayered emotional scenes the artist has developed over time, the exhibition weaves them into a singular world, tracing how Kim’s “world” has been generated and executed over time.

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》
AI ART × Ayako Rokkaku

어떤 전시는 끝난 뒤에도 사라지지 않고, 다른 장소에서 다른 방식으로 다시 호흡한다.
《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》은 그러한 호흡이 서울 토탈미술관에서 베를린으로 이어지며, 아야코 록카쿠의 감각이 새로운 이미지와 리듬으로 확장되는 자리다.
록카쿠의 회화는 손에서 출발한다.
붓보다 먼저 닿는 손가락, 계획보다 앞서는 몸의 충동, 형상보다 먼저 번져가는 색의 흐름은 그의 작업을 단순한 그림이 아니라 감각의 움직임으로 만든다.
토탈미술관에서 펼쳐졌던 그 감각은 창과 스크린, 회화와 조각, 현실의 풍경과 미래를 향한 영상 사이를 오가며 확장되었고, 이제 디지털 공간 안에서 또 다른 방식으로 이어진다.

손에서 번져 나온 감각
이번 전시에는 초대작가 외에 오픈콜과 해커톤을 통해 모인 작가들이 함께했다. 이들은 록카쿠의 작업을 그대로 반복하거나 재현하지 않았다. 대신 색의 결, 손의 속도, 공간의 인상, 그리고 전시가 남긴 정서의 파편들을 각자의 언어로 다시 읽어 새로운 디지털 작업으로 풀어냈다. 그렇게 한 사람의 손에서 출발한 감각은 여러 창작자의 해석을 거치며 보다 넓은 이미지의 군집으로 확장되었다.
이 과정에서 AI는 차가운 손(기술)이라기보다 감각을 번역하는 매개에 가까웠다. 인간의 손에서 시작된 회화적 충동은 알고리즘을 통과하며 낯선 빛과 새로운 리듬을 얻게 되었고, 원본은 복제되는 대신 증식했다. 하나의 전시는 끝나는 것이 아니라 파생되고, 흔들리며, 다시 생성되었다.

혼돈이 머무는 방식
이러한 구조는 전시를 완결된 결과물이 아니라 끊임없이 열려 있는 과정으로 바라보게 했다. 지난 《uni form: Broken Twill in Berlin》이 그러했듯, 이번 전시 역시 전시 이후의 전시, 이미지 이후의 이미지를 향해 나아간다.
특히 여기서 혼돈은 지워야 할 대상이 아니라, 오히려 함께 호흡해야 할 조건에 가까우며, 록카쿠의 손에서 시작된 색과 감각은 베를린의 디지털 화면 속에서 다시 흩어지고 연결되며 또 다른 생명력을 만들어낸다.

끝나지 않는 호흡
이곳에서 관객이 마주하게 되는 것은 단지 원작의 그림자가 아니다. 그것은 하나의 전시가 끝난 뒤에도 계속 살아 움직이며, 다른 형식과 감각으로 스스로를 확장해 나가는 방식 그 자체로 여기기를 바란다.

참여 작가
초대작가 | 김진영, 박승준
해커톤 | 강시라, 김명규, 김무진, 김수영, 김정훈, 김효재, 민예은, 박지원, 오유리, 임도원, 최건
오픈콜 | 김다하, 나은혜, 배준형, 변유열, 유어예, 육대근, 허사문

공동 기획 | 토탈미술관 / AT&D School
협력 | Aliceon / AAD / Ai Culture Lab / OKNP / Gallery Target
장소 | P61 Gallery(Potsdamer Str. 61 10785 Berlin-Schöneberg)

Some exhibitions do not disappear when they end; they breathe again elsewhere, in another form.
Breathing with the Chaos: Berlin Edition is a space where that breath continues from the Total Museum of Contemporary Art in Seoul to Berlin, expanding Ayako Rokkaku’s sensibility into new images and rhythms.
Rokkaku’s painting begins with the hand.
Fingers touch before the brush, bodily impulse comes before intention, and color spreads before form. Her work becomes not simply an image, but a movement of sensation.
At the Total Museum, that sensibility unfolded between windows and screens, paintings and sculptures, the landscape of the present and images reaching toward the future. Here, it continues once again within digital space.

Sensation Spreading from the Hand
Alongside the invited artists, this exhibition brings together participants from the open call and hackathon. They do not simply repeat or reproduce Rokkaku’s work. Instead, they reinterpret the textures of color, the movement of the hand, the impression of space, and the emotional traces left behind by the exhibition, transforming them into new digital works.
In this process, AI functions less as a cold technology than as a medium for translating sensation. What begins in the human hand passes through algorithms and takes on unfamiliar light and new rhythms. The original does not remain fixed; it multiplies, shifts, and emerges again.

The Way Chaos Lingers
This structure invites us to see the exhibition not as a finished result, but as an open and ongoing process. As with uni form: Broken Twill in Berlin, this exhibition also moves toward an exhibition after the exhibition, toward images after images.
Here, chaos is not something to be erased. It is a condition to breathe with. The colors and sensations that begin in Rokkaku’s hand scatter and reconnect across digital screens in Berlin, generating another kind of vitality.

Breathing Without End
What the viewer encounters here is not simply the shadow of an original work. It is the way an exhibition continues to live beyond its ending, extending itself through other forms and other sensibilities.

Aritsts
Invited Artists
Kim Jinyoung
Park Seungjun
Hackathon Session
Im Doone
Kim Hyojae
Park Jiwon
Kim Junghun
Kim Moojin
Kim Myeongkyu
Kang Sira
Kim Sooyoung
Oh Yuri
Min Ye-eun
Choe Gun
Open Call Session
Kim Daha
Deck
Na Eunhye
Bae Joonhyung
Heo Samoon
Yu.A.Ye
Byeon Yuyeol

Curatorial Team
Total Museum of Contemporary Art:
Chief Curator | Shin Nathalie Boseul
Curator | Kim Minseon, Yun Hyunmin
Coordinator | Kim Bansuk, Kim Seoyeon, Lee Chaeryeong

Hackathon Session
Curator | Heo Daechan
Workshop Mentor | Choi Seungjun

Co-organized by
Total Museum of Contemporary Art
AT&D School

In collaboration with
Aliceon
AAD
Ai Culture Lab
OKNP
Gallery Target

Venue
P61 Gallery
Potsdamer Str. 61
10785 Berlin-Schöneberg

2026 Total Seminar

토탈미술관은 전문적이고 다양한 예술 장르를 넘나들며 문화예술 접근성을 확대하는 데 기여해 왔습니다. 30년 이상의 아카데미 경험을 바탕으로 〈토탈세미나〉를 새롭게 시작합니다.

〈토탈세미나〉는 연구자와의 협업으로 한국 동시대 작가들을 깊이 있게 탐구하는 프로그램입니다. 빠르게 변화하는 현대 미술의 흐름 속에서 작가들의 작품과 그들이 다루는 주제를 연구자의 관점에서 심층적으로 분석합니다.

다양한 매체와 주제로 작업하는 동시대 작가 한 명 한 명을 다루는 〈토탈세미나〉에서 그들의 작품이 반영하는 사회적, 문화적, 기술적 요소들을 학문적 시각에서 들여다보고, 이를 통해 수강자들은 미술 작품을 감상하는 것을 넘어, 그 안에 담긴 메시지와 개념을 비판적으로 분석하고 해석하는 능력을 기르게 될 것입니다.

2024년 8월부터 〈토탈세미나〉는 ‘동시대 미술의 행간’이라는 제목으로 이문정 미술평론가(연구소 리포에틱)와 함께하고 있습니다. 토탈세미나는 미술 연구자와 학생, 그리고 동시대 미술에 관심을 가진 모든 이들에게 열려있습니다. 보다 깊이 이해하고자 하는 분들에게 귀중한 인사이트를 제공할 것입니다.

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▶ 강사 소개 | 이문정(미술평론가/연구소 리포에틱 대표)
이화여자대학교 조형예술학 박사. 2011년 미술평론가로 활동을 시작했다. 2018년부터 한국 작가들의 작품세계를 다룬 연구집 『리포에틱 평론과 대화』를 출간하고 있으며, 연구소 웹사이트에 평론 및 인터뷰 아카이빙을 진행 중이다. 저서로는 『혐오와 매혹 사이: 왜 현대미술은 불편함에 끌리는가』(2018), 『세상 모든 곳이 미술관이다』(2022), 『너의 눈과 거대한 찰나: 권혜원의 작품에 관한 평론과 대화』(2024, 기획/엮음+공저), 『진행형의 세계: 한국 동시대 미술을 그리다』(2024)가 있다.

▶ Leepoetique [리포에틱]
리포에틱은 한국 동시대 미술을 연구하기 위해 2016년 문을 열었습니다. 연구소의 궁극적인 목표는 21세기, 현재 진행형의 미술을 적극적으로 분석, 비평하여 오늘의 예술을 관통하는 주요 담론들을 논의하고 이끌어가는 것입니다.

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▶ 6월의 세미나 일정
시간의 층위: “시간은 단 하나의 본질적인 수수께끼예요.*”
* 호르헤 루이스 보르헤스, 윌리스 반스톤, 『보르헤스의 말』, 서창렬(역), 마음산책, 2002, p. 204.
6월 4일. 축적과 중첩: 박광수, 윤석원
6월 11일. 잔존: 권현빈, 김주리
6월 18일. 여운: 박경률, 허찬미

▶ 일시 | 2026년 6월 4일, 11일, 18일(매주 목요일) 오후 2시 30분 ~ 4시
▶ 장소 | 토탈미술관 아카데미실
▶ 참가비용 | 무료
▶ 문의 | 토탈미술관 학예실(02.379.7037/399

Since 1993, Total Museum of Contemporary Art has contributed to the expansion of public access to culture and the arts through its engagement with a broad spectrum of artistic disciplines. Drawing on more than three decades of experience in arts education, the Museum is pleased to newly launch the Total Seminar.

The Total Seminar is a program developed in collaboration with researchers to undertake in-depth explorations of contemporary Korean artists. Within the rapidly evolving landscape of contemporary art, the seminar provides close, critical analyses of artists’ works and the themes they engage, examined through scholarly perspectives.

By focusing on individual contemporary artists working across diverse media and subjects, the Total Seminar examines the social, cultural, and technological dimensions reflected in their practices from an academic standpoint. Through this process, participants move beyond appreciation, cultivating the ability to critically analyze and interpret the ideas and concepts embedded in contemporary artworks.

Since August 2024, the Total Seminar has been presented under the title Between the Lines of Contemporary Art, in collaboration with art critic Lee Moonjung of Leepoetique. The program is open to art researchers, students, and all those interested in contemporary art, offering valuable insights to anyone seeking a deeper understanding of the field.

Instructor
Lee Moonjung (Art Critic / Director, Leepoetique)
Ph.D. in Plastic Arts, Ewha Womans University. She began her career as an art critic in 2011. Since 2018, she has published the research series Leepoetique: Criticism and Dialogue, which examines the practices of Korean artists, and continues to archive criticism and interviews through the Institute’s website.
Her publications include Between Hatred and Fascination: Why Does Contemporary Art Attract Us Through Discomfort? (2018); Everywhere Is a Museum (2022); Your Eyes and the Monumental Moment: Criticism and Dialogue on the Work of Kwon Hyewon (2024, editor and co-author); and The World in Progress: Drawing Contemporary Korean Art (2024).

Leepoetique
Founded in 2016, Leepoetique is dedicated to the study of contemporary Korean art. Its mission is to actively analyze and critique twenty-first-century art as an ongoing practice, engaging with and advancing the key discourses that shape and define the art of our time.

JUNE Seminar Schedule

Strata of Time: “Time is the one essential mystery.”*
* Jorge Luis Borges, with Willis Barnstone, Borges at Eighty: Conversations, trans. Chang-Ryul Seo, Maeumsanchaek, 2002, p. 204.

June 4 — Accumulation and Overlap: Kwangsoo Park, Seokwon Yoon
June 11 — Remnants: Hyunbin Kwon, Joori Kim
June 18 — Afterglow: Kyungryul Park, Chanmi Heo

Date | June 4, 11, and 18, 2026 (Thursdays), 2:30–4:00 PM
Venue | Academy Room, Total Museum of Contemporary Art
Admission | Free
Inquiries | Curatorial Department, Total Museum of Contemporary Art
Tel. +82-2-379-7037 / 3994

토탈미술관 개관 50주년 특별전 《한국미술 0년: 42개의 이야기》

50년의 역사를 넘어, 다시 ‘0년’에 서다

Beyond 50 Years of History: Standing at Year Zero Once Again

SAI: 토탈미술관 큐레토리얼 스쿨 2026 [고급과정 : 기획심화]

SAI: 토탈미술관 큐레토리얼 스쿨 2026 [중급과정 : 기획체계]

《The Show Must Go On_Busan》

여행하는 예술가의 포트폴리오, 어디서든 펼쳐볼 수 있는 전시

Exhibition Information

우종택 개인전 《무시광겁(無始曠劫)의 묘유(妙有)》

노순천 개인전 《먼 곳의 크기》

노순천 개인전 《먼 곳의 크기》

픽셀 김 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》

김태협 개인전 《World.exe: Eden and Its Shadow》

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》 AI ART × Ayako Rokkaku

2026 Total Seminar

JUNE Seminar Schedule

《Breathing with the Chaos: Berlin Edition》
AI ART × Ayako Rokkaku