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아야코 록카쿠 《Breathing with the Chaos》

토탈미술관은 2025년 겨울, 일본 출신 동시대 작가 아야코 록카쿠(Ayako Rokkaku)의 개인전 《Breathing with the Chaos》를 개최한다. 전시는 최근 작업에서 두드러지는 색채의 호흡, 제스처의 반복적 생성·소멸, 화면 전체의 감각적 밀도에 주목한다.

록카쿠의 회화는 전통적 도구 대신 ‘손’을 중심으로 이루어진다. 손바닥과 손가락 끝을 직접 화면에 접촉시키는 방식은 회화를 기술적 재현이 아닌 감각적 사건으로 전환하며, 물감의 확장과 번짐은 작가의 신체적 반응과 시간의 층위를 고스란히 드러낸다. 이는 화면을 하나의 ‘감각이 응결된 표면’으로 이해하게 한다.

초기에는 캐릭터적 형상이 두드러졌으나, 최근의 작업은 이미지의 해체와 감각적 리듬으로 이동해 왔다. 대상보다 색채의 진동과 제스처의 흐름이 중심이 되면서, 관람자는 화면을 보는 것을 넘어 감응하는 경험에 가까워진다. 록카쿠는 혼돈 속에서 발생하는 색채와 움직임을 그대로 수용하며, 밀고 퍼뜨리고 다시 모아내는 반복적 행위를 통해 회화를 하나의 호흡적 과정으로 확장한다.

작가가 손으로 그린다는 사실은 회화의 물질성과 신체성을 극대화하며, 디지털 이미지 환경 속에서도 회화가 지닌 근원적 감각성을 재확인하게 한다. 이번 전시는 이러한 특성을 강조하기 위해 전시장 전체를 ‘호흡하는 회화적 공간’으로 구성하며, 함께 제시되는 브론즈 및 채색 조각 20여 점은 회화적 제스처의 입체적 확장으로 기능한다.

《Breathing with the Chaos》는 록카쿠 회화의 동시대적 의의를 조명한다. 그의 화면은 혼돈과 질서, 생성과 소멸이 교차하는 역동적 장으로, 손을 통한 회화 행위가 신체와 감각을 기반으로 세계를 재구성하는 근본적 예술임을 다시 확인하게 한다.

일시 | 2025.12.5 (금) – 2025.2.8 (일)

장소 | 토탈미술관 전관

VIP 초청일 | 2025.12.4 (목) 15:00 – 18:00

작가 | 아야코 록카쿠

주최/주관 | 토탈미술관

협력 | Gallery Target / OKNP / (주)Fog

관람 안내 | 인터파크 예약 혹은 현장 티켓 구매
성인(만 25~64세) 10,000원
청년(만 19~24세) 7,000원
청소년(만 7~18세) 5,000원

※ 무료 입장(증빙 자료 제시 필수)
토탈아카데미 회원, 평창동 주민, 서울예고 재학생, 만 6세 이하/만 65세 이상, 장애인(본인 및 동반 1인), 국가유공자(본인 및 동반 1인), 예술인 패스, ICOM 회원

▶ 보도자료

Total Museum will present 《Breathing with the Chaos》, a solo exhibition by Japanese contemporary artist Ayako Rokkaku, in the winter of 2025. The exhibition focuses on the recent developments in her practice, particularly the breathing quality of color, the cyclical emergence and dissolution of gestures, and the heightened sensory density across the pictorial surface.

Rokkaku’s painting is grounded in the use of her hands rather than traditional tools. Applying pigment directly with her palms and fingertips shifts painting from technical representation to a sensory event, as the spreading and absorption of paint reveal bodily responses and temporal layers. This method transforms the canvas into a “surface where sensation condenses.”

While her early works were characterized by figurative, character-like imagery, her recent practice moves toward the dissolution of images and the exploration of sensory rhythm. As color vibrations and gestural movements take precedence over identifiable subjects, viewers encounter the work through a mode closer to affective resonance than visual recognition. By embracing the chromatic and gestural turbulence that arises within the surface, Rokkaku extends painting into a process akin to breathing through repeated actions of pushing, dispersing, and gathering paint.

Her use of the hand amplifies the materiality and physicality of painting, reaffirming the medium’s fundamental sensory potential even within a digital image–driven environment. To emphasize these qualities, the exhibition configures the entire gallery as a “breathing pictorial space,” accompanied by more than twenty bronze and polychrome sculptures that function as three-dimensional extensions of her painterly gestures.

《Breathing with the Chaos》 highlights the contemporary significance of Rokkaku’s work. Her canvases form a dynamic field where chaos and order, emergence and dissolution intersect, reaffirming painting—grounded in bodily gesture and sensory perception—as a vital means of understanding and reconstructing the world.

Date | December 5 (Fri), 2025 – Feburary 8 (Sun), 2026

Venue | Total Museum of Contemporary Art (entire venue)

VIP Opening Reception | December 5 (Thu), 2025, 3 PM

Artist | Ayako Rokkaku

Host/Organizer | Total Museum of Contemporary Art (TMCA)

Co-organizer | Gallery Target, OKNP, Fog Co., Ltd.

▶ Press Release

《uni form: Broken Twill in Berlin》

2025년 8월 서울 토탈미술관에서 개최된 《uni form: Broken Twill》은 패션과 현대예술의 경계를 넘나들며 ‘유니폼’이라는 사회적 구조를 재해석한 전시였다. 이 전시는 패션 디자이너이자 현대미술 작가인 최철용(Chul Yong CHOI)의 회화 시리즈를 중심으로 구성되었지만, 기획자, 디자이너, 연구자, 미디어 전문가로 구성된 코어그룹(Core Group)이 함께 참여하며 개인전의 형식을 넘어서는 새로운 전시 기획 모델을 제안했다.

즉, 《uni form》은 작가 개인의 조형언어를 보여주는 자리가 아니라, ‘유니폼’이라는 개념을 사회·문화·기술적 맥락에서 심화 연구하는 협업적 플랫폼으로 작동했다. 기획 단계부터 연구, 철학/미학, 매거진, 디자인, 공간 구성, 데이터 수집까지 각 분야의 전문가들이 참여함으로써 개인전의 형식을 빌린 집단적 리서치 전시라는 새로운 가능성을 제시했다.

또한 주제의 깊이 있는 탐구를 위해 최철용의 회화 외에도 다양한 초청작품이 함께 전시되었다. 이는 한명의 작가를 중심으로 하되, 그 주제를 다각도로 확장하고 해석하는 협업적 담론 구조를 형성했다는 점에서 신선하고 실험적인 전시로 평가받았다.

이러한 특징들은 《uni form》이 단발성 개인전이 아니라, 동시대 담론을 지속적으로 확장해 나가는 플랫폼적 구조를 지니고 있음을 보여준다. ‘유니폼’이라는 주제를 통해 집단과 개인, 규율과 자유, 제도와 감정 사이의 관계를 탐구한 이 전시는, 결과적으로 예술을 통해 ‘사회적 구조를 사유하는 실험적 장(場)’을 제안했다.

이번 베를린 에디션은 이러한 서울 전시의 철학과 구조를 계승하면서, 물리적 전시의 확장을 넘어 디지털 트랜스포메이션(Digital Transformation)을 본격적으로 시도한 버전이다. 토탈미술관에서 진행되었던 전시의 전 과정—기획, 설치, 기록, 대화, 이미지, 텍스트—을 데이터셋(dataset)으로 구축, 공유하고, 이를 바탕으로 AI 창작 실험과 제너러티브 리컴포지션(generative recomposition)을 진행했다.

즉, 《uni form: Broken Twill》의 베를린 에디션은 서울 전시의 내용을 단순히 재현하는 것이 아니라, 그 과정 자체를 데이터 기반 창작의 원천으로 재구성한 실험적 전시이다. 이러한 시도는 전시를 ‘결과’가 아닌 ‘과정의 집적체이자 재생 가능한 구조’로 바라보며, 예술과 기술, 인간과 인공지능이 함께 동시대의 시각적 언어를 다시 짜는 장(場)을 만들어낸다.

무엇보다 ‘유니폼’ 프로젝트는 베를린 전시를 기점으로 다른 도시로의 확장과 다양한 예술가 및 연구자와의 협업을 가능하게 하는 국제적 순환 플랫폼(global curatorial platform)으로 발전하고 있다. 이는 전시가 단일한 결과물로 머무는 것이 아니라, AI, 데이터, 패션, 예술, 사회학적 담론이 교차하는 살아 있는 구조로서 지속적으로 진화해 나간다는 점에서 큰 의의를 지닌다.

일시 | 2025.11.11 (화) – 12.12 (금)

장소 | P61 전관

초청일 | 2025.11.11 (화) 18:00 – 21:00

작가 | 최철용

코어 그룹 | 고훈철, 신보슬, 안마노, 유도연, 윤현민, 이윤경, 최철용, 하선규

참가자 | 고훈철, 신보슬, 안마노, 유도연, 윤현민, 이윤경, 최철용, 하선규

해커톤 큐레이터 | 허대찬

해커톤 멘토 | 최승준

해커톤 참가자 | 최한울, 박승준, 이은서, 김효재, 김수영, 박지원, 임도원

초청작품 | 총 5점/시리즈
〈We Were Here〉, 안톤 세벳코, 2018–2020
〈Broken Twill Study I–IV〉, 서효정, 2024–2025
〈Office Ladies〉, 에미 쿠사노, 2025
〈The Beauty of Degagement〉, 김진영, 2025
〈Open-flow Drift〉, 김지영 , 2025

주최/주관 | 토탈미술관(한국) / P61 (독일)

후원 |
문화체육관광부
한국국제문화교류진흥원(KOFICE)
<2025 Kore·A·Round Culture>

▶ 보도자료

The exhibition “uni form: Broken Twill,” (uni form) held at Total Museum of Contemporary Art in Seoul in August 2025, crossed the boundaries of fashion, art, and technology to reinterpret the social structure of the ‘uniform.’ Although the exhibition was centered on the painting series of fashion designer and contemporary artist Chul Yong CHOI, it also involved a Core Group consisting of curators, designers, researchers, and media specialists, proposing a new curatorial model that transcends the typical format of a solo exhibition.

“uni form” functioned not merely as a presentation of an individual artist’s visual language but as a collaborative platform that deepened the study of the uniform concept within social, cultural, and technological contexts. Experts from various disciplines participated in every stage of the project — from research, philosophy, and design to spatial composition and data collection —
offering a new possibility of a collective research-based exhibition that borrows the form of a solo show.

To further explore the theme, the exhibition also included a number of invited works. Centered around a single artist, it constructed a multilayered structure of discourse that expanded and reinterpreted the subject from various perspectives, earning recognition for its freshness and experimental approach.

These characteristics demonstrate that “uni form” is not a one-time exhibition but a platform-like structure that continues to expand contemporary discourse. By exploring the relationship between collectivity and individuality, discipline and freedom, institution and emotion through the lens of the uniform, the exhibition proposed an experimental field for reflecting on social structures through art.

The Berlin edition inherits this philosophy and structure from the Seoul exhibition, taking a step further to pursue a full-fledged digital transformation. Every element of the Total Museum exhibition —exhibition planning, installation, documentation, conversations, images, and texts —
was transformed into a dataset and used as the foundation for AI-based creative experiments and generative recompositions.

Thus, “uni form: Broken Twill – Berlin Edition” does not merely replicate the Seoul exhibition
but reconstructs its process as a creative source rooted in data. This approach redefines the exhibition as not a finished result but as an accumulative and regenerative process, creating a space where art, technology, humans, and artificial intelligence weave together new visual languages of our time.

Above all, the “uni form” project, beginning with its Berlin presentation, is envisioned as an evolving global curatorial platform, enabling further expansion to other cities and collaborations among artists, researchers, and institutions worldwide. Rather than being confined to a single outcome, the exhibition continues to evolve as a living structure in which AI, data, fashion, art, and social discourse dynamically intersect.

Date | August 28 (Thu) – September 28 (Sun), 2025

Venue | Total Museum of Contemporary Art (entire venue)

Opening Reception | August 28 (Thu), 2025, 3:00 PM

Artist | Chulyong Choi

Core Group | Hooncheol Ko, Nathalie Boseul Shin, Mano An, Doyeon Ryu, Hyunmin Yun, Yunkyung Lee, Chulyong Choi, Sun-kyu Ha

Participants | Hooncheol Ko, Nathalie Boseul Shin, Mano An, Doyeon Ryu, Hyunmin Yun, Yunkyung Lee, Chulyong Choi, Sun-kyu Ha

Hackathon Session
This Berlin edition presents, for the first time, the results of a digital recomposition hackathon held in Yangyang, based on the dataset constructed during the Seoul exhibition. The dataset does not remain as documentation—it becomes image again, through AI.
• Curator: Daechan Heo
• Mentor: Seungjun Choi
• Participants: Sooyoung Kim, Hyojae Kim , Seungjun Park, Jiwon Park, Eunseo Lee, Do-one Im, Hanul jo

Invited Works | 5 works/series
〈We Were Here〉, Anton Shebetko, 2018–2020
〈Broken Twill Study I–IV〉, Hyojung SEO, 2024–2025
〈Office Ladies〉, Emi Kusano, 2025 〈Open-flow Drift〉, Kim Jiyoung, 2025 〈The Beauty of Degagement〉, Kim Jinyoung, 2025

Host/Organizer | Total Museum of Contemporary Art (TMCA), P61 (Berlin)

Sponsorship |
The Ministry of Culture, Sports and Tourism
Korean Foundation for International Cultural Exchange
2025 Kore·A·Round Culture

▶ Press Release

AT&D SCHOOL

AT&D School : Art, Technology & Design
우리는, 함께, 16주간, 미디어아트를, 탐구합니다.

기술이 단순한 도구를 넘어 예술적 사고방식과 표현 방식 자체를 변화시키고 있는 지금, 미디어아트는 이제 단순한 ‘트렌드’가 아니라, 동시대 예술을 구성하는 중요한 흐름이 되었습니다.

AT&D School에서는 한국을 대표하는13명(팀)의 미디어 아티스트들을 통해 예술과 테크놀러지, 디자인의 경계에서 새로운 언어를 함께 탐구하는 학교를 시작합니다.

이 프로그램은 기술을 배우는 것이 아닌, 예술가와 기획자, 연구자가 함께 질문을 던지고 실험하는 탐구형 커뮤니티로서 ’학교‘를 지향합니다. 우리는 이곳에서 미디어아트의 개념과 의미를 재고하면서 단순한 기술적 효과를 넘어, 미디어아트가 무엇을, 어떻게 다루고 있으며 앞으로 어디로 나아갈 것인지를 함께 고민할 것입니다.

PROFESSOR | 허대찬(ALICEON 편집장)
허대찬은 기술과 미디어로 조성된 오늘날의 환경과 그 안에서의 현상 및 인간 활동에 관심을 두고 미디어 아트 및 디자인 분야에서 연구자, 큐레이터, 교육자로서 한국의 미디어 아트 활동의 순환 및 아카이빙을 위한 다양한 활동을 진행 중이다. 미디어문화예술채널 앨리스온(aliceon.co.kr)의 편집장(2019-), 게임 연구 집단 더플레이 대표, 한국디자인사학회의 정책홍보이사로 활동하고 있다. 최근 아트센터 나비와 함께 〈Re:spect Media Art of Korea since 2000〉의 공동 기획과 모더레이팅을 진행했으며, 이에 대한 출판에 참여했다.

AT&D School : Art, Technology & Design
Together, we explore media art over 16 weeks.

As technology transforms not just tools but artistic thinking and expression itself, media art has become more than a mere ‘trend’—it is now a vital current shaping contemporary art.

AT&D School launches a program where 13 leading Korean media artists (teams) explore new languages at the intersection of art, technology, and design.

This program aims to be a ‘school’ as an exploratory community where artists, curators, and researchers pose questions and experiment together, rather than merely teaching technology. Here, we will rethink the concepts and meanings of media art, moving beyond simple technical effects to collectively ponder what media art addresses, how it does so, and where it is headed.

PROFESSOR | Daechan Heo (Editor-in-Chief, ALICEON)
Daechan Heo focuses on today’s technology- and media-shaped environment, its phenomena, and human activities within it. As a researcher, curator, and educator in media art and design, he is engaged in various activities to circulate and archive Korea’s media art scene. He serves as Editor-in-Chief of the media culture and arts channel ALICEON (aliceon.co.kr) (2019-), Representative of the game research collective The Play, and Policy and Public Relations Director of the Korean Society for the History of Design. Recently, he co-curated and moderated 〈Re:spect Media Art of Korea since 2000〉 with Art center nabi and contributed to its accompanying publication.

《난지도·메타-복스 40: 녹아내린 모든 견고함》

《난지도·메타-복스 40: 녹아내린 모든 견고함》은 토탈미술관 개관 50주년을 앞두고 마련되었으며, 미술 제도의 형성기였던 1980년대와 빠르게 변화하는 오늘의 시점을 겹쳐 읽기를 시도한다. 이를 위해 동시대 기획자와 연구자가 협업하여 1980년대 한국 현대미술의 실험적 흐름을 이끌었던 난지도와 메타-복스 그룹의 활동을 다시 조명하고, 당시 작가들의 선언과 실천, 그리고 그 이후의 지속된 작업을 통해 예술이 제도와 현실 사이에서 어떻게 새로운 언어를 만들어왔는지를 탐구한다. ‘견고함이 녹아내린 자리’에서 새롭게 형성되는 예술의 가능성을 주목하며, 미술관 이후의 미술관을 모색하기 위한 논의의 장이 펼쳐지기를 기대한다.

일시 | 2025.10.30 (목) – 11.23 (일)
관람 시간 | 오후 1시 – 오후 6시(월 휴관)
장소 | 토탈미술관 전관
초청일 | 2025.10.30 (목) 17:00

작가 |
박방영, 신영성, 하용석(난지도), 김찬동, 하민수, 홍승일(메타-복스)

심포지엄 | <난지도와 메타-복스: 80년대 미술 운동의 재해석>
2025.11.8 (토) 오후 2시
토탈미술관 1층 아카데미실
심포지엄 연구자 | 김찬동, 김주원, 심진솔, 조수진
좌장 | 하용석
사회 | 김민선

아카이빙 프로젝트 연구자 | 강부민, 김강리, 이승준

그래픽 디자인 | 황기훈
아트핸들러 | 에스아트
미디어 설치 | 미지아트

주최·주관 | 토탈미술관

후원 | 서울시

사진 컨텐츠 지원 | 서울특별시, (사)서울특별시미술관협의회

▶ 보도자료
▶ 전시 서문
▶ 전시 도면

Nanjido·Meta-Vox 40: All that is solid melts into air is organized in anticipation of the 50th anniversary of the opening of the Total Museum of Contemporary Art, attempting to overlay readings of the 1980s—a formative period for the art institution—with the rapidly changing present. To this end, contemporary curators and researchers collaborate to reexamine the activities of the Nanjido and Meta-Vox groups, which led the experimental currents of Korean contemporary art in the 1980s. Through the declarations and practices of artists at that time, and their subsequent ongoing work, it explores how art has forged new languages between the institution and reality. Focusing on the possibilities of art newly emerging from ‘where solidity has melted away,’ we anticipate the unfolding of a forum for discussion to explore the museum beyond the museum.

Date | October 30th (Thu) – November 23rd (Sun). 2025
Opening Hours | 1 pm – 6 pm (Closed Every Monday)
Venue | Total Museum of Contemporary Art (entire venue)
Opening Reception | October 30th, 2025 (Thu) 5 pm

Artists |
Bak Bang Young, Shin Young Seong, Ha Yong Seok(Nanjido), Kim Chan Dong, Ha Min-su, Hong Seungil(Meta-Vox)

Symposium |
<Nanjido and Meta-Vox: Reinterpreting the Art Movements of the 1980s>
November 8th, 2025 (Sat) 2 pm
Total Museum of Contemporary Art, 1F Academy Room
Symposium Researchers | Kim Chan Dong, Kim Ju Weon, Shim Jin Sol, Cho Soojin

《TOTAL SUPPORT 2025》

토탈미술관은 1976년 개관한 한국 최초의 사립 현대미술관으로, 예술의 다양한 장르를 수용하고 현대미술의 실험적 도전을 꾸준히 지원해 왔습니다. 이러한 전통과 정신을 바탕으로, 미술관의 지속 가능한 미래를 함께 만들어가고자 후원전 《Total Support 2025》를 오는 10월 15일부터 23일까지 개최합니다.

2025년, 토탈미술관은 《uni form: Broken Twill》로 한 해의 문을 열었습니다. 코어 그룹과 초대 작품을 통해 개인전의 새로운 형식을 실험한 이 전시는 다가오는 11월에는 독일로 이어져 국제 교류의 장을 확장할 예정입니다. 한국 현대미술을 해외와 연결하고 문화예술의 폭넓은 소통을 실현하려는 노력은 지난 4월 주캐나다 한국문화원에서 개최된 《The Show Must Go On: Canada》 전시로부터 그 흐름을 이어왔습니다. 한편 국내에서는 7월부터 천안과 파주에서 소장품 전시를 선보이고 있으며, 경상남도 거제시에서 픽셀 킴과 정민수의 개인전을 개최하며 지역 사회 속 현대미술의 접근성을 확대해 왔습니다.

토탈미술관의 교육 프로그램 또한 꾸준히 이어지고 있습니다. 30여년 동안 지속되어온 대표 프로그램 〈토탈아카데미〉는 현대미술뿐 아니라 건축, 음악, 무용 등 다양한 장르를 아우르며 문화예술의 폭넓은 접점을 확장해왔습니다. 그 경험을 바탕으로 2024년에 새롭게 출범한 〈토탈세미나〉는 지난 1년간 동시대 작가들의 작업을 깊이 탐구하며 새로운 담론을 열어가고 있고, 매주 월요일 열리는 〈월요살롱〉은 400회를 돌파하며 다양한 분야 전문가들과 예술 담론을 이어가고 있습니다. 더불어 일요독서모임 〈일(ㄱ)자회〉는 책을 매개로 예술적 교감을 나누는 공동체로 자리 잡았으며, 올해 새롭게 시작된 〈AT&D SCHOOL〉은 ‘학교’라는 형식 안에서 미디어아트를 향한 전문적이고도 창의적인 탐구를 열어가고 있습니다.

아울러, 미술관의 사회적 책임에 대한 고민 속에서 시작된 〈바틱 스토리〉는 올해도 홍익대학교 섬유미술패션디자인과와 협력하여 진행되고 있습니다. 한국의 학생들과 인도네시아 바틱 장인들이 함께하는 이 프로젝트는 예술의 지속 가능성과 사회적 가치를 실천하는 모범적인 사례로 자리매김하고 있습니다.

《Total Support 2025》는 토탈미술관의 비전에 동참하는 작가들과 함께합니다. 부디 참석하시어 따뜻한 관심과 후원을 보내주시기를 부탁드립니다. 앞으로도 토탈미술관은 귀한 성원에 보답할 수 있도록 더욱 풍성한 기획과 프로그램으로 찾아뵙겠습니다.

토탈미술관 관장

노 준 의 드림

일시 | 2025.10.15 (수) – 10.23 (목)

장소 | 토탈미술관 전관

오프닝 | 2025.10.15 (수) 13:00

참여작가 | 강석호 고영애 김구림 김기라 김도희 김동연 김승연 김윤신 김장희 김태협 노정란 리 경 민예은 박서보 박석원 방앤리 배지현 변승훈 안규철 양순열 양정화 우종택 원성원 유 희 윤명로 이강소 이상민 이상현 이순종 이승조 이예은 이용덕 이용백 정경선 정보원 정 현 정혜진 제유성 최명영 최병소 최철용 탁양지 픽셀김 함 섭 황규태 흑표범

Total Museum of Contemporary Art, which opened in 1976 as Korea’s first private contemporary art museum, has consistently embraced diverse art genres and supported experimental challenges in contemporary art. Building on this tradition and spirit, we are hosting the fundraising exhibition 《Total Support 2025》 from October 15 to 23 to collaboratively build a sustainable future for the museum.

In 2025, the Total Museum opened the year with the exhibition 《uni form: Broken Twill》. This exhibition, which experimented with new formats for solo shows through core group and invited works, is set to expand its international reach by traveling to Germany this November. This effort to connect Korean contemporary art with the world and realize broad communication in culture and arts follows the momentum from 《The Show Must Go On: Canada》 held at the Korean Cultural Centre in Canada this past April. Domestically, we have been showcasing collection exhibitions in Cheonan and Paju since July, and have expanded the accessibility of contemporary art within local communities by holding solo exhibitions for Pixel Kim and Minsoo Jeong in Geoje-si, Gyeongsangnam-do.

The Total Museum of Art’s educational programs are also continuing apace. The flagship program, 〈Total Academy〉, which has been running for over 30 years, embraces various genres including not only contemporary art but also architecture, music, and dance, expanding the broad contact points of culture and art. Based on this experience, the newly launched 〈Total Seminar〉 in 2024 has been deeply exploring the works of contemporary artists and opening new discourses over the past year. Furthermore, the weekly 〈Monday Salon〉 has surpassed its 400th session, continuing artistic discussions with experts from diverse fields. In addition, the Sunday book club 〈Sunday Book Club〉 has established itself as a community that shares artistic communion through books, and the newly launched 〈AT&D SCHOOL〉 this year is pioneering professional and creative explorations of media art within the format of a ‘school.’

Moreover, 〈Batik Story〉, which began out of a concern for the museum’s social responsibility, is being held this year in collaboration with the Department of Fiber Art and Fashion Design at Hongik University. This project, bringing together students from Korea and Batik artisans from Indonesia, serves as an exemplary case for practicing the sustainability and social value of art.

《Total Support 2025》 is held with artists who share the TMCA’s vision. We earnestly request your warm interest and support by attending. The Total Museum of Art will continue to present richer planning and programs to reciprocate your valued encouragement.

Sincerely,

Noh Jun-Eui,
Director of Total Museum of Contemporary Art

Date | October 15 (Wed) – October 23 (Thu), 2025

Venue | Total Museum of Art, All Galleries

Opening | October 15 (Wed), 2025, 13:00

Artists | Sukho Kang, Young-yae Ko, Koolim Kim, Gira Kim, Dohee Kim, Dongyeon Kim, Seungyeon Kim, Yoonshin Kim, Janghee Kim, Taehyeop Kim, Jeongran Roh, Kyung Lee, Ye-eun Min, Seo-Bo Park, Seok-Won Park, Bang & Lee, Jihyun Bae, Seunghun Byun, Kyuchul Ahn, Soonyul Yang, Jeonghwa Yang, Jongtaek Woo, Sungwon Won, Hee Yoo, Myungro Yoon, Gangso Lee, Sangmin Lee, Sanghyun Lee, Soonjong Lee, Seungjoh Lee, Yeeun Lee, Yongdeok Lee, Yongbaek Lee, Kyeongseon Jung, Bowon Jung, Hyun Jung, Hyejin Jeong, Yoosung Je, Myoungyoung Choi, Byungso Choi, Chulyong Choi, Yangji Tak, Pixel Kim, Sub Ham, Kyu Tai Hwang, Black Jaguar

The Show Must Go On: Yang Yang

‘여행하는 예술가의 포트폴리오‘를 콘셉트로 시공간의 제약을 넘어 지속되어 온 TSMGO(The Show Must Go On) 프로젝트가 양양군 현남면의 복합문화공간 힐러스(Hillers)에서 새로운 전시를 선보인다. 2011년부터 이어져 온 TSMGO는 토탈미술관이 기획한 이동형 전시 프로젝트로, “쇼는 계속되어야 한다”라는 슬로건 아래 팬데믹과 같은
사회적 제약과 시공간의 한계를 넘어 예술적 실천을 지속해 왔다.

TSMGO 프로젝트는 작가에게 ‘포트폴리오 여행 가방‘을 의뢰하는 것에서 출발한다. 이 여행 가방은 작가의 세계관을 응축한 작은 전시장으로, 도록이나 포트폴리오보다 입체적이고 대형 작품보다 유연하다. 이는 마르셀 뒤샹의 <La Boîte-en-valise 여행용 가방>에서 착안한 것으로, TSMGO는 이를 오늘날의 맥락 속에서 재해석하고 확장한다.
여행 가방을 매개로 한 전시는 보편적으로 전시장이 갖추어야 할 물리적 조건에서 비교적 자유로우며, 어디서든 열릴 수 있는 새로운 전시 형식을 제안한다. 참여 작가는 작품, 전시, 포트폴리오, 작가 노트 등을 집약하거나, 작품 세계관의 주요 장면을 발췌해 가방을 제작한다. 이렇게 완성된 가방은 이동하며 관객과 만나는 새로운 전시 형식이 되며, 화이트 큐브에 한정되지 않고 협소한 공간, 도서산간 지역, 제한된 예산 속에서도 전시가 가능하도록 설계되었다.

이번 전시는 특히 전문 전시 공간이 전무한 양양군 현남면에서 개최된다는 점에서 주목할 만하다. TSMGO는 현대미술에 대한 지역 주민의 접근성을 높이고, 동시대 예술가의 지역 기반 활동을 활성화하는 기반을 마련하고자 한다. 전시는 복합문화공간 힐러스(전시실, 워크스페이스, 카페, 객실, 온실) 전반에 스며들며, 특정한 공간에 국한되지 않고 관객의 ‘머무름과 이동‘에 따라 자연스럽게 열린다. 가방은 책상 위, 소파 곁, 온실의 식물 사이 등 일상의 공간에 자리 잡으며, 관객은 여행 가방이라는 친숙한 매개체를 통해 일상의 순간이나 여행의 경로에서 우연히 작품과 마주하게 된다. 전시는 관객이 도록을 펼쳐 읽거나 작품을 꺼내어 직접 배치하는 과정을 통해 끊임없이 변주되면서, 관객이 예술과 일상이 맞닿는 지점을 스스로 발견하고 경험하도록 유도한다.

나아가 이 프로젝트는 특정 지역에 머무르지 않고 다른 지역으로 확장될 수 있는 잠재력을 지니며, 예술은 어디든 도달할 수 있다는 메시지를 전달한다. 전시는 관객이 삶 가까이에서 예술을 경험하는 계기를 마련하는 동시에, 아티스트 토크와 워크숍 등 연계 프로그램을 통해 작가와의 직접적인 만남을 경험하게 할 예정이다.

The short history of TSMGO
2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, S. Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 L.A., USA
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, S.Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yang Yang, S.Korea(exhibition version)

날짜 | 2025. 10. 15(수) – 11. 15(토)
장소 | 힐러스(강원도 양양군 현남면 북죽로 112-2)
참여작가 | 권오상, 김도균, 노순택, 민예은, 윤석남, 양정화, 이순종, 이예은, 장파, 조영주, 홍이현숙, 흑표범
주최/주관 | 힐러스
기획 | 토탈미술관
총괄기획 | 신보슬
디자인 | 정진열
후원 | (주)예술경영지원센터/문화체육관광부/지역전시활성화사업

Building on the concept of the “Portfolio of a Traveling Artist,” the long-running project TSMGO (The Show Must Go On) presents a new exhibition at Hillers, a multi-purpose cultural complex located in Hyeonnam-myeon, Yangyang-gun. Initiated in 2011, TSMGO is a mobile exhibition project organized by Total Museum of Contemporary Art. Under the slogan “The Show Must Go On,” the project has continued artistic practice beyond the constraints of time, place, and social circumstances—including the pandemic.

TSMGO begins by commissioning each artist to create a “portfolio suitcase.” This suitcase functions as a compact exhibition space encapsulating the artist’s worldview—more spatial than a catalogue or portfolio, yet more flexible than a large-scale work. Inspired by Marcel Duchamp’s La Boîte-en-valise, the project reinterprets and expands this historical reference within a contemporary context.
Exhibitions mediated through the suitcase are relatively free from the physical conditions typically required by conventional exhibition venues, proposing a new form of display that can unfold anywhere. Participating artists compile works, documentation, portfolios, or extracts of key scenes from their artistic universe to build their own suitcase. Once completed, each suitcase becomes a mobile exhibition that travels to meet audiences, enabling presentations outside the confines of the white cube—even within small spaces, remote regions, or under limited budgets.

This exhibition is particularly notable in that it is held in Hyeonnam-myeon, Yangyang-gun, where no dedicated contemporary art venue currently exists. TSMGO seeks to broaden local access to contemporary art and to support the development of regionally grounded artistic practice. The exhibition permeates the various facilities of Hillers (gallery, workspace, café, guestrooms, and greenhouse) and unfolds organically according to the visitors’ own “stay and movement,” rather than being confined to a single location. The suitcases are placed on desks, beside sofas, or among plants in the greenhouse—spaces embedded in everyday life—allowing audiences to encounter artworks through the familiar medium of a travel bag, whether in the midst of daily routines or along their personal itineraries.
The exhibition continually shifts as visitors open the suitcases, read accompanying materials, or take out and arrange works themselves, encouraging them to discover and experience the point at which art and everyday life converge.

Furthermore, the project holds the potential to expand beyond its current site to other regions, underscoring the message that art can reach anywhere. In addition to the exhibition, public programs such as artist talks and workshops will offer opportunities for direct engagement with participating artists, bringing art even closer to everyday life.

The Short History of TSMGO

2012 London, UK
2013 Singapore
2013 Kota Kinabalu, Malaysia
2013 Venice, Italy
2014 Seoul, South Korea (exhibition version)
2014 Paris, France
2015 Los Angeles, USA|
2018 Warsaw, Poland (exhibition version)
2020 Incheon, South Korea
2023 Ontario, Canada
2025 Ottawa, Canada (exhibition version)
2025 Yangyang, South Korea (exhibition version)

Dates 15 October (Wed) – 15 November (Sat), 2025

Venue Hillers(112-2 Bukjuk-ro, Hyeonnam-myeon, Yangyang-gun, Gangwon-do, South Korea)

Participating Artists Kwon O-sang, Kim Do-kyun, Noh Suntag, Min Yeeun, Yun Suknam, Yang Junghwa, Lee Soonjong, Lee Yeeun, Jang Pa, Cho Youngjoo, Hong Yi-hyun-sook, Black Panther

Hosted and Organized by Hillers

Curated by Total Museum of Contemporary Art

Chief Curator Nathalie Boseul SHIN

Design Jung Jinyul

Supported by
Arts Management Support Center / Ministry of Culture, Sports and Tourism / Regional Exhibition Revitalization Program

LEE YONG DEOK INVERTED SCULPTURE

이용덕의 역상조각: 순간의 지속

이 연구서는 토탈미술관이 2024년 6월에 개최한 이용덕展《순간의 지속 THE MOMENT NOT A MOMENT》과 연계 심포지엄을 바탕으로 확장된 연구의 결과물이다. 전시는 이용덕이 1984년에 창안한 독창적인 표현형식인 ‘역상(易像)조각’을 집중 조명하며, 그가 40여 년에 걸쳐 진행해 온 조형 실험의 과정을 아울렀다. 전시와 함께 진행한 심포지엄에는 국내 현대미술계를 대표하는 미술사학자, 비평가, 전시기획자가 참여하여 이용덕의 조형 세계와 그의 역상조각에 대한 미학적·미술사적 의미를 심층적으로 논의했다.

역상 조각은 조각의 입체적인 형상을 역으로 뒤집어(invert) 음각으로 파인 형태가 마치 양각처럼 돌출된 효과를 내는 반전 기법을 활용한다. 이 과정에서 작품은 현실과 비현실, 존재와 비존재를 교차하여 관객에게 익숙한 형상이 환영으로 변하는 순간을 경험하게 한다. 이용덕은 실재가 어떻게 우리의 인식론적인 경험을 구성하는 지에 대해 오랜 시간 천착했으며, 그의 조형 세계는 전시를 통해 그 흐름과 맥락을 더욱 선명하게 드러냈다. -책을 펴내며 中-

e-book 링크: https://online.fliphtml5.com/vkfpd/sbfv/

저자
권혁규, 김남시, 김원방, 로버트 C. 모건, 심상용, 원애경, 정연심, 조상인, 최태만, 케이트 림

기획
엘와이디 스튜디오
원애경
토탈미술관

지원
토탈미술관
엘와이디 스튜디오

편집
엘와이디 스튜디오
원애경

디자인
문해원

번역
곽지수, 토드 홀로벡

사진
이용덕, 이정우, 아트조선

인쇄
경일인쇄

발행처
토탈뮤지엄프레스

LEE YONG DEOK INVERTED SCULPTURE:
THE MOMENT NOT A MOMENT

This research publication is an expanded outcome based on the symposium held in conjunction with Lee Yong Deok – The Persistence of the Moment: MOMENT NOT A MOMENT, an exhibition organized by the Total Museum of Contemporary Art in June 2024. The exhibition spotlighted Lee Yong Deok’s original sculptural form, Inverted Sculpture, first conceived in 1984, and traced the trajectory of his four-decade-long formal experimentation. The accompanying symposium brought together leading art historians, critics, and curators in the field of contemporary Korean art, who engaged in in-depth discussions on the aesthetic and historical significance of Lee’s sculptural practice, particularly his Inverted Sculpture.

Inverted Sculpture employs a reversal technique in which a concave form—sculpted in negative relief—creates the visual illusion of a convex figure. Through this process, the work enables viewers to experience a moment in which the familiar image appears as an apparition, blurring the boundary between reality and the unreal, presence and absence. Lee Yong Deok has long devoted himself to exploring how the real is constructed within our epistemological framework, and the exhibition revealed the evolution and deeper structure of his sculptural language.
-From the Foreword-

e-book link: https://online.fliphtml5.com/vkfpd/sbfv/

AUTHORS
Kwon Hyukgue, Kim Nam-see, Kim Won Bang, Robert C. Morgan, Shim Sang Yong, AeKyung Won,
Yeon Shim Chung, Cho Sang In,
Choi Tae-Man, Kate Lim

ORGANIZED BY
Total Museum of Contemporary Art

CURATED BY
LYD Studio,
Aekyung Won

ASSISTED BY
Total Museum Contemporary Art
LYD Studio
Jo Uiju, Kim Taehoon, Isaac Moon

EDITED BY
LYD Studio,
Aekyung Won

DESIGN BY
Haewon Moon

TRANSLATED BY
Ji Su Kwak, Todd Holoubek

PHOTOGRAPHY BY
Lee Yong Deok, Lee Jeongwoo,
Art Chosun

PRINTED BY
Kyungil Printing Co.

PUBLISHED BY
TOTAL MUSEUM PRESS

《uni form: Broken Twill》

《유니 폼: 브로큰 트윌》은 패션 디자이너이자 현대미술 작가로 활동하는 최철용의 전시로, 유니폼이라는 제도적 형식을 해체하고 새로운 의미로 재구성한다. 특히 이번 전시는 개인 작업을 보여주는데 그치지 않고, 다양한 분야의 전문가들과 함께 구성된 ‘코어그룹형 기획 전시’라는 점에서 기존 전시와는 차별화된다.

전시 제목 ‘유니 폼(uni form)’은 하나(uni)와 형식(form) 사이의 간극을 드러내기 위해 의도적으로 띄어 썼다. 이 틈은 동일성과 규율을 상징하는 유니폼의 고정된 이미지를 흔드는 동시에, 새로운 주체와 전시 형식이 탄생할 수 있는 가능성을 상징한다. 이것을 조형적으로 구현하는 핵심 개념인 ‘브로큰 트윌(Broken Twill)’은 원래 직조 기법에서 비롯된 용어로 반복적인 패턴을 일부러 끊거나 비트는 방식을 뜻한다. 최철용은 이를 통해 유니폼의 매끈한 표면 아래 잠재한 파열과 저항의 리듬을 시각화한다.

이번 전시는 다양한 연작을 소개한다. 대표적인 시리즈 중 하나인 〈질서의 농도〉는 무채색의 군중 이미지를 통해 집단 속에서 개인이 어떻게 익명화되고, 규율, 존재의 경계가 반복과 배열을 통해 어떻게 형성되는지를 탐구한다. 〈분절된 시선의 떨림: 굴절된 능직의 시학〉에서는 ‘브로큰 트윌’이라는 직조 패턴을 통해 유니폼의 역사적·물질적·상징적 구조를 해체하고, 〈심연을 향한 은밀한 항해: 12개의 이야기〉는 일상의 사물과 신체의 움직임을 통해 무의식과 사회 구조 속에서 형성되는 긴장과 감정을 드러내면서, 유니폼을 ‘사회적 몸’의 상징으로 확장시킨다. 특히 지하 전시장 전체를 압도하는 10미터가 넘는 대형 회화 작품인 〈기억의 파편이 새기는 푸른 상흔〉은 유니콘, 권총, 군복, 우유, 알마 브라운 색상 등 상징적 이미지들이 충돌하며, 개인의 기억과 집단적 경험 속에 남은 ‘상흔’을 드러낸다. 최철용은 이처럼 다양한 관점과 기법적 실험을 기반으로 한 작품을 통해서 각각 서로 다른 감각의 진동과 해석의 틈을 드러내고, 유니폼의 표면 너머, 그 안에 켜켜이 쌓인 질서와 파열, 그리고 존재의 흔적들을 탐색한다.

아울러 전시는 국내외 작가들의 작품을 초대하여 유니폼의 의미를 확장한다. 히토 슈타이얼은 미술관이라는 제도 자체를 ‘전장’으로 바라보며, 형식과 시선, 권력의 작동 방식을 질문한다. 안톤 셰벳코는 우크라이나의 LGBTQ+ 군인들을 기록한 사진 작업으로, 군복이라는 유니폼이 감추는 존재의 긴장을 드러낸다. 에밀리 브루 & 막심 마리옹은 상업적 영상 언어를 차용해 사랑·노동·데이터·정체성이 얽힌 관계망을 탐구하고, 문형민은 교과서 속 인물을 조각으로 재현해 사회적 역할이 개인성을 지우는 과정을 보여준다. 손구용은 반복과 리듬으로 구성된 흑백 영상 속에서 형식화되지 않은 존재의 유동성과 생기를 담담하게 포착한다.

《유니 폼: 브로큰 트윌》은 유니폼을 출발점으로 패션, 예술, 제도, 사회 구조, 정체성의 문제를 교차적으로 사유하게 한다. 동시에 ‘개인전’의 경계를 넘어 다양한 작품이 함께 얽히는 플랫폼으로 기능하며, 향후 베를린의 P61으로 이어질 예정이다. 이번 전시는 통일의 상징으로 여겨져 온 유니폼을 균열의 출발점으로 삼아, 우리가 입고 살아가는 세계의 무늬를 다시 한 번 성찰하는 시간을 마련하고자 한다.

▶ 작가 인터뷰
▶ 보도자료
▶ 전시 사용 설명서 및 핸드아웃
▶ 전시글(국문/영문)

일시 | 2025.08.28 (목) – 09.28 (일)

장소 | 토탈미술관 전관

초청일 | 2025.08.28 (목) 15:00

작가 | 최철용

초청작품 | 총 5점/시리즈
〈미술관은 전장이 될 수 있는가?〉, 히토 슈타이얼 , 2013
〈우리는 여기 있었다〉, 안톤 셰벳코, 2018~2020
〈진정으로 함께 한 사랑〉, 에밀리 브루 & 막심 마리옹, 2018
〈교과서 프로젝트〉, 문형민, 연도미상
〈공원에서〉, 손구용, 2024

코어그룹 | 최철용 (패션, 현대미술, 기획), 하선규 (미학이론), 안마노 (시각디자인,출판), 류도연 (서브컬처, 미디어플랫폼), 고훈철 (사진), 신보슬 (총괄기획), 윤현민 (기획), 이윤경(패션, 리서치)

영상 푸티지 구성 | 정지원

어시스턴트 | 김혜상, 이동현

전시 코디네이터 | 김민선, 김반석, 김서연, 이채령

디자인 | 안그라픽스

공간 디자인 | 꽃술 이미혜, 석운동 김지원

사진 | STUDIO WIMIRY

홍보 마케팅 | VOKE

모델링·목업 | 이은영

번역감수 | 슈프림트랜스 김태덕

아트핸들러 | 에스아트 정동춘

전시 테크니션 | 강석호

미디어 설치 | 미지아트 박근수, 박상훈, 박상록

판넬 제작 | 영신목공소

작가 지원 | 하일리 그레넷

주최·주관 | 토탈미술관

협력 |
P61
켈터본 컬렉션Kelterborn Collection

사진 컨텐츠 지원 |
서울특별시, (사)서울특별시미술관협의회

후원 |
문화체육관광부
한국국제문화교류진흥원
2025 코리아라운드 컬처

《uni form: Broken Twill》 is an exhibition by fashion designer and contemporary artist Choi Chul-yong, which dismantles the institutional framework of the uniform and reconstitutes it with new meaning. Unlike conventional exhibitions, this project is conceived not only as a presentation of the artist’s individual works but also as a “core-group curatorial exhibition” organized in collaboration with experts across diverse fields.

The title “uni form” is intentionally divided into two words to highlight the tension between “uni” (one) and “form.” This gap destabilizes the fixed image of the uniform as a symbol of conformity and discipline, while at the same time opening up the possibility for new subjects and exhibition formats to emerge. The key concept underpinning this is “Broken Twill,” a term originally derived from weaving techniques that involve deliberately interrupting or twisting repetitive patterns. Choi employs this structure to visualize the ruptures and resistant rhythms latent beneath the polished surface of the uniform.

The exhibition presents a wide range of Choi’s series. Among them, Density of Order examines how individuals are anonymized within crowds through monochromatic images, exploring the ways repetition and arrangement construct discipline and the boundaries of existence. Tremor of a Gaze : Poetics of the Broken Twill deconstructs the historical, material, and symbolic structures of the uniform through the weaving pattern of broken twill. Secret Voyage into Abyss: 12 Stories reflects on unconscious tensions and emotions produced through everyday objects and bodily gestures, extending the uniform as a metaphor for the “social body.” The exhibition’s centerpiece, Blue Scars in Memory—a monumental painting over ten meters in scale that dominates the subterranean gallery—collides symbolic images such as unicorns, pistols, military uniforms, milk, and the color “Alma Brown” to reveal the scars left by both personal memory and collective experience. Through these varied perspectives and experimental techniques, Choi makes visible the vibrations of different sensory registers and interpretive gaps, probing the layered orders, ruptures, and traces of existence embedded within and beyond the uniform.

The exhibition further expands the notion of the uniform by inviting works by international and Korean artists. Hito Steyerl interrogates the museum institution itself as a “battlefield,” questioning structures of form, gaze, and power. Anton Shebetko documents LGBTQ+ soldiers in Ukraine, revealing the tensions concealed by military uniforms. Emilie Brout & Maxime Marion appropriate the language of commercial media to examine entanglements of love, labor, data, and identity. Moon Hyungmin reimagines figures from school textbooks as sculptures, showing how social roles erase individuality. Son Guyong captures the fluidity and vitality of unfixed existence through black-and-white video works structured by repetition and rhythm.

《uni form: Broken Twill》 situates the uniform as a departure point for cross-disciplinary reflection on fashion, art, institutions, social structures, and identity. Functioning beyond the conventional boundaries of a “solo exhibition,” it serves as a platform where diverse works interweave, and will extend to P61 in Berlin in the future. By treating the uniform—long regarded as a symbol of unity—as a site of fissure, the exhibition invites us to reconsider the patterns of the world we inhabit and wear.

▶ Artist Interview
▶ Exhibition Preface
▶ Floor Plan

Date | August 28 (Thu) – September 28 (Sun), 2025

Venue | Total Museum of Contemporary Art (entire venue)

Opening Reception | August 28 (Thu), 2025, 3:00 PM

Artist | Chul Yong CHOI

Invited Works | 5 works/series
• Is the Museum a Battlefield?, Hito STEYERL, 2013
• We Were Here, Anton SHEBETKO, 2018–2020
• A Truly Shared Love, Émilie BROUT & Maxime MARION, 2018
• Textbook Project, Hyung Min MOON, year unknown
• At the Park, Koo Yong SOHN, 2024

Core Group | Chul Yong CHOI (Fashion, Contemporary Art, Curation), Sun Kyu HA(Aesthetics, Theory, Critical Writing), Ma No AN (Graphic Design, Publishing), Do Yeon RYU (Subculture, Media Platform), Hoon Cheol KO (Photography), Nathalie Bo Seul SHIN (Artistic Direction, Curation), Hyun Min YUN (Curation), Yun Kyung LEE (Research)

Video Footage | Ji Won JUNG

Assistant | Hye Sang KIM Dong Hyun LEE

Coordinator | Min Seon KIM Seo Yeon KIM Chae Ryung LEE

Space Design | Kkotssul(Mee Hye LEE) Seokundong(Ji Won KIM)

Graphic Design | Ahn Graphics

Photograph | Studio Wimiry

PR and Marketing | VOKE

Modeling and Mockup | Eun Young LEE

Translation | Supremetrans Tae Deog GHIM

Art Handler | S-ART(Dong Chun JUNG)

Exhibition Technician | Suck Ho KANG

Media installation | Miji Art(Keun Su PARK, Sang Hun PARK, Sang Rock PARK)

Host/Organizer | Total Museum of Contemporary Art (TMCA)

Co-organizer |
P61
Kelterborn Collection

Photo Content Support |
Seoul Metropolitan City, Seoul Council of Art Museums

Sponsorship |
The Ministry of Culture, Sports and Tourism
Korean Foundation for International Cultural Exchange
2025 Kore·A·Round Culture

일(ㄱ)자회 TMCA Sunday Book Club

일(ㄱ)자회는 2022년 토탈미술관 기획전시 《비커밍의 기술(Techniques of Becoming)》 연계 워크숍에서 시작되어, 정기 모임으로 자리 잡은 토탈미술관의 예술 독서 커뮤니티입니다.

매주 일요일에 진행되는 일(ㄱ)자회는 매달 한 권의 도서를 선정해 미술관에 모여 함께 읽고, 각자의 생각을 자유롭게 나누는 방식으로 운영됩니다. 책을 미리 완독한 뒤 정밀한 해석을 공유하기보다, 느슨하고 유연한 대화 속에서 감상과 질문을 함께 확장해가는 모임입니다.

예술가의 창작과 삶에 깊은 영향을 준 책부터, 예술가가 직접 집필한 도서까지, 다양한 도서가 일(ㄱ)자회의 추천 도서가 됩니다. 또한 매달 마지막 일요일에는 ‘야외 읽기’ 프로그램을 통해 여행, 공연, 비엔날레, 사찰 투어 등 다채로운 장소에서 모임을 확장하며, 책과 예술을 매개로 한 공동의 경험을 함께 만들어갑니다.

참석 인원과 읽을 분량, 해석의 방향은 아무것도 정해지지 않습니다. 일(ㄱ)자회는 자유로운 함께 읽기를 지향합니다.

참여신청 | 구글폼 작성(클릭)

2025년 12월의 일(ㄱ)자회

추천도서 | 베르나르 베르베르의 『웃음』을 읽습니다.

일정 | 자유읽기 12월 7일, 14일, 21일(토탈미술관) / 야외읽기 12월 28일(핀포인트 아트센터)
*야외읽기 경비는 별도입니다.

도서 추천 작가 | 김태협(b.1985)
인천대학교 서양화전공을 졸업 후 동대학원에서 미술학과 석사를 수료했다. 최근 뉴욕 RoundK에서 개인전 <Paper Cut>을 가졌으며, <ROOM 730>, <HAPPEN> 전시 외 다수의 단체전에 참여했다. 직접 경험했던 일들이나 미디어를 통해 본 사회 속에서 사회의 제도, 대인관계가 개인의 미시적인 욕망들과 연결하여 타자화된 주체성을 형성할 수 밖에 없는 상황 속에서 나름의 정체성을 찾고자 하는 문제의식에서부터 작업을 시작하였다. 김태협은 작가 본인을 등장시켜 마치 한 편의 그림일기처럼 작품을 구성하며, 감정을 의인화하거나 소품을 사용하여 작가 스스로의 감정을 대변하기도 한다. 그는 흑백과 컬러로 나누어 작업을 하곤 하는데, 이는 내면과 외면을 구분하여 표현하기 위함이며, 색이 사라지거나 등장하는 방식을 통해서 불안감, 혼동, 욕망을 표출하려는 모습을 드러낸다.

TMCA Sunday Book Club began as a reading workshop held in conjunction with the Total Museum’s 2022 exhibition 《Techniques of Becoming》, and has since evolved into a regular, ongoing reading community hosted by the museum.

Held every Sunday, TMCA Sunday Book Club selects one book each month and gathers at the museum to read and exchange thoughts. Rather than requiring participants to complete the book in advance or offer thorough analyses, the group fosters open-ended and flexible discussions that allow personal impressions and questions to naturally unfold.

Reading selections range from books that have profoundly influenced the lives and practices of artists, to works authored by artists themselves. On the last Sunday of each month, the group expands its scope through an “Outdoor Reading” program, which explores diverse locations such as travel destinations, performances, biennales, and temple tours—creating shared experiences centered around books and art.

There are no fixed rules about attendance, reading pace, or interpretive direction. TMCA Sunday Book Club values the freedom of reading together.

How to Join: Submit your registration via the Google Form(Click here)

TMCA Sunday Book Club in December 2025

Book of the Month | 『Laughter』 by Bernard Werber

Schedule | Free Reading: December 7, 14, 21(at Total Museum) / Outdoor Reading: December 28 (at PINPOINT art center)
*Please note: additional costs apply for Outdoor Reading.

Book Recommended by | KIM Taehyup (b.1985)
After completing his BFA in Western Painting at Incheon National University, Kim Taehyup finished the coursework for his MFA in Fine Arts at the same institution. Most recently, he held a solo exhibition, Paper Cut, at RoundK in New York, and has participated in numerous group exhibitions including ROOM 730 and HAPPEN.
Kim’s practice originates from a critical inquiry into the ways in which institutional structures and interpersonal relationships within contemporary society—whether directly experienced or mediated through mass media—inevitably shape an objectified subjectivity by intersecting with the individual’s micro-level desires. His work often features himself as a central figure, unfolding like a visual diary in which emotions are personified or represented through various props that stand in for the artist’s internal state.
Kim frequently works in both monochrome and color as a means to delineate the internal and external realms. Through the disappearance or emergence of color, he reveals expressions of anxiety, confusion, and desire that fluctuate between these psychological and perceptual boundaries.

픽셀 김 개인전 《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》

토탈미술관은 예술을 매개로 지역의 예술 커뮤니티를 개발하고 문화예술 플랫폼을 구축하는 다양한 프로젝트를 진행해왔다. 거제의 아그네스 파크와 협업하여 개최한 연례전시는 지역의 문화예술에 대한 접근성을 높이고, 동시대 예술가의 지역 기반 활동을 활성화하고자 기획되었다. 토탈미술관은 실험적이고 도전적인 작품으로 주목받는 신진 작가부터 한국 미술을 대표하는 국제적인 작가까지 아우르며 동시대 한국미술의 동향을 볼 수 있는 기회를 제공한다.

본 전시에서 소개하는 픽셀 김은 일상의 경험과 사회적 사건을 자신만의 조형 언어인 ‘픽셀’로 조각내어 재구성하는 작업을 통해 독자적인 작품 세계를 구축한 작가이다. 그의 작품은 선율이 느껴지는 드로잉과 과감한 색채의 변주를 통해 많은 이들에게 순수한 시각적 즐거움을 선사해왔다.

《꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간》은 2015년 작가의 첫 개인전 이후 10년이 흐른 시점에서, 작가와 작품에 대한 비평적 해석을 잠시 유보한 채 그의 예술 세계가 어떻게 성장하고 확장되었는지를 살펴본다. 이를 위해 전시는 예술가가 구축한 세계와 그 안의 감각을 공유하는 자리를 마련하며, 작가의 가장 내밀한 장소이자 작품과 일상이 맞닿아 있는 작업실과 긴밀한 연결을 맺는다.

픽셀 김이 작업실을 떠올리며 직접 지은 전시 제목, “꿈의 공간과 또는 알람의 시간공간”은 수많은 꿈과 기억을 기록하며, 자신만의 규칙과 리듬을 따라 살아가는 삶과 작업 방식을 반영한다. 또한 그의 작업실이 지닌 시공간적 특성은 전시 구조의 토대를 이루며, 작가가 세상을 감각하는 층위를 다층적으로 시각화한다.

일시: 2025년 6월 3일(화) ~ 12월 28일(일) 매주 월요일 휴관
장소: 아그네스 파크 아트 스페이스
기획: 토탈미술관
큐레이터: 김민선
코디네이터: 김서연
주최: 아그네스 파크
사운드 디자인: 장혜민
도움: 김성원

*아래 내용을 클릭하시면 링크로 연결됩니다.

아그네스 파크 홈페이지
작가의 작업실 방문하기(영상)

Total Museum of Contemporary Art has been working on various projects to develop local art communities and build cultural platforms through art. The annual exhibition, organized in collaboration with Agnes Park in Geoje, aims to increase accessibility to local culture and art and to revitalize the community-based activities of contemporary artists. From emerging artists whose experimental and challenging works have garnered attention to international artists representing Korean art, Total Museum of Contemporary Art provides an opportunity to see the trends in contemporary Korean art.

Pixel Kim, who is featured in this exhibition, has established a unique body of work by fragmenting and reconstructing everyday experiences and social events into his own sculptural language of ‘pixels’. Through his melodious drawings and bold color variations, Kim’s work has provided many people with pure visual pleasure.

Ten years after the artist’s first solo exhibition in 2015, “Dream Space and the Temporal Space of Alarms“ examines how his artistic world has grown and expanded, putting critical interpretations of the artist and his work on hold. To this end, the exhibition creates a space to share the world the artist has constructed and the sense of being in it, and establishes a close connection with the artist’s most intimate place, his studio, where his work and daily life intersect.

The exhibition’s title, “The Dream Space and the Time Space of the Alarm,” which Pixel Kim chose himself while recalling his studio, reflects the way he lives and works, recording countless dreams and memories, and following his own rules and rhythms. The spatial and temporal characteristics of his studio also form the basis of the exhibition’s structure, visualizing the layers through which the artist perceives the world.

Dates: June 3 (Tue) – December 28 (Sun), 2025 (closed every Monday)
Venue: Agnes Park Art Space
Organized by Total Museum of Contemporary Art
Curator: Minseon Kim
Coordinator: Seoyeon Kim
Host: Agnes Park
Sound Design: Hye Min Chang
Thanks to Sungwon Kim